Сведение трека для чайников: Сведение музыки за 12 шагов

Сведение музыки за 12 шагов

Сведение – это скрупулезный процесс преобразования определенного количества аудио дорожек в полноценное музыкальное произведение. Это весьма кропотливая работа, требующая внимания, усидчивости и терпения. Качественный микс подчеркнет все достоинства в музыке, обозначив самые важные элементы композиции. Важно, что удачный микс будет очень хорошо звучать на любом оборудовании, начиная с моно радиоприемника и заканчивая аудиофильским комплектом аппаратуры.

Теоретически процесс сведения музыки совсем несложный – следует настраивать регуляторы до тех пор, пока не добьетесь нужного звучания. Тем не менее, случайно это сделать почти невозможно, ведь сведение сродни игре на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться в тонкостях сведения и попытаемся придать ему некую структуру.

Точка отсчета

С чего начать сведение трека? Прослушайте идеально, на ваш взгляд, звучащие музыкальные композиции. Желательно, чтобы они были в одном или похожем музыкальном стиле. Концентрируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Почувствуйте, что даже в очень плотном миксе вам удается различить партию каждого инструмента, потому что она находится в своем пространстве. Не пренебрегайте равномерностью частотного баланса: высокие частоты должны быть яркими, но не пронзительными, а бас должен звучать убедительно, при этом не загрязняя и не маскируя остальные звуки. Обязательно запомните относительный уровень основных инструментов — ударных и вокала.

Уровень мониторинга

Сведение музыки на высокой громкости чревато высокой утомляемостью для ушей. А сведение на низкой громкости, напротив, не напрягает слух и сводит усталость к минимуму. При сведении идеальной можно считать периодическую смену уровня громкости, в этом случае можно лучше представить, как микс ведет себя при разном уровне громкости.

Заниматься сведением в наушниках – идея неплохая, они изолируют от внешних шумов и хорошо подчеркивают детали. Однако наушники имеют способность все преувеличивать и в них трудно адекватно настроить стерео-картину. Поэтому наушниками лучше пользоваться при проверке чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах.

Аранжировка

Прежде чем начать сведение, тщательно изучите аранжировку. Выявите проблемные места, уясните, что в данной композиции главное, а что второстепенное, подчеркните необходимое и т.п. Можете даже составить некий “to do list”.

Сведение музыки: инструкция в «12 шагов»

Для сведения музыки не выработано четких правил, поэтому, пока вы не обзавелись своим собственным стилем сведения, используйте уже имеющиеся определенные ориентиры. При сведении вам будет нужно сделать множество настроек. Имеется двенадцать основных параметров, которые надо реализовать во время создания микса. Конечно же, это разделение весьма условное и данные «12 шагов» постоянно пересекаются. Например, при изменении какой-либо настройки эквалайзера, вы одновременно оказываете воздействие на громкость.

Итак, что же это за двенадцать шагов?

1. Ментальная подготовка

Процесс сведения зачастую длится очень долго, поэтому рабочее место должно быть удобным и комфортным. В первую очередь необходим хороший компьютерный стул с поддержкой спины. Также потребуется бумага для записей. Свет стоит приглушить, чтобы внимание полностью было сосредоточено на звуке.

Давайте ушам отдохнуть, для этого следует делать перерывы каждые 45 – 60 минут. Возможно, это большая роскошь, если вам платят за студийное время, но тем не менее, эти несколько минут отдыха помогут восстановить объективность вашего восприятия. В итоге, весь процесс сведения, как бы парадоксально это не звучало, займет меньше времени.

2. Организация треков

Следует подписать все треки и каналы, не имеет значения, где вы их сводите — в софте или на микшерном пульте. Придайте им логический порядок и организацию. Это поможет сэкономить время и сделать сведение более легким. При большом количестве треков — правильность и удобство группировки является очень важным этапом.

3. Наденьте наушники и избавьтесь от щелчков

Сведение – процесс творческий, в нем задействовано правое полушарие мозга, а удаление щелчков – работа левого полушария. Комбинация этих действий будет тормозить творческую активность, поэтому лучше в первую очередь сделать всю рутинную работу и больше к ней не возвращаться. Между прочим, именно на этом этапе работы следует воспользоваться наушниками.

Кроме этого, неплохо снизить уровень шума на тех дорожках, на которых это реально сделать. На отдельных треках звуковые артефакты могут показаться совсем несущественными, но в целом они могут оказаться очень  заметными, что в итоге повлияет на качество трека.

4. Оптимизация всех источников звука

Если в вашем треке применяются синтезаторы, то настройте их звучание на как можно более ранней стадии. Например, не подключайте внешние эквалайзеры, если можно просто подкрутить filter cutoff.

5. Баланс громкостей

До тех пор, пока не настроите общий приблизительный баланс громкостей — не добавляйте никаких эффектов и обработки. Не позволяйте своему левому полушарию препятствовать творческому процессу! Сначала включите моно режим для всех треков. Если в моно режиме звучание инструментов хорошо сбалансировано, то в стерео оно только выиграет. А если вы сразу начнете работать в стерео, то рискуете упустить частотные и громкостные конфликты среди инструментов.

6. Настройка эквалайзеров

Эквалайзеры помогают обозначить различия между инструментами, а также улучшают звуковой баланс. Поэтому сначала займитесь вокалом, ударными, басом — самыми важными элементами микса. А когда они хорошо зазвучат вместе, можно переходить к менее значимым элементам.

Из-за ограниченности частотного диапазона каждый инструмент должен располагать своей частотной нишей, чтобы, сочетаясь с прочими инструментами, он стал частью целостного звукового спектра.

Сведение лучше начинать с барабанов. Объясняется это тем, что  ударные инструменты составляют значительную часть частотного диапазона, начиная с бочки, заканчивая тарелками и перкуссией. Настроив правильно все ударные инструменты, с остальными разобраться будет гораздо легче и проще.

Изменение настроек эквалайзера на одном треке влияет на звучание другого трека. К примеру, сильно подняв середину у фортепиано, можно получить его конфликт с вокалом. Бывает так, что поднятие какой-либо частотной области одного инструмента потребует понижения громкости или вырезания такой же области у другого инструмента. Для примера – чтобы подчеркнуть вокал, можно слегка прибрать «вокальные» частоты у других инструментов, вместо того, чтобы обрабатывать вокал эквалайзером.

Представляйте композицию как спектр, планируя при этом, какой звук и куда вы хотите поместить. Иногда можно воспользоваться анализатором спектра. Однако не забывайте при этом, что уши, а не глаза ваш главный инструмент при сведении.

Если очень хочется подчеркнуть какой-то звук, то слегка приподнимите его в районе от 1 до 3 КГц. Если есть желание отодвинуть звук подальше, то следует понизить высокие частоты на соответствующей дорожке. Также целесообразно вырезать или понижать низкие частоты инструментов, в которых они не требуются, тем самым освобождая место для баса и бочки.

7. Основная обработка

Под этим определением подразумевается обработка, радикально меняющая звук либо привносящая в него что-то новое. Для примера — добавление эхо или какой-либо дисторшн и т.п.

8. Стерео картина

Самое время расставить инструменты в стерео поле. Можно использовать  традиционный подход, который основан на реальном расположении инструментов во время концерта, а так же что-то кардинально иное. Сигналы следует панорамировать аккуратно, избегая крайних положений регулятора панорамы.

Бочка и бас пусть остаются в центре: низкие частоты содержат максимум энергии, поэтому ее необходимо распределять равномерно. При панорамировании остальных инструментов внимательно отслеживайте баланс. Если что-то одно оказалось с одной стороны, то значит, что-то другое должно оказаться с другой.

9. Финальная коррекция аранжировки

Попробуйте свести количество соревнующихся инструментов к минимуму, это поможет держать внимание слушателя в фокусе. Вам, безусловно, может очень нравиться какой-нибудь звуковой эффект, но если в нем нет необходимости в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если вы считаете, что чего-то не хватает, попробуйте ликвидировать пробелы. Дождитесь завершения работы, прежде чем ей восхищаться. Помните, что здесь очень важна максимальная объективность!

10. Добавление глубины

После того, как вы разместили все инструменты по своим местам в стерео картине, настало время третьего измерения – добавление глубины. Начните с аккуратного добавления к звукам задержки и реверберации. Не допускайте многопространственности, особенно при сведении живой музыки. Помимо этого, не стремитесь улучшить качество звука, используя реверберацию. Эффективнее вернуться назад и поработать с настройками эквалайзера или синтезатора.

11. Тонкая настройка

Теперь, когда самая главная задача выполнена, следует обязательно перепроверить настройки всех каналов: громкость, настройка эквалайзеров, эффекты, и, если необходимо, внесите требуемые корректировки. Но не усердствуйте, музыке не всегда на пользу некая стерильность звучания. И еще, не нужно вносить изменения, которые кроме вас никто не заметит.

12. Проверьте свой микс на различных аудиосистемах

Прежде, чем поставить окончательную точку в своей работе, послушайте, как она будет звучать на различных аудиосистемах — от аппаратуры в студии до автомобильной системы. Если звучание микса везде убедительно – с задачей справились на отлично!

Сведение и мастеринг. Обучение. Часть 1.

Александр В. Цыплухин,

звукорежиссер.

Раз Вы читаете эту статью, значит слова «Сведение и Мастеринг» Вам знакомы и эта тема Вас беспокоит. Дайте попробую догадаться почему. Вы написали и свели десяток треков, но что то Вас не устраивает? Ваши клиенты, для которых Вы сводите не довольны результатом, да и Вы сами тоже? Мне тоже знакома эта ситуация. Двадцать первый век, второе десятилетие. Сорок лет назад для меня это время было космически не досягаемо, как и современный уровень компьютерных технологий. Вы хотите создавать музыку? Нет проблем! Берем средний компьютер, покупаем программу Cubase — и вперед!!! Весь мир музыкальных инструментов в Вашем распоряжении!!! На сегодняшний день такие программы, как Cubase, Logic Pro или Pro Tools позволяют делать музыку, сидя на диване, в своей спальне.

Купить программу просто, а самому разобраться «как оно там все работает?» — задача требующая неимоверных усилий. Ты тыркаешься, как слепой котенок, не понимая, что надо делать. Но вот — ура! — получилось! Ты написал свою первую композицию, показал другу, коллеге, сам послушал и понимаешь, что у остальных звучит лучше. Оказывается, что ты должен стать еще и звукорежиссером.

Следующий этап — идем на форум или конференцию и читаем советы «бывалых».

Как сделать «бочку», чтоб качало, а «дробовик» пожирнее? И так далее… Типичная проблема — голос не «ложится» в фонограмму. Другими словами, звучит не вместе с бэнндом, а сам по себе, отдельно. На форумах и конференциях Вы найдете советы типа «надо освободить место для вокала, вырезать эквалайзером у инструментов частоты, которые занимает голос и т. д. Чушня. В девяти случаев из десяти голос не «ложится» в фонограмму потому, что не правильно выстроено пространство, расстояние до вокалиста. Не читайте форумы и конференции, там пишут либо такие же дилетанты, как Вы, если Вы начинающий, либо профессионалы, которые говорят правильные вещи, но, будучи вырваны из контекста и без такого же опыта, как у них, Вы просто не способны понять, что они имели ввиду. И еще одно, как правило, комментарий профессионала можно применить только к тому конкретному треку и тому случаю, о котором он говорил. Другая песня, другая ситуация — и его совет может быть диаметрально противоположен предыдущему. Каждая ситуация уникальна.

То, о чем мы будем говорить дальше — как раз для тех, кто уже вдоволь начитался форумов и просмотрел массу видеоуроков. Этой статьей я начинаю серию, призванную помочь «домашним» звукорежиссерам, студентам ВУЗов по специальности. Звукорежиссер научится сводить треки, правильно понимать акустическое пространство, динамическую обработку, эквализацию инструментов, эстетику и философию звука. Вперед!

Для того, что бы научиться сводить, звукорежиссеру необходимо овладеть техникой сведения и основными инструментами, используемыми для этого. В руках у звукорежиссера четыре основных инструмента — это компрессор, эквалайзер, панер и приборы временной обработки. Однако, прежде, чем обсуждать инструментарий, поговорим о самом важном элементе в студии звукозаписи.

Мониторинг. Мониторинг — это тот элемент, через который вы воспринимаете весь мир музыки и звуков в Вашей студии. Это Ваши очки, через которые Вы смотрите на мир. Если это бытовая акустика, то она, как правило, красит звук и Вы смотрите на мир через «розовые» очки. Если это недорогая мультимедиа акустика, то Вы смотрите на мир через кривые пластиковые стекла и весь мир становится серым и мутным, ничего разглядеть невозможно и т. д.

Итак, чем же конкретно отличается недорогой мониторинг от качественного? Первое — это точность воспроизведения во всем частотном диапазоне. То есть, на недорогих мониторах частота 50 и 55 Гц или 4,5 и 5кГц будут звучать одинаково, а на качественных разница будет. Второе — это равномерность частотной характеристики. К примру в песне Стинга «All four seasons» басовая партия звучит в очень широком диапазоне и все ноты звучат ровно и одинаково по громкости. Возьмите этот трек и протестируйте. Если на Ваших мониторах это не так, то как Вы собираетесь формировать нижнюю часть спектра при сведении? Третье — это динамические характеристики мониторов. Если на Ваших мониторах не слышно разницы между атакой на компрессоре в 2 и 8 мсек (партия ударных), то Вы наверняка ошибетесь с компрессией.

ИНСТРУМЕНТАРИЙ.

Компрессор позволяет сделать звук острее или мягче, агрессивней или тембрально насыщенней, длиннее или короче. Компрессор может заставить вокалиста «плеваться» в микрофон или шептать Вам на ухо, выровнять разницу между куплетом и припевом, между гласными А и У.

Эквалайзер может приблизить или отдалить объект, сделать его тонким или жирным, или просто устранить частотные конфликты между инструментами и правильно сформировать частотный баланс.

Панер. Панорамирование позволяет не только перемещать объекты слева направо, но и делать их уже или шире, большими или маленькими.

Приборы временной обработки позволяют правильно организовать виртуальное пространство, приближать и отдалять инструменты, заставить их вращаться, сделать их больше, размещать инструменты в разных пространствах на разных расстояниях от слушателя. Вот и все, что Вам необходимо для того, чтоб сделать хороший микс.

От того, как Вы владеете техникой работы с этими четырьмя инструментами, зависит конечный результат. Дело за малым — научиться пользоваться этими инструментами.

Как мы учимся сводить. Обучение сведению схоже с обучением иностранным языкам. Как мы учим иностранный язык. Сначала мы запоминаем несколько слов. Потом мы начинаем узнавать эти слова в предложениях, потом мы начинаем понимать простые фразы, из фраз складываются предложения, и дальше в нашей голове складывается смысл и образ сказанного. В конце концов, Вы уже не переводите сказанное на родной язык, а думаете на иностранном языке, мыслите образами а не предложениями, учиться пользоваться этими инструментами.

Примерно так же и в звуке. Проделав правильно компрессию двадцати треков kick drum, Вы сможете узнавать тип компрессии, примененный в других треках, сведенных мастером. Выполнив десяток упражнений по построению виртуального пространства, перемещая объекты ближе, дальше, правее, левее, Вы научитесь «читать» пространство в чужих миксах.

Теперь мы подошли к важной мысли. Как мы можем научиться сводить? Научится сводить треки мы можем только научившись «читать» чужие миксы.

Критическое слушание.

Упражнение 1.

Возьмите трек из своей домашней библиотеки, прослушайте его критически несколько раз и постарайтесь ответить на вопросы.

Какая бочка? (Низкая, высокая, острая, глухая,….)

Какой бас? (низкий глубокий, высокий рычащий)

Как бочка и бас работают вместе?

Какой инструмент находится ближе всех? (расстояние в метрах)

Какой инструмент находится дальше всех? (расстояние в метрах)

В какой акустической среде происходят события? Как выстроено пространство? (Гараж, огромный зал, клуб…)

Повторяйте это упражнение всегда, когда Вы слушаете музыку!

Упражнение 2.

Находясь в новом помещении или на улице, хлопните в ладоши и попробуйте определить время реверберации, наличие четких повторений, их время в мсек., окраска реверберации (дерево, камень, металл….)

Повторяйте это упражнение всегда, когда попадаете в новую обстановку.

Будьте осторожны!!! Окружающие могут Вас не понять и набрать 112!!!

Упражнение 3.

 

 Выберите десять треков из своей фонотеки, загрузите их в редактор, нарезав по двадцать секунд от каждого и соедините их через коссфейды. Теперь прослушайте получившийся трек.

Такое упражнение покажет Вам многообразие мира звука, и даст понимание, что есть хороший микс.

Основные этапы сведения:

— концепция;

— спектральный баланс;

— динамическая обработка и временная организация треков;

— музыкальный баланс и построение формы;

— построение виртуального пространства;

— финальный микс.

 

ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ…

 

 

Начало пути — Часть 6.

Основы сведения и мастеринга. / Хабр

Вот, с грехом пополам, мы и добрались до финальной статьи. Она будет про сведение и мастеринг. Первым делом поясню чем сведение отличается от мастеринга, расскажу немного про такую штуку как SideChain и еще парочку трюков. В конце — небольшая таблица, которая до сих пор помогает мне при эквализации.

Сведение.

Сведе́ние — процесс создания из отдельных записанных треков конечной записи, следующий после аранжировки этап создания звукозаписи. Сведение — не чисто технический процесс соединения различных треков в единое целое, это скорее творческая деятельность, от которой зависят особенности звучания результата.

Это взято из Википедии.

Некоторые считают что мастеринг и сведение это одно и тоже, другие считают что это разные вещи. Сразу хочу пояснить как считаю я — сведение, это процесс создания конечной записи из отдельных дорожек, в котором уделяется внимание таким аспектам как баланс громкости, панорамирование, плотность звучания и расстановка эффектов, а мастеринг — эквализация и компрессия, доведение звучания микса до требуемого уровня. Итак, сведение.

Процесс сведения ставит перед нами две задачи — во-первых, нужно соединить в единое целое множество аудио-дорожек, а во-вторых постараться избавиться от «компьютерного» звучания, что-бы играло максимально динамично и красиво.

Вот несколько советов перед тем как мы начнем сводить:

• Не стоит обвешивать дорожки эффектами вроде дилея, реверба и тем более компрессора до этапа сведения. В 90% случаях вы будете их переделывать. Из эффектов стоит добавлять только те, что подчеркивают или изменяют звучание инструмента, такие как флэнжер, хорус, всякого рода дисторшены (хотя и тут надо по-аккуратней) и т.д.
• Не стоит менять панораму до этапа сведения. В 90% случаях вам придется ее переделывать.
• Не стоит менять громкость до этапа сведения. В 90% случаях вам придется ее переделывать.
• Не стоит без особой надобности экспортировать дорожки из секвенсера в аудио-редактор. Современные секвенсеры позволяют провести сведение на высоком уровне, тем более еще не поздно будет что-либо изменить.
  Под «особой надобностью» я подразумеваю использование «тяжелых» плагинов и саунд-банков в секвенсере который не поддерживает «заморозку» треков, или вам просто удобней сводить в аудио-редакторе.
• Учтите что для разных жанров требуются разные методики сведения и перед тем как начинать сводить, желательно почитать/послушать как сводят другие, иначе есть риск получить абсолютную чушь на выходе. Проверено на себе.
• Создание музыки как и любой другой вид творческой деятельности подвержен страшной напасти, более известной как «погоня за идеалом», особенно это заметно на этапе сведения. Поставьте перед собой цель, эдакую «планку качества» до которой вы можете добраться и перестаньте сводить после ее достижения. Иначе, есть риск все испортить и получить на выходе абсолютную чушь или сводить до конца жизни. Проверено на себе.

Итак, этап первый — соединяем дорожки в единое целое. Если мы не записывали никаких инструментов извне и все что мы написали сделано в одной программе, этот абзац можно пропустить, в противном случае читаем дальше.

Допустим из внешних дорожек у нас есть гитара записанная в живую. Для начала хочу заметить что писать такие вещи лучше в аудио-редакторе, т.к. в большинстве случаев придется убирать «левые» шумы, если они есть (это лучше делать именно в аудио-редакторе), и подправить громкость, все остальное можно сделать позже в секвенсере, имея под рукой остальные дорожки, либо соединить секвенсер и редактор через ReWire, если мощности ПК позволяют, т.к. нагрузка на процессор и память будет немаленькая. Или можно написать на скорую руку бит и басс секцию (в случае с гитарами), экспортировать в wav и добавить ее как отдельную дорожку в аудио-редактор. На худой конец почти везде есть метроном.

Этап второй. Сразу хочу заметить, то что я сейчас тут напишу не является инструкцией, это лишь описание процесса «по-моему» и не факт что вам будет удобней сводить именно так. Первый вопрос — с чего лучше начать, с эффектов, громкости или панорамы? Я предпочитаю начинать с расстановки эффектов, в первую очередь с реверба.

Дело в том что в большинстве случаев после применения этого эффекта громкость инструмента заметно падает, и если перед этим мы баловались с громкостью придется все переделывать. Кстати, реверберация поможет вам достичь более «живого» звучания инструмента, главное не переборщить. Также для этих целей можно использовать хорус (опять же очень аккуратно) и Stereo-Enhancer для расширения стерео сигнала. На этом же этапе добавляем дилей куда необходимо, он кстати тоже может снижать громкость инструмента. Для добавления «плотности» можно добавить немного компрессии. После добавления всех необходимых эффектов переходим к… панораме. Да именно к панораме, а не к громкости. Дело в том что если мы сначала отрегулируем громкость, а потом панораму, есть вероятность того что на одном канале окажутся инструменты с одинаковой (или наоборот слишком различной) громкостью, в итоге получиться чушь и все придется переделывать. Поэтому сначала делаем общую панораму, а потом правим громкость инструментов. На первый взгляд вроде все, микс звучит более-менее пристойно. Многие, кстати, используют sidechain на этапе сведения, для вокала или ударных, я советую делать это на этапе мастеринга, т.к. есть вероятность что после эквализации нужда в sidechain’е отпадет. Я например еще люблю баловаться с панорамой где-нибудь посреди трека, такой художественный прием когда звук инструмента плавно перетекает из одного канала в другой, также можно играться с громкостью. В общем при сведении можно неплохо разнообразить ваш трек и заставить его звучать поистине прекрасно, так что не стоит игнорировать этот процесс.

Инструменты применяемые для сведения:

• Ревербератор.
• Хорус.
• Дилей.

Описание эффектов есть в моем предыдущем посте про терминологию.

Мастеринг.

Ма́стеринг (англ. master) — первоначально производство эталонного носителя, копией которого является потребительский носитель аудиозаписи (компакт-диск, виниловая пластинка, магнитофонная кассета). Впоследствии мастерингом стали называть и процесс подготовки финального микса.

Это взято из Википедии.

Для начала небольшой экскурс в историю. Давным-давно, когда на музыкальном Олимпе правил винил, мастерингом назывался процесс записи треков на пластинки. Процесс это довольно сложный и дорогой, для «нарезки» использовался специальный станок, который могли позволить себе далеко не все звукозаписывающие студии. Потом появились аудио-кассеты и компакт-диски, но смысл мастеринга не изменился, изменились лишь требования к качеству налагаемые спецификой носителя.

Спустя много-много лет мастерингом стал называться процесс подготовки финального микса. Сегодня мы будем говорить о «современном» мастеринге.

Процесс мастеринга «по-моему».

Хм, возможно не самый удачный получился заголовок, ну да ладно. Сейчас я расскажу как процесс мастеринга проходит у меня, так будет гораздо нагляднее, чем пичкать умы начинающих музыкантов бессмысленными терминами и цифрами (хотя потом все таки напичкаю, будьте уверены).

Итак, микс уже готов, все инструменты записаны, отрегулированы уровни громкости и панорама, в общем этап «сведения» успешно пройден, начинается мастеринг. На этом этапе микс все еще состоит из кучи дорожек и звучит примерно так как и задумано. Первым делом сохраняем каждую дорожку в отдельный файл и пихаем в наш любимый редактор. Далее с помощью эквалайзера оттачивается звук главного инструмента и бита (если таковой имеется), если в треке есть вокал, то и с ним работаем. Потом регулируется звучание баса, если есть необходимость (например, бас мешает бочке в ударных) применяем sidechain. Слушаем несколько раз кусок трека в котором задействованы все инструменты (или большинство), думаем какие мы молодцы и подправляем косяки, которые были обнаружены. Снова слушаем. Слушаем на хороших наушниках, потом на плохих, на мониторах и обычных колонках, в общем слушаем на всем что есть под рукой. Теперь самое грустное и самое сложное, если мы хотим что-бы наше творение звучало примерно у всех одинаково, нужно урезать диапазон частот до такого уровня что-бы среднестатистические колонки/наушники нормально играли наш трек, что-бы все инструменты было слышно, что-бы остальные слышали микс так как вы задумали.

Как только этот этап закончен, еще раз все на сто рядов проверяем и в случае успеха «рендерим» трек. Все.

На самом деле это сильно укороченное описание, процесс мастеринга может затянуться на очень долгое время, вы будете по несколько раз все переделывать (особенно на последнем этапе), часами смотреть на графики спектрального анализа и со слезами на глазах ухудшать качество микса.

Вообще мастерингом занимаются специальные люди — звуковые инженеры, кажется. Но и нам, музыкантам, полезно знать о том что это такое и что с этим делать.

Основные инструменты для проведения мастеринга:

1. Эквалайзер.
2. Компрессор.
3. Максимайзер.

Трюки и советы.

SideChain — это своеобразный звуковой эффект. Инструменты добавляются (например, бочка и бас) в цепь, которая управляется компрессором. И в момент звучания бочки бас уходит на второй план, освобождая бочке пространство, или наоборот. Этот эффект, кстати, тесно свзяан с клубной музыкой, хаусом.

Есть даже целый жанр построенный на этом эффекте — pumping house.

Многополосный стерео дилей — известно, что для того что бы звук шел справа, надо усилить правый канал. Но есть и другой фактор — задержка. Звук справа доходит до правого уха быстрее, чем до левого. Если создать эту задержку искусственно, можно более точно расположить звук в пространстве.

Общие советы по эквализации:

• Постарайтесь «прибирать» частоты, но не задирать.
• Используйте минимальное количество полос в эквалайзере.
• Срезайте частоты ниже 30Гц для избежания гудения и шума.

Компрессия:

• Экспериментируйте с атакой(Attack) и спадом(Release) — общих правил здесь нет.
• Воздух и дыхание находятся на частотах выше 10кГц, компрессор можно использовать для подавления шума и шипения

Общие советы:

• Стереобазу лучше расширять на высоких частотах.
• Главную проблему «самодельной» музыки — недостаточную громкость — можно запросто решить с помощью максимайзера. Благодаря ему мы не только увеличим громкость микса, но и добавим плотности звуку.

Таблица Эквализации.

UPDATED 17/03/09 22:47
Спасибо, товарищу cyberbobs за указанные опечатки. Все поправлено.

Микширование аудио для чайников | LedgerNote

Лучший способ для новичков начать создавать приемлемые миксы — не сосредотачиваться на том, что они должны делать, а просто избегать того, что они не должны делать .

Если вы можете исправить несколько ошибок при смешивании, которые допускают большинство новичков, вы больше не новичок. И мы можем помочь вам в этом в одном легко читаемом обсуждении, которое называется «Учебное пособие по микшированию аудио для чайников».

Мы также укажем на другие ресурсы здесь, в LedgerNote, которые дадут альтернативные объяснения, предоставят дополнительные советы и рекомендации, а также познакомят вас с передовыми концепциями, которые вы можете использовать, чтобы еще больше повысить качество ваших миксов.

А пока мы укажем на 8 самых серьезных ошибок при микшировании звука, которые применимы к музыке, фильмам, живым выступлениям и везде, где вы пытаетесь создать баланс между инструментами и окружающей средой.

Придется сделать несколько предположений:

1. У вас есть студийное оборудование, необходимое для записи
2. У вас есть компьютерное программное обеспечение для записи и микширования
3. Вы знакомы с эффектами цифровой звуковой рабочей станции, такими как реверберация и эквалайзер
4. У вас есть хотя бы наушники, а желательно еще и мониторы для прослушивания

Даже с учетом вышеперечисленных четырех пунктов все в порядке, если вы все еще новичок. Даже если вы в чем-то не уверены, продолжайте читать и узнавайте об этом. Повторное воздействие — это то, как вы узнаете и соберете все кусочки головоломки вместе. С учетом сказанного, давайте начнем!

Стать жертвой следующих фундаментальных ошибок при микшировании — лучший способ заставить ваших клиентов, слушателей и мастеринг-инженеров прыгать вам в глотку. Избегайте этих проблем, применяйте эти другие советы по микшированию звука, и вы будете на пути к просветлению микширования.

Что касается 8 фиктивных ошибок микширования, мы укажем вам правильное направление для полного объяснения решений, но не будем полностью их здесь описывать. Вам не нужно совершенство.

Быстрое исправление покажет вам, насколько важно избегать этих проблем, и позже вы сможете изучить, как вывести ответы на следующий уровень. Наша цель — сначала познакомить вас с проблемами и решениями.

1. Основная ошибка микширования звука: мутные и гулкие низкие частоты

Самая большая проблема любого любительского микса – это нижний диапазон частотного спектра. Баса всегда слишком много, и он размывается и просачивается в различные инструменты.

Бас становится все громче и громче, потому что микшер хочет услышать чистоту, но не может добиться этого никаким другим способом.

Обобщить эту проблему можно двумя пунктами:

• Недостаточное разделение между басом и бочкой
• Недостаточное разделение между басом и средними частотами

Давайте быстро решим обе проблемы!

Разделение баса и бочки

Ранее мы подробно рассмотрели, как справиться с разделением баса и бочки. Вы можете изучить это позже для своей продвинутой практики, а пока давайте рассмотрим основные понятия.

Вам необходимо сделать выбор либо до настройки и выбора бочки и баса, либо после того, как выбор сделан.

Один из них должен владеть самой нижней частью басового регистра, а другой — верхней частью басового регистра. Ни один из них не лучше другого, но то, что подходит, будет определяться жанром по большей части.

EQ Roll-Offs

Ваше оружие здесь — выравнивание и компрессия боковой цепи для дакинга. Для эквалайзера вы будете использовать несколько спадов для создания разделения.

Например, если бас-гитара является инструментом с самой низкой частотой, а бочка — с более высокой, то вы можете сгладить некоторые из самых низких частот на бочке и еще слабее скатить более высокую область баса, поскольку она больше сустейна и не так преходяще.

Нотчинг эквалайзера (Boost & Cuts)

Затем вы определите тонкие частотные диапазоны каждого инструмента, которые придают им уникальный звуковой след. Так что скажите о басе, что 80 Гц придают басу его характер. Вы можете слегка усилить его эквалайзером (или не сделать вообще) на частоте 80 Гц с тонкой добротностью.

Затем вы можете взять бочку и слегка обрезать его эквалайзером на частоте 80 Гц. Вы бы сделали обратный процесс, чтобы вырезать место для удара. Это позволяет двум инструментам играть одновременно и сохранять чистоту и характер звучания.

Компрессионный сайдчейн для дакинга

Последний метод, который не всегда необходим, заключается в применении компрессора к басу и сайдчейну к большому барабану. Это делает так, что компрессор срабатывает только тогда, когда играет бочка. Тогда вы настроите компрессор так, чтобы он немного уменьшал громкость баса только тогда, когда бьет бочка.

Это означает, что бас на мгновение уклоняется от бочки. Вы не хотите слишком сильно напрягаться, потому что вы создадите ощущение «накачки» баса, которое будет заметно.

Если вы используете эту технику, ваша цель состоит в том, чтобы сделать ее незаметной для тех, кто не осознает, что она происходит. Только ты должен знать.

Разделение низких и средних частот

Любительские «фиктивные миксы» страдают от отсутствия разделения между всей областью баса и средним диапазоном песни.

Даже если кому-то повезет с выбором правильных ваншотов или семплов и удастся разделить бочку и бас, вся область баса все равно перетекает в средние частоты, и вся песня в итоге звучит грязно и нечетко. Давайте исправим это.

Мы снова собираемся использовать свертывание. Все ваши высокочастотные инструменты могут быть свернуты в районе 250 Гц, или вы даже можете пойти агрессивнее и использовать фильтр верхних частот. Затем вы можете взять свои басовые инструменты и обрезать все их гармоники на частоте 500 Гц или выше.

Если вы не применяете искажение к басу целенаправленно, нет необходимости в том, чтобы бас или бочка в целом достигали частоты выше 500 Гц, плюс-минус. То, чего вы только что добились, — это полное разделение области низких частот и области верхних частот при минимизации проникновения их в средние частоты.

Теперь у вас есть разделение, но все еще не хватает ясности. Микс звучит грязно и коробко… слишком тепло. Это произойдет в любом случае, но особенно это происходит при любительских записях в небольших помещениях без акустической обработки. Итак, что мы собираемся сделать, так это использовать широкий Q и начать обрезать эквалайзер на этих инструментах среднего диапазона.

Поднимите частоту от 200 Гц до примерно 550 Гц на каждом из них, и вы обнаружите золотую середину, где каждый из них становится более четким. Не будьте слишком агрессивны по отношению к каждому в отдельности. Всегда отключайте соло трека и сравнивайте его с полным миксом. Небольшое сокращение на каждом инструменте будет добавлено в полный микс.

Вот пример мути, обнаруженной на частоте 200 Гц:

На этом этапе единственное, что вам нужно в ваших миксах, — это кристально чистый бас, который не нужно выкручивать до громкости 11, чтобы его можно было услышать должным образом. .

2.

Пронзительный дисбаланс высоких частот

Второй по величине проблемой фиктивных миксов является область высоких частот. После увеличения громкости баса, чтобы услышать там больше ясности, вам нужно поднять высокие частоты, чтобы снова вернуть кристальное мерцание.

Прежде чем ты это узнаешь, твоя песня не имеет средних частот и представляет собой полный беспорядок. Что еще хуже, любители узнают о такой ерунде, как слуховые возбудители, и понятия не имеют, как бороться с шипением.

Проблема здесь обычно заключается в вокале, хай-хэтах и ​​случайных грохотах тарелок. У каждого может быть гармоника или нюанс, который создает очень яркий пик на определенных частотах.

Он проникнет в человеческий мозг и превратит его в Халка. Ничто так не сделает песню полностью и абсолютно непригодной для прослушивания, как эта проблема. Решение, помимо ваших обычных эквалайзеров, заключается в использовании де-эссера.

Де-эссер — это компрессор, нацеленный на определенные частоты. Например, иногда ваш вокалист издает пронзительный звук «С», который после записи становится очень отчетливым. С помощью де-эссера вы сможете найти эту частоту и настроить ее с помощью функции компрессора.

Теперь каждый раз, когда частота превышает пороговое значение, ее громкость будет снижена до приемлемого для слуха уровня. Вы можете сделать то же самое с любыми высокочастотными инструментами.

Кроме того, любители не всегда тестируют свои миксы в различных условиях, что не было бы необходимо в хорошо оборудованной комнате для прослушивания, но очень немногие имеют к этому доступ. Микшер может усилить полку в high-end, потому что микс не имеет блеска и сияния, к которым они привыкли. За исключением того, что это так.

Они просто не слышат его в своей комнате из этих дерьмовых компьютерных динамиков, которые служат еще и мониторами. Таким образом, они усиливают этот регион, и любой, кто слушает их песню в сбалансированной среде, теперь будет слышать высокие частоты на уровне , вдвое превышающем громкость , что делает ее непригодной для прослушивания.

Компенсация этого типа может быть решена путем перекрестного мониторинга на более чем одном наборе мониторов, путем микширования как с мониторами, так и с наушниками, а также путем прослушивания MP3-файлов для проверки в машине, гостиной и т. д.

Самая основная проблема может заключаться в том, что они не настроили свои мониторы должным образом, чтобы создать позицию для прослушивания, подходящую для микширования.

На этом этапе у вас есть чистый бас, не мутная середина и кристально чистые высокие частоты. Что еще может быть не так? Много, к сожалению.

3. Чрезмерное сжатие без динамики

Песни должны дышать, чтобы создавать у слушателя ощущение толчка и притяжения. Мозги и уши нуждаются в перерыве, чтобы пережевывать то, что в них бросают.

В то время как большая часть этого должна быть сделана в аранжировке и оркестровке, микшеры уничтожат все оставшиеся остатки динамики в миксе. Почти каждый микс, который вы слышите в поп-музыке в наши дни, страдает от этой проблемы, и, к сожалению, они приучили слушателей любить его.

Начинающие миксеры будут испытывать искушение выжать из каждого инструмента вечную жизнь. Иллюзия состоит в том, что это вносит ясность там, где они не могут достичь на этапе выравнивания (что должно быть первым).

Это все равно, что включить басы, чтобы услышать ясность. Что произойдет, если вы сожмете все по отдельности, а затем попытаетесь сделать домашний мастеринг и еще больше сжать все?

В итоге вы получаете мертвую, безжизненную оболочку того, что когда-то было приличной песней. Здесь нет другого решения, кроме как сказать вам прекратить так сильно сжимать.

Еще одна причина, по которой это происходит, помимо подражания поп-музыке, заключается в том, что любители склонны микшировать глазами, а не ушами, и имитировать обработанные волны, даже если их собственная песня еще не сведена, не говоря уже о мастеринге.

Микшируйте ушами, и всякий раз, когда вы достигаете уровня, который, по вашему мнению, достаточно хорош для сжатия, чуть-чуть сбавляйте темп. Новички все переусердствуют.

До тех пор, пока вы не станете действительно хороши в микшировании, хорошим практическим правилом является получить то, что вам нравится, а затем немного отступить… и не добавлять плагин для мастеринга в мастер-выход.

4. Слишком много или слишком мало панорамирования

Ваш микс выглядит очень хорошо. Оно чистое и прозрачное, дышит и живет. Но он разбросан по звуковому ландшафту всевозможными сумасшедшими способами, потому что вы не совсем уверены, что делать с панорамированием.

Или вы оставляете панорамирование в покое, потому что предпочитаете перестраховаться, и в итоге вы получаете монофонический микс в стереофоническом мире. Вы хотите панорамировать, и вам гораздо лучше с неправильным панорамированием, чем без панорамирования.

В мире микширования есть два типа панорамирования, и выбор метода во многом зависит от того, насколько плотна оркестровка в каждой конкретной песне. У вас есть толпа «распредели это равномерно», и у вас есть толпа «лево-центр-право». Я ловлю себя на том, что медленно переключаюсь на толпу LCR.

Держите бас, бочку и лиды по центру

Для обоих подходов есть определенные инструменты, панорамирование которых нежелательно. Вы хотите, чтобы они были закреплены в центре. Во-первых, это ваш бас и бочка, потому что они требуют большой мощности, чтобы быть услышанными. Если вы будете сканировать все это с ума, вы рискуете испортить динамики ваших слушателей.

И это просто сбивает с толку, потому что способность человеческого уха локализовать басовые звуки в пространстве не очень развита. Вы хотите, чтобы ваш ведущий вокал, гитарные соло и все остальное, что находится в центре внимания, было прямо посередине.

Двойные дубли, акцентные дубли, гармонии и т.д…. все это можно панорамировать. Но сохранить лидерство занимает в центре.

Распространение с симметрией

Если вы сдвинете один инструмент влево, сдвиньте другой аналогичный инструмент вправо. Если один громче или тяжелее, вы можете панорамировать другой меньше или больше, чтобы сбалансировать «вес» первого. Это искусство, а не наука, так что почувствуйте это. Жестких правил для этого нет.

Вот пример. Как правило, вы хотите, чтобы ваш малый барабан располагался по центру или чуть смещался влево или вправо, чтобы освободить место для вокала. Но вам может понадобиться малый барабан как можно шире, поэтому вы удваиваете его, смещаете высоту тона на несколько центов, чтобы избежать проблем с фазой, и панорамируете один крайний угол влево, а другой — вправо.

Вы сохранили симметрию, вместо панорамирования одного на 100% влево, а другого на 33% вправо. Это прозвучало бы безумием по большей части.

Микширование левого-центрального-правого

Толпа «равномерно распределить» делает все, что мы упоминали. Но есть школа микширования, которая в основном имеет дело только с резкой левой, идеальной по центру и резкой правой при панорамировании.

Есть только два исключения из правил: перкуссия и реверберация. Бас, бочка, малый барабан и вокал находятся прямо посередине. Соло-гитара может быть жесткой левой, а ритм-гитара — жесткой правой.

Между тем, томы и хай-хэты просачиваются через пустое пространство, а реверберация пролетает через это внутреннее пространство. Это создает огромное пространство и обеспечивает максимально возможную ширину.

Это не то, как вы всегда хотите использовать реверберацию, но для микширования LCR с разреженными аранжировками это потрясающе. См. изображение ниже для более подробного разъяснения этой концепции.

Это отличный способ обойти некоторые проблемы с эквалайзером, которые вы просто не можете решить из-за исходного материала.

5. Редкий сценарий микширования аудио: проблемы с фазой

Большинство любителей просто не понимают, что фазовая компенсация существует. Они сталкиваются с этим только после того, как хорошо овладели панорамированием.

Иногда проблема заключается в исходном материале, потому что звукоинженер ошибся с размещением микрофона, но в большинстве случаев это связано с тем, что начинающий микшер создал его, дублируя треки и панорамируя или просто не улавливая его с разных инструментов.

Чтобы полностью понять это, необходимы некоторые знания волновой физики. Основная идея может быть понята каждым, потому что мы все были в ванне.

Иногда две волны в ванне или бассейне сталкиваются друг с другом и нейтрализуют друг друга (с брызгами оставшейся воды/вырывающимися частотами).

В других случаях более быстрая волна догонит более медленную волну, движущуюся в том же направлении, и они объединятся, чтобы создать волну двойной силы. Внезапно эта волна стала намного больше.

Это называется конструктивная и деконструктивная интерференция . Две волны либо помогают друг другу, либо наносят друг другу вред, причем в максимальной степени они удваивают или полностью нейтрализуют друг друга.

Чтобы решить эту проблему, нужно прислушаться. Вы услышите странные всплески или провалы в частотном диапазоне инструментов, записанных в стереофоническом режиме.

Слушайте свои стереодорожки в режиме соло и переводите их в моно на мастер-дорожку. Если вы где-то слышите повышение или снижение частот, это проблема с фазой.

Исправление заключается в изменении волновой картины левой или правой дорожки в проблемной области частот. Это не всегда поправимо. Лучший способ исправить это — вообще избежать этого на этапе записи.

Но если вы обнаружите проблемы с фазой в миксе, вы можете попробовать один из двух подходов:

• сдвиг высоты тона одной стороны записи на несколько центов.
• перемещение одной стороны вперед или назад во времени на несколько миллисекунд.

Они будут заметны и даже могут стать особенностью микса. Это будет менее заметно, чем проблема с фазой.

6. Базовая ошибка микширования аудио: громкость вокала

Не расстраивайтесь из-за этого. Даже профессионалы страдают от того, что не могут найти правильное место для громкости вокала. Проблема возникает из-за знакомства и умения микшировать вокал настолько хорошо, что вы теряете перспективу..

Как только вы узнаете слова песни, вы сможете разобрать их с гораздо большей легкостью, чем слушатель в первый раз. Что происходит, так это то, что вы в конечном итоге получаете их с меньшим объемом, чем необходимо.

Решение простое. Скомпонуйте три отдельные версии песни и назовите их «Vocal Up», «Vocal Down» и «Vocal Middle». «Средняя» версия — это та, которую вы считаете правильной. В остальных случаях вокал повышается (мое предложение — на 2 дБ), а громкость вокала снижается.

Тогда вы просто спросите нескольких человек, что они думают, предпочтительно профессионала, а затем нескольких непрофессионалов, которые будут руководствоваться интуицией и опытом, а не анализом.

7. Ошибка микширования аудио: смещенные дорожки

Я страстно ненавижу это. Это случается с лучшими из нас. Иногда в финальный микс проникают смещенные треки, и это происходит по разным причинам: например,

• программный сбой и сдвиг одного трека на 300 мс или около того.
• микшер не мог привязаться к сетке и должен был размещать треки (например, припев) на слух или на глаз
• соавторы записи не посылали друг другу основы и должны были размещать треки на слух или на глаз

Вы наверняка слышали это на некоторых из ваших любимых пластинок. Худшее, что я когда-либо слышал, это то, что вся вокальная дорожка (все три против и припевы) отставала на целых полсекунды.

Это происходит, когда микшер изучает проекты, открытые в DAW, считает их хорошими, отбрасывает их и больше никогда не слушает.

Если компьютер сломается, вы никогда об этом не узнаете. Вы должны слушать возвращенные файлы и слушать очень внимательно!

Другая проблема заключается в том, что микшер получает файлы, которые по какой-либо причине не могут быть синхронизированы с сеткой в ​​DAW с установленным темпом. Поэтому, когда им приходится копировать и вставлять регионы, например, припев, они могут сместить их на 200 мс.

Они этого не замечают, но фанаты, которые слушают песню снова и снова, обязательно заметят. Все, что вы можете сделать здесь, это быть очень осторожным и получить одобрение от оригинального художника. Они первыми заметят проблему.

Когда соавторы отправляют файлы через Интернет, возникает искушение сделать черновой микс и отправить его, чтобы кто-то другой мог добавить гитару или вокал.

Скажем, ваша работа состоит в том, чтобы сыграть соло на синтезаторе через бридж, поэтому вы записываете его, а затем отправляете окончательный вариант обратно первоначальному исполнителю. Но перед синтезатором ты оставляешь всего около 5 секунд тишины.

Это вынуждает оригинального исполнителя размещать ваш синтезатор в идеальное время. Решение здесь состоит в том, чтобы отправить стебли. Стебли начинаются в начале песни, даже если это означает, что у вас будет 3 минуты тишины, прежде чем начнется синтезаторное соло. Больше никаких проблем с размещением и смещенных дорожек!

8. Незнание вашего устройства для прослушивания

Отсутствие акустически обработанной комнаты — это облом. Но это горб, который вы можете преодолеть и по-прежнему получать идеальные миксы.

Проблема, которая возникает из-за незнания характеристик вашей комнаты, ваших мониторов и ваших лучших студийных наушников, означает, что вы будете пере- и недокомпенсировать повсюду, чтобы компенсировать их проблемы. И это всегда оказывает двойной эффект на обычного слушателя в его собственной среде прослушивания.

Вы всегда хотите создать максимально нейтральный микс, потому что вы не можете предсказать, как и где будут находиться ваши слушатели, когда они включат вашу музыку.

Ваша первая цель — осознать… ваша комната маленькая, а значит, вы услышите дополнительный бас. Там также нет обработки, поэтому вы услышите всевозможные отражения, исходящие от стен, создавая проблемы с фазой, которых на самом деле может не быть в записи.

Вы должны изучить нюансы своей комнаты, чтобы не испортить свой микс, исправляя проблемы, которых в миксе нет.

То же самое касается наушников и мониторов. Один раз может иметь больше басов, чем другой. То же самое касается high-end или любого другого частотного диапазона.

Создавая микс и изучая результат в машине, в маленьких наушниках, в ваших лучших студийных мониторах и наушниках и в других комнатах, вы начнете выяснять, какие проблемы возникают из-за вашего оборудования для микширования и окружающей среды. Тогда вы сможете компенсировать их должным образом.

Микширование аудио для чайников. Заключение

Если вы имеете дело с этими проблемами, то позвольте сначала сообщить вам плохие новости. Вы новичок. Хорошей новостью является то, что эти проблемы чрезвычайно легко решить благодаря этой статье Микширование аудио для чайников . Прочтите еще раз, если вам нужно.

Прочитайте другие ссылки, которые мы предоставили. И самое главное, экспериментируйте и практикуйтесь. Не более чем через неделю ты перейдешь на средний уровень, и твои поклонники будут типа «святая корова, братан».

Возможно, вы даже воодушевитесь и вернетесь назад, чтобы исправить некоторые из ваших старых миксов любимых фанатами песен. Варианты бесконечны, как только вы знаете, что делаете!

Одно можно сказать наверняка… Вы способны! Просто нужно немного знаний. Вот что такое LedgerNote: делиться. До скорого!

Джаред Х.

Джаред перешагнул свой 20-летний рубеж в музыкальной индустрии. Он является владельцем, редактором, ведущим автором и веб-дизайнером LedgerNote, а также соавтором всех статей. Он выпустил 4 независимых альбома и товары для глобальных продаж. Он также занимался сведением, мастерингом и записью для бесчисленного количества независимых исполнителей. Узнайте больше о Джареде и команде LN здесь.

Но подождите, это еще не все!

Сведение музыки: простое руководство по звучанию как профессионал

Простое руководство по микшированию.

Что такое микширование звука?

Микширование звука — это процесс взятия записанных треков и их смешивания. Треки смешиваются с использованием различных процессов, таких как эквалайзер, компрессия и реверберация.

Целью микширования является максимальное воспроизведение многодорожечной записи путем регулировки уровней, панорамирования и временных звуковых эффектов (хорус, реверберация, задержка). Цель состоит в том, чтобы вылепить вашу аранжировку так, чтобы все ваши треки имели смысл по отношению друг к другу.

Многодорожечная запись — это любая запись с более чем одной отдельной дорожкой (также называемой стеблями). Нет правильного или неправильного количества дорожек. У вас просто не может быть нуля. Конечный результат многодорожечной записи также известен как сведение. Микширование — это последний шаг перед мастерингом.

Неважно, записываете ли вы треки с микрофонами и предусилителями или используете предварительно записанные пакеты сэмплов, очень важно научиться микшировать для себя. Взяв под контроль свое художественное и творческое видение, вы поднимете свою музыку на новый уровень. Это сделает вас лучшим продюсером.

Начните с этих основных советов. Они сделают ваш микс максимально возможным, прежде чем вы начнете искать более конкретные ресурсы.

Начнем!

Взяв под контроль свое художественное и творческое видение, вы поднимете свою музыку на новый уровень.

Выбор программного обеспечения для микширования

Существует множество цифровых аудио рабочих станций (DAW) на выбор. Какая DAW лучше, решать вам. Вот некоторые из лучших DAW, которые помогут вам начать работу.

Познакомьтесь поближе с программным обеспечением DAW. Сообразительный аудиомикшер придерживается одной DAW и знает ее по-настоящему, безумно, глубоко. Не обманывайте свою DAW. Оставайтесь верными, и вы получите все преимущества.

Я буду использовать Pro Tools в качестве примера, но все принципы одинаковы, независимо от того, как вы микшируете.

Настройка сеанса микширования звука

Большинство DAW предоставляют отличные шаблоны, если вы не знаете, с чего начать.

Например, Pro Tools включает в себя шаблон «Rock», который настраивает вашу сессию с треками для:

Барабаны / Бас / Орган / Гитара / 4 пустых звуковых трека для записи / Click Track / Pre-routed Headphone Mix / Reverb Return / Возврат задержки / Возврат хоруса

Несмотря на то, что это базовый шаблон микса группы, есть и другие шаблоны на выбор. Если вы не видите нужный шаблон, просто создайте его. Создание собственного шаблона — отличный шаг в разработке стиля микса. Идеально подходит для загрузки компьютера и создания микса с нуля.

Назовите свои треки правильно

Звучит очень просто, но поверьте мне. Через три месяца вы не сможете вспомнить, где находится третий шейкер, если он называется «Аудио-трек 48». Если вы записываете «соло-гитару», то сделайте себе одолжение и назовите его «соло-гитара», прежде чем нажимать на запись. Плохое название добавляет к вашей сессии кучу ненужного студийного времени.

Цветовой код ваших групп треков

Пусть ROY G BIV гордится вами. Раскрасьте свои треки. Например, сделайте все барабанные партии желтыми, все вокальные партии синими, а все гитары зелеными. Это поможет с такими процессами, как шинирование и отслеживание слоев вашего сеанса. Уделите две минуты правильному цветовому коду. Это сэкономит вам часы поиска позже.

Базовый рабочий процесс микширования звука

Итак, каковы основы микширования? Как и в большинстве процессов — и особенно в микшировании аудио — у каждого есть свое мнение. Правильно это или нет, кто знает? Это честно. Но есть важные основы микширования, которым должен следовать каждый.

Правильная смесь для работы

Хотите верьте, хотите нет, но прежде чем смешивать, вы должны смешивать.

Потерялся? Я объясню. Каковы основные текстуры, которые вы ищете в своем треке? Какое пространство вы пытаетесь создать? Прямолинейный и напористый? Или далекий и гулкий? Работайте над тем, чтобы максимально раскрыть характер ваших звуков, пока вы находитесь на ранних стадиях записи. Думайте об общей картине во время записи или выбора исходных звуков.

Продвиньте исходные записи как можно дальше без тяжелой обработки. Получите раннее представление о том, куда вы направляетесь для окончательного сведения. Сделайте хороший звук на ранней стадии и избегайте бесконечных настроек на этапе микширования.

Прекрати суету. Воспользуйтесь автобусом.

Представьте желтый школьный автобус. Теперь представьте его с кучей звуков на нем.

Вот что такое автобус в миксе. Отправляя несколько звуков на одну дорожку (шину), вы можете одновременно применять к ним одни и те же процессоры. Это очень удобно. Попробуйте это на барабанном автобусе. Это позволяет вам обрабатывать все звуки ударных как единое целое. Обработайте их одной и той же реверберацией, чтобы создать ощущение, что все они находятся в одном пространстве. Или Настройте шину задержки или сжатия.

Поэкспериментируйте с тем, какие звуки вы отправляете на какую шину. Я гарантирую, что вы получите очень полезные результаты.

ПОЛЕЗНЫЙ СОВЕТ: Сделайте хороший звук на ранней стадии и избегайте бесконечных настроек позже на этапе микширования.

Сбалансируйте уровни

Пришло время слегка подстричь ваш микс. Здесь немного надрезать, там немного подрезать. Сбалансируйте эти уровни и не бойтесь давать деталям большую отбивную. Бросьте барабаны для бара, включите вокал для куплета. Проиграть.

Получите базовый баланс уровней, прежде чем сходить с ума по обработке эффектов. Обрежьте их, чтобы они не обрезались позже. Заранее подумайте о запасе высоты.

Не забывайте о конечной цели, пока балансируете все свои треки. Это даст вам приблизительное представление о том, как каждая дорожка в конечном итоге будет сочетаться друг с другом. Обработка сгладит ваши грубые идеи.

Планирование панорамирования

Так что же такое панорамирование?

Панорамирование помогает контролировать ширину микса. Это ширина стерео поля слева направо. Панорамирование позволяет правильно разместить звуки в миксе. Либо слева, либо справа от стереоцентра. Держите более тяжелые или низкие звуки ближе к центру. Это означает бас или бочку. Используйте их как центрирующую силу, которую вы можете обойти. Если все панорамируется по центру, ваш микс будет звучать плоско или переполнено.

Обработка звука: самое интересное

Теперь пора заняться микшированием.

Мясо вашей смеси можно разделить на три основные части. Эквалайзер, компрессия и реверберация. Хотя микширование имеет много сторон, эти три составляющие составляют 90% процесса. Это кропотливая работа по смешиванию. Совершенствуйте эти 3 области, и все остальное придет само собой.

Что такое эквалайзер?

Каждый звук состоит из частот. Частота измеряется в Герцах (Гц). Эквализация — это искусство усиления, обрезания и балансировки всех частот в миксе для получения желаемого звука.

Вы часто будете слышать частотный спектр, описываемый как высокие, средние и низкие частоты. Басовые инструменты имеют очень низкий тяжелый, гулкий звук. Их выход в основном низкий в частотном спектре. С другой стороны, малый барабан или хай-хэт часто намного жестче, поэтому они обычно появляются на средних или высоких частотах.

Несмотря на то, что мы можем поместить эти звуки в общие высокие и низкие категории, все звуки будут иметь важную информацию как в высоких, так и в низких частотах. Имейте это в виду, когда будете смешивать.

Эквалайзер хирургического звука

Используйте фильтры. Они очищают ваши частоты с хирургической точностью.

Лучше всего начать с инструментов корректирующего эквалайзера — это фильтры верхних и нижних частот. Фильтры верхних и нижних частот устанавливают ограничения для сигнала, который вы хотите пропустить. Остальное осталось позади.

Помните, что каждая дорожка требует особого внимания. Например, для барабана тома потребуется совершенно другая обработка эквалайзера, чем для фортепиано Rhodes. Слушай, чтобы учиться. Выясните, какие корректировки вам нужно сделать с вашими ушами.

Единственное, что вы можете сделать неправильно, это воздерживаться от экспериментов.

Carving EQ

Теперь пришло время создать микс.

Карвинговый эквалайзер может показаться похожим на корректирующий эквалайзер. Это потому, что это так. Только на этом шаге вы корректируете свою частоту с учетом других треков. На этом этапе все станет немного лучше. Части начинают взаимодействовать. Это может звучать безумно, но хороший эквалайзер иногда означает удаление хороших частей частоты.

Но не волнуйтесь (это не каламбур). Сделайте это, чтобы все ваши треки лучше сцеплялись. Это будет звучать еще безумнее, но на данном этапе ваш трек может звучать даже плохо, когда он соло. Без проблем. Как только он появится в миксе, он будет звучать великолепно. Это потому, что вы вырезали свои треки с учетом других треков.

Воспринимайте свою песню как роман. Каждый трек не может быть главным героем. Должны быть какие-то другие персонажи, чтобы заполнить историю. Резьба приводит ваших персонажей в порядок. Например, вырезной эквалайзер позволяет убрать из клавиш ненужные низкие частоты, чтобы они не маскировали бочку и бас. У вас могут быть два элемента, сражающихся друг с другом с одинаковой частотой. Например, вокал и синтезатор. Выделите пространство для каждого из них, обрезав частоты на одном и повысив тот же диапазон на другом.

Творческий

Это последний и самый творческий этап в вашем путешествии с эквалайзером. Это та часть, где вы можете превратить свой трек именно в то, что вы хотите услышать. Обычно я бы назвал этот шаг улучшением, но он не начинается с буквы C, так что… Придайте своим трекам индивидуальность. Одень их. Практически для всего есть эквалайзер.

Пришло время заставить ваш вокал выпрыгивать из динамика. Или сделайте так, чтобы ваш кик ударил, а малый барабан взорвался. Или сделать эти синтезаторные линии еще более душераздирающими.

Попробуйте несколько разных плагинов эквалайзера. Поставьте 2 или 3 разных эквалайзера подряд. Некоторые эквалайзеры будут хороши в одном, а не в другом. Так что получите лучшее из всего, нанизав их вместе. Нет неправильного способа сделать это. Единственное, что вы можете сделать неправильно, — это воздерживаться от экспериментов.

Что такое динамика?

Динамика относится к промежутку между самой громкой частью звука и самой тихой частью. Пространство между каждой частью обычно называют динамическим диапазоном. Это определение можно применить ко всей песне или к конкретному звуку.

Динамические звуки имеют широкий диапазон между самой тихой частью звука и самой громкой. Например, представьте удар малого барабана. Он имеет очень внезапный пик, который длится недолго. Это означает, что он имеет широкий динамический диапазон. Настоящая вспышка на сковороде. Сравните это с органной нотой. Он остается на том же уровне с момента его начала до момента отпускания клавиши. Это означает, что это менее динамичный звук.

Динамика существует и в рамках всего исполнения. Очевидным примером является певец, который тихо поет в куплете, а затем выкрикивает его в припеве. Диапазон между самыми тихими и самыми громкими частями часто может достигать 20 дБ, что очень много. особенно когда вы пытаетесь сбалансировать его с кучей других элементов. Как та очень нединамичная нота органа. Эти динамические колебания могут затруднить объединение всего в миксе без какого-либо контроля над ними.

Здесь на помощь приходит сжатие звука.

Что такое сжатие?

Сжатие звука — это процесс укрощения динамического диапазона. Это делается с помощью компрессора, который устанавливает определенные ограничения на пропускную способность частоты. Они усиливают более тихие части и приглушают более громкие, обеспечивая более стабильное и сбалансированное общее звучание.

Производительность компрессора определяется коэффициентом компрессора. Более высокие коэффициенты больше влияют на динамический диапазон.

Но зачем это делать? Разве динамический диапазон — это не хорошо?

Это правда, динамика хорошая. Но помните, что вы пытаетесь получить постоянный уровень в миксе. Если что-то слишком громкое, оно будет выделяться и будет неловким. Если он слишком тихий, он затеряется в диванных подушках вашего микса. Поиск хорошего баланса компрессии — это искусство, которое требует слушания и обучения.

Похоже ли это на настройку фейдеров в DAW? Должно. Это в основном то, что делает компрессор, но автоматически.

Но будьте осторожны, не увлекайтесь. Применение слишком большого сжатия является опасной зоной. Использование только компрессии, чтобы попытаться сбалансировать уровни в миксе, приведет к безжизненному, безударному и утомительному миксу. Юки.

Используйте сжатие в сочетании с громкостью (усилением) для достижения наилучших результатов.

Что такое реверберация?

Реверберация — это отражение звука. Любой звук является своего рода реверберацией. Самое классное в микшировании — это то, что ВЫ можете им управлять. Подойдите к реверберации с двумя целями.

Эффект искусственной реверберации

Все возможно, если вы используете реверберацию в качестве эффекта. Именно здесь в микс вводится ваша собственная уникальная вспышка. Искусственная реверберация позволяет вам делать все то, что вы не можете делать в реальной жизни.

Управление реверберацией может быть пугающим. Нет пота. Просто используйте пресеты, пока не найдете то, что вам нравится. Затем вы можете настроить его на свое усмотрение. Это выбор дегустатора.

Помните ту шину реверберации, которую мы настроили ранее? Эквалайзер. Сглаживание некоторых высоких и низких частот гарантирует, что другие элементы не будут заглушены. Вы не хотите закапывать эту горячую мараку только потому, что ваша шина реверберации на пределе. Поэкспериментируйте с размещением эквалайзера перед реверберацией. Это означает, что вы эквализируете то, что входит в реверберацию. Или поставьте его после реверберации и эквалайзера того, что выходит. Все идет. Оба подхода дадут вам интересные результаты.

Реверберация в реальной жизни

У вас нет под рукой церкви, но вы хотите, чтобы ваша песня звучала так, как будто она в ней? Без проблем. Просто подделайте это с помощью реверберации.

Используйте силу реверберации, чтобы создать настоящее акустическое пространство для вашего звука. Сделайте это, чтобы добавить немного трехмерности в ваш микс. Неважно, отслеживали ли вы свои инструменты изолированно. Будьте звукорежиссером и сделайте так, чтобы все звучало так, как будто они все играют вместе в одной комнате.

Но имейте в виду, что это более тонкая техника, чем использование реверберации в качестве эффекта. Это идеальное время, чтобы использовать то профессиональное прикосновение к микшированию, которое вы разработали с тех пор, как начали читать эту статью. Начните с использования пресетов «Small Room» или «Ambiance» на вашем ревербераторе (или наиболее похожих пресетов в выбранной вами DAW).

ПОЛЕЗНЫЙ СОВЕТ: Обратите особое внимание на баланс между ранними и поздними отражениями. Всегда шути. Настройте их, чтобы понять, что они лучше всего подходят для вашего звука.

Общая картина

Помните, что вся ваша обработка должна выполняться с учетом общей картины. Имейте четкое представление о том, куда вы движетесь со своим треком, и часто ссылайтесь на него. Сделайте свое сведение оптимальным для этапа мастеринга после микширования. Единственный способ получить идеальную песню — это микшировать с мыслью о звуке.

Ссылки на микс: их должны использовать все аудиомикшеры

Итак, к этому моменту ваш микс идет гладко. Но всегда есть эти надвигающиеся вопросы. .. Как узнать, готов ли ваш микс? Похожа ли она на другие хорошие песни? Все правильно сидит? Используйте ссылку на микс. Есть несколько способов сделать это:

Вы любите The Rolling Stones? Добавьте Street Fighting Man в свою сессию в качестве первого трека и ссылайтесь на него во время игры. Ваш удар сидит, как у них? Твоя гитара режет, как у Кита?

Часто экспортируйте и мастерируйте свой трек в процессе микширования. Делайте заметки о том, что звучит правильно или неправильно. Вернитесь к своему миксу и исправьте.

Есть поговорка, что последние 10 % работы — это на самом деле 90 % работы. Используйте LANDR, чтобы избежать этого творческого блока. Единственный способ узнать, что вы закончили, — это услышать мастеринг.

Поиск правильного микса путем повторения

Все эти процессы не являются универсальными. Неуклонно возвращайтесь назад и снова и снова вносите небольшие коррективы. Все развалится, прежде чем все соберется. Смешивание — пена, полоскание, повторный процесс. Продолжайте в том же духе, пока не получите идеальное сочетание. Хороший микс часто требует нескольких версий и нескольких сессий, прежде чем он станет правильным.

Идите против проверенных методов микширования

Теперь, когда вы изучили все «правила» микширования, нарушьте их все. Ну может не ВСЕ. Но хорошее сведение — это всегда творческое сведение. Рискуйте со своим миксом. Микширование — это не учебник, которому можно научиться за ночь. Это в равной степени ноу-хау, инстинкты и риск. Это один из самых творческих шагов в вашем процессе. Не растрачивайте его, следуя какому-то сухому, устаревшему руководству, которое говорит, что есть только один способ сделать что-то. Если вы хотите поставить фленджер на свой гобой, тогда поставь фленджер на свой гобой!

Как микшировать музыку: руководство для начинающих

Здравствуйте, я очень рад, что вы зашли на эту страницу.

Надеюсь, это потому, что вы пытаетесь научиться микшировать песню. Если это так, то отлично, потому что в этой статье моя цель — научить вас технике и жаргону микширования музыки.

Я знаю, что информация довольно громоздка для тех, кто только начинает. Существуют буквально тысячи советов по микшированию музыки, но они не помогут вам решить проблему объединения всего этого.

На самом деле не существует единственного подхода к микшированию музыки, и очень мало структурированных руководств по этому процессу. По крайней мере те, которые я считаю удовлетворительными.

Я здесь, чтобы изменить это!

Таким образом, у вас есть что-то полезное, с чем можно уйти, и, надеюсь, вы сможете начать микшировать свои песни как можно скорее.

Я буду говорить с вами на повседневном языке, потому что мне нравится, как люди говорят со мной, плюс технический жаргон совершенно не нужен.

Быть великим инженером по микшированию — это не значит быть технически подкованным — я далеко не самый умный, — но важно понимать, как ваши инструменты  ЗВУК  добавят музыкальное звучание к песне.

Вы ни в коем случае не станете Мэнни Маррокином или Филом Таном за одну ночь, но, по крайней мере, у вас должно быть меньше стресса, когда вы открываете свою DAW (цифровую звуковую рабочую станцию)

Я расположил каждый раздел в этой статье в том порядке, думаю имеет смысл, особенно для тех, кто только учится микшировать песню. Просто имейте в виду, что это не является окончательным и что я нарушаю правила ВСЁ ЧЕРТОВОЕ ВРЕМЯ. Как только вы освоите основы, вы также начнете нарушать правила.

Таким образом, микшируете ли вы чужую песню или пытаетесь микшировать свою собственную, это не имеет большого значения, потому что темы, обсуждаемые в этой статье, смогут помочь каждому.

***Если вы серьезный миксер или уже имеете большой опыт, то эта статья может быть не для вас, кто знает.

Тем не менее, если вы профессиональный инженер по микшированию и думаете, что я что-то упустил, оставьте комментарий ниже. Я хочу, чтобы это был лучший ресурс по микшированию аудио для начинающих, поэтому любой вклад в улучшение этой страницы приветствуется.***

Акустическая обработка вашей комнаты

Прежде чем мы начнем, я подумал, что должен коснуться акустики вашей комнаты.

Каждый хочет с головой окунуться в изучение микширования музыки, но многое из того, что входит в процесс микширования, совершенно не связано с компрессором или эквалайзером (например).

Акустика — одна из таких вещей.

Видите ли, после того, как я обработал свою комнату, я увидел резкое улучшение моих миксов за ночь.

Здесь вы получите максимальную отдачу от своих инвестиций по сравнению со всем остальным, на что вы тратите свои деньги. Вы можете легко отправить 500 долларов (или меньше), и это значительно улучшит звук в вашей комнате.

Думаете, это не так важно?

Почти каждый инженер по микшированию, у которого я брал интервью, упоминал, что помещение, в котором он находился, играло важную роль в принятии решения о микшировании. Эти парни находятся на вершине своей игры; Я бы послушал их.

В этом видео показан простой и быстрый способ сборки акустической панели. Я думаю, что этого достаточно, чтобы дать вам представление о том, как вы можете построить его самостоятельно.

Теперь о смешивании!

 

Listen to The Rough

Это особенно верно, когда вы микшируете чужую песню .

Грубый (или эталонный) микс даст вам МНОГО подсказок о том, как вы должны подходить к миксу.

Очень часто, когда продюсер или артист работает над записью, они не обязательно пытаются создать звуковой шедевр. Вместо этого они пытаются создать атмосферу или эмоцию в песне.

Для инженера крайне важно , а НЕ разрушить эту атмосферу, когда вы микшируете песню. На самом деле вам нужно сделать все, что в человеческих силах, чтобы убраться с дороги и позволить музыке говорить за вас.

Я знаю, что это легче сказать, чем сделать, но при достаточной практике это становится намного проще. Решения о микшировании станут инстинктивными.

Слушая черновик, вы позволяете себе познакомиться с песней и видением исполнителя/продюсера.

Если вы настоящий инженер, то вы всегда услышите проблемы, когда будете слушать грубую музыку.

НО…

Постарайтесь прислушаться к тому, что делает песню великолепной. Как только вы найдете их, сделайте пометку, чтобы вы могли улучшить их в процессе микширования.

Так что, если вы микшируете свою собственную песню?

См. ниже…

 

Не ждите, пока начнется процесс микширования…

Если вы пытаетесь микшировать свои собственные песни, я бы сказал, что вы должны делать хотя бы часть микширования в процессе производства.

Если я продюсирую, я не жду, пока закончу продюсирование, чтобы начать микширование.

Процесс микширования для меня начинался на этапе выбора звука, чтобы выбрать наилучшие сэмплы.

Если вы записываете все, то фаза выбора звука на самом деле будет вашим выбором микрофона и положением этих микрофонов.

Но поскольку это не статья о производстве, я продолжу тему. Просто знайте, что вы не должны оставлять качество своих записей до «процесса микширования».

Если вы сделаете свои записи хорошими как можно раньше, вам не придется много микшировать позже – я люблю экономить время, надеюсь, вы тоже!

 

Наведите порядок в мозгу

Посмотрим правде в глаза, большинство людей в музыкальном мире довольно ленивы. Я не пытаюсь задеть какое-либо эго, но так оно и есть (по моему опыту). На самом деле я думал, что я уникален в своей лени, но обнаружил, что это похоже на болезнь — она есть почти у всех.

Возможно, дело даже не в лени, а в том, что наш мозг настолько творчески настроен, что мы не хотим портить атмосферу всякой технической ерундой.

Итак, мы должны удалить эти технические детали…

Микширование — довольно сложная задача, и слишком неорганизованная работа — это нехорошо. Имея рутину редактирования и организации, вы можете сделать вещи намного более управляемыми для себя.

Как вы думаете, почему профессиональные инженеры нанимают помощников для выполнения рутинных задач, таких как редактирование и систематизация?

Все просто.

Они не хотят этого делать!

Они скорее будут крутить фейдеры и эквализировать гитары, чем маркировать треки. Но поскольку они понимают, насколько важна организация, они платят за это кому-то другому.

Вы, вероятно, не в состоянии платить кому-то, поэтому вам придется быть стажером и делать это самому.

Следующие несколько разделов охватывают некоторые организационные моменты, которые вы можете сделать, чтобы сделать свою жизнь намного проще.

 

Дорожки с цветовым кодированием и маркировкой

После того, как я выложил свою многодорожечную сессию, я хотел бы начать процесс цветового кодирования и маркировки всех дорожек в сессии.

Цветовое кодирование и маркировка — самое простое, что может сделать каждый, чтобы подготовить песню к микшированию, но я не понимаю, почему люди этого не делают. Часто я вижу треки с пометкой «05Gtbk_03_20».

Что это вообще значит?

Мне нравится визуально видеть объекты в микшере как группы И по отдельности. Я думаю, что за этим стоит психологическая причина, но мне просто лень (я знаю, это болезнь) выяснять источник.

Причина в том, что это делает поиск вещей СУПЕР простым.

Думайте об этом как о папках на вашем компьютере. Если вы ищете Picture#3 Spring 2014, вам может быть проще иметь папку Spring 2014 с Picture#3 внутри этой папки.

То же самое относится и к поиску дорожек в микшере. Цветовое кодирование похоже на ваши папки, а маркировка — на файл внутри папки.

_______

Посмотрите на 2 картинки ниже. На каком из них, по вашему мнению, будет легче найти нужный трек? Будь честным!

Неорганизованный

Организованный

Если вам нужна фора и вы хотите знать, как я буду действовать, вот мой общий подход: затем сделайте треки ОЧЕНЬ простыми для понимания, когда я назову их — Kick, Kick2, Snare, Snare2.

Конечно, вы можете сократить названия треков, скажем, от «Snare2» до «Sn2». Пока вы понимаете, что читаете, это имеет значение.

*ПРИМЕЧАНИЕ* — Я, конечно, специально ссылаюсь на Pro Tools, когда говорю о цветовом кодировании, но почти каждая DAW имеет подобную возможность в отношении использования цветовой системы».

Изменение порядка дорожек в микшере

Это одна из тех вещей, которые на первый взгляд не кажутся такими уж важными, но со временем сильно влияют на результат ваших миксов.

Это чистая игра на знакомстве.

Только представьте, что каждый раз, когда вы заходите на кухню, тарелки стоят в разных шкафах. Это будет чистая игра в угадайку, и ваш мозг перестанет сосредотачиваться на еде (или , смешивая в нашем случае), и начнет сосредотачиваться на том, где найти тарелки (или дорожки в нашем случае)

Насколько это раздражает?

К тому же это ОГРОМНАЯ ПОТЕРЯ ВРЕМЕНИ.

Держу пари, вы инстинктивно знаете, где тарелки на вашей кухне. Вам даже не нужно думать, вы просто подходите к шкафу, открываете дверь и БАМ, вот они.

Вы должны инстинктивно сделать то же самое с вашими треками в окне микса.

Вы должны придумать вариант и место в микшере, которые вам подходят. Чем больше вы расставите вещи по знакомым местам, тем более инстинктивным это будет для вас и смешения в будущем.

Для начала я бы организовал небольшую сессию:

Бас-гитара ▶ Барабаны ▶ Инструменты ▶ Вокал ▶ Микс Басс

на моих сессиях, что я даже не думаю об этом.

Я призываю вас разрабатывать свои собственные, но БУДЬТЕ ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНЫМИ, это ключ . Если вы начинаете с вокала слева, попробуйте оставить его слева для будущих сессий.

Со временем вы увидите значительное улучшение ваших миксов.

После того, как вы ознакомитесь со своим макетом, через повторение, ваш технический мозг начнет отключаться, когда вы будете микшировать, и теперь творческая часть станет СУПЕР ЗАРЯЖЕННОЙ.

 

Отредактируйте свои треки и удалите все ненужное

В процессе записи захватывается много вещей, которых быть не должно.

Нередки такие вещи, как щелчки, треск, звук в наушниках или любые другие шумы в треках.

На мой взгляд, лучше всего удалять эти вещи, когда это возможно.

Для этого можно использовать гейт (который хорошо работает с барабанами), но я считаю, что простое ручное редактирование этого материала работает лучше всего, особенно на треках с сустейном. Этими треками могут быть вокал, гитары, струнные и т. д.

СОВЕТ: Для пользователей Pro Tools функция Strip Silence экономит ОГРОМНОЕ количество времени. Если вы не используете его, чем вы должны быть.

 

Время прокладки каналов (маршрутизация)

Это может быть что угодно: от создания и маркировки любых шин, которые могут вам понадобиться в сеансе, до создания ваших посылов, возвратов и дополнительных каналов.

Если я знаю, что буду использовать шину (иногда называемую группировкой), то я предпочитаю делать это в начале, чтобы при микшировании мне не приходилось выключать свой творческий мозг, чтобы включить технику.

Ничто так не убивает процесс микширования музыки, как включение технической части вашего мозга.

Автобусы: Для автобусов с самого начала настройте все, что, по вашему мнению, вам понадобится. Вы можете собрать вместе все барабаны, гитары и, может быть, даже вокал. Вы всегда можете изменить ситуацию позже, но постарайтесь принять это решение заранее.

Эффекты: К этому моменту вы уже должны были прослушать черновой микс, чтобы иметь представление о том, какие типы эффектов вам могут понадобиться. Вы можете начать с пары ревербераторов, ¼ нотной задержки, 1/8 девятки.0785-й -й нотный дилэй и, возможно, фленджер или хорус.

Это не конец, а всего лишь отправная точка. Таким образом, когда вы хорошо разбираетесь в миксе и вам нужна задержка для экспериментов, у вас есть та, к которой вы можете обратиться. Вы просто пытаетесь поддерживать творческий процесс.

Обычно я начинаю с какого-нибудь шаблона эффектов, который я обычно рекомендую, потому что он экономит много времени.

Если вы все еще не уверены в шинах и посылах aux, то ознакомьтесь с этой статьей здесь, поскольку она дает действительно хороший пример.

 

Правильные входные уровни (Gain Staging)

Когда люди впервые узнают, как микшировать музыку, и просят меня об одной вещи, которая поможет им быстро совершенствоваться…

…Я обычно предлагаю им посмотреть структура усиления их сессий.

Помимо того, что это просто хорошая практика для микширования музыки, также рекомендуется оставить некоторое покачивание, чтобы избежать удара о стену цифрового искажения.

При этом не стоит бояться цифровых искажений (потому что их уже почти не существует), нужно просто помнить об этом.

Если вы не знаете, что делаете, то очень легко добавить к своим трекам цифровое клиппирование (неприятное искажение), которое разрушит четкость ваших миксов, а также другие вещи, которых вы обычно хотите избежать.

Я не буду слишком углубляться в тему каскадирования усиления (в этой статье), потому что я уже освещал ее здесь и здесь. Но просто знайте, что ваши сессии действительно должны быть настроены перед микшированием.

Как только ваши уровни установлены, вы отправляетесь в гонки.

ВРЕМЯ ПЕРЕРЫВА!

Поздравляем, вы дошли до этого места. Это показывает, насколько серьезно вы относитесь к обучению микшированию музыки и дальнейшему развитию своей карьеры в области микширования звука.

Ладно, а теперь потянись, возьми кофе и/или перекуси.

Но прежде чем мы продолжим…

Здесь следует упомянуть несколько важных моментов, которые помогут вам научиться микшировать музыку.

Уровни мониторинга – Всегда проводите мониторинг на низких уровнях или, по крайней мере, для большинства миксов. Это сбережет ваши уши, а также позволит принимать более взвешенные решения о микшировании – гарантия или возврат денег!! Я нарушаю это правило, но только для того, чтобы иногда проверять низкие частоты в своих миксах. Большую часть времени я провожу на низких уровнях мониторинга.

Использование эталонов — эталонные миксы не являются чем-то новым, но они имеют ключевое значение на этапе «обучения микшированию», поскольку позволяют сравнивать и сопоставлять. Одна важная вещь, которую нужно сделать, это не переусердствовать при использовании эталона в процессе микширования. Просто используйте их в качестве ориентира, чтобы убедиться, что вы находитесь на стадионе .

Не зацикливайтесь на совершенстве – Помните, что смешивание – это кумулятивный процесс, на который ТРЕБУЕТСЯ ВРЕМЯ. Большинству инженеров требуется от 4 часов до целого дня, чтобы закончить запись. Если вы с самого начала зациклены на совершенстве, вы теряетесь в сорняках. Наслаждайтесь процессом, когда вы идете вперед, и все имеет тенденцию собираться вместе.

Доверяйте своим чувствам — Все успешные инженеры по микшированию доверяют своим чувствам и эмоциям при микшировании записи. Конечно, на этапах обучения это гораздо легче сказать, чем сделать. Но я хочу сказать, что постарайтесь не подвергать сомнению свои решения — просто делайте это. Чем больше вы практикуетесь, доверяя себе, тем лучше у вас будет получаться и тем лучше будут звучать ваши миксы.

Знайте, когда не делать что-либо – Хотя это легче сказать, чем сделать, есть хорошее правило (которому я сам следую): если вы не знаете, почему вы что-то делаете, не делайте этого. Не всему нужен эквалайзер или компрессор. На самом деле у меня будут сессии, на которых я вообще ничего не делаю с определенными звуками.

Не бойтесь нарушать правила — Если вы когда-нибудь дойдете до точки, когда вам покажется, что вы делаете «неправильно», просто остановитесь и послушайте. Если это звучит хорошо для вас, не беспокойтесь о том, что другие люди считают правильным или неправильным. Вы никогда не сможете стать великим, оставаясь внутри коробки, в конце концов вам придется выйти за ее пределы.

Теперь давайте продолжим учиться микшировать музыку…

 

Эмулировать консоль или не эмулировать консоль? Это вопрос

Для некоторых этот шаг является абсолютной необходимостью при микшировании музыки, и, по правде говоря, я был одним из таких людей. Однако это не является абсолютной необходимостью, когда вы учитесь микшировать музыку.

Просто ради спора и, поскольку это такая горячая тема, я немного обсужу ее.

В наши дни существует так много различных плагинов для эмуляции консоли, что просто голова идет кругом.

Предполагается, что вы берете один плагин и вставляете его в каждый канал, и предполагается, что он эмулирует поток сигнала консольного канала. Затем вы берете другой плагин и вставляете его в свои шины, после чего предполагается, что он будет эмулировать поток сигнала, поступающий в эти шины.

Звук меняется?

Да.

Но главный вопрос…

Делает ли это лучше?

Я так не думаю, и некоторые будут утверждать обратное, но для меня это просто звучит по-другому – не лучше.

Я предпочитаю ставить что-нибудь на мастер-шину, будь то цифровой плагин или аналоговое устройство. Оттуда мне нравится рассматривать каждый канал или шину в каждом конкретном случае.

Во время микширования я решу, нужно ли мне что-то делать или нет.

Помните, микшируете ли вы на консоли или на ноутбуке, вы, по сути, просто меняете холст — ВОТ ЭТО!

Ваша способность добиться хорошего микса зависит от вашего опыта и вашей способности слышать, а НЕ от используемых вами плагинов. Хотя в какой-то момент плагины действительно имеют значение, как вы прочтете здесь.

Если вы хотите узнать больше обо всем фиаско с эмуляцией консоли, вы можете пойти сюда, в противном случае, если вы хотите начать микширование, продолжайте читать.

 

Искусство балансировки

Вероятно, самое важное, что вы можете сделать со своим миксом, это добиться хорошего баланса.

Это то, с чем вы должны много практиковаться, потому что это действительно 75% записи.

Если баланс нарушен чаще, чем чаще, он просто не будет казаться правильным.

Итак, как правило, если вы новичок в микшировании песен, рекомендуется сбалансировать запись (в основном с помощью фейдеров) еще до того, как вы коснетесь эквалайзера или компрессора.

Вы будете вынуждены послушать взаимосвязь всех звуков и то, как они работают вместе. Постарайтесь сопротивляться желанию прикоснуться к своим плагинам. Если вы можете получить вибрации от баланса, чем чаще, чем нет, готовый микс должен звучать хорошо.

Посмотрите видео ниже:

В этом видео показано, как я обычно подхожу к балансу песни.

Хотя этот баланс был сделан для песни в стиле хип-хоп, его можно применить к любому жанру.

Также, если вам понравилось это видео, обязательно зайдите на мой канал YouTube и подпишитесь. Все крутые ребята делают это, я обещаю!

И последнее, это видео из одного из 17 разделов моего Премиального Учебника по микшированию хип-хопа. Проверьте это!

 

Избавьтесь от низкочастотного мусора, который вам не нужен

Это часто называют Фильтрация верхних частот или фильтр верхних частот.

Вам не нужно ограничиваться только фильтром высоких частот, вы также можете использовать полочные фильтры, чтобы существенно уменьшить громкость басов в треке.

Фильтр верхних частот

Полочный фильтр

Фильтр верхних частот был избит до смерти, и, честно говоря, я устал слушать об этом.

Вы можете найти тонны статей, посвященных этой теме, если вы выполните поиск.

Однако я бы добавил, что я НЕ из тех инженеров, которые перевешивают ВСЕ, потому что я чувствую, что это просто перебор. Чтобы узнать больше о том, почему я так себя чувствую, перейдите сюда и прочитайте мою статью об этом.

 

Пора начинать избавляться от вещей

Итак, вы добились хорошего баланса и применили некоторую фильтрацию высоких частот, но звук по-прежнему звучит перегруженным (или неразборчивым).

На этом этапе вы можете начать экспериментировать с субтрактивной эквалайзером.

По большей части я сосредоточиваю свое внимание на областях от 0 Гц до 900 Гц, примерно. Именно здесь наблюдается наибольшая загруженность.

Если вы действительно хотите разбить это еще дальше, я бы сказал:

• от 0 Гц до 100 Гц = низкий бас (гул)
• от 100 Гц до 250 Гц = Бас (имеет тенденцию к возникновению резонанса в этой области)
• от 250 Гц до 500 Гц = грязная/квадратная область для меня
• от 500 Гц до 900 Гц = звучание хонки

Эти цифры являются ориентировочными, но не точной наукой, потому что у каждого звука есть свой набор проблем.

Чтобы лучше понять, как я слышу частотные «зоны», вам следует скачать мою бесплатную шпаргалку по эквалайзеру. Это PDF-файл и видео, где я подробно объясняю, что такое 10 частотных зон и как я их слышу.

Грязь против резонанса

Думаю, это то, что большинство людей путает.

Грязь (для меня) обычно представляет собой накопление постоянной частоты, которое, кажется, никогда не исчезнет.

Резонанс, с другой стороны, имеет тенденцию быть резким пиком частоты, который время от времени периодически появляется.

Важно знать разницу, потому что атаковать эти проблемные области по-разному, как правило, является хорошей идеей.

Итак, что я имею в виду, когда нападаю на них по-разному?

С грязью, так как она постоянна, обычно хорошим подходом является субтрактивный эквалайзер. С другой стороны, поскольку резонанс возникает редко, обычно лучше использовать такие инструменты, как динамический эквалайзер или многополосный компрессор.

С помощью динамического эквалайзера и многополосного сжатия вы можете установить целевую частоту для зоны, в которой есть проблемы, и инструмент устранит проблему только тогда, когда она появится. Таким образом, вы получаете более естественный звук (т. е. вы не разрушаете сигнал).

 

Давайте сделаем паузу для отказа от ответственности

Хорошо, поскольку искусство микширования музыки настолько субъективно, что мне нужно сделать заявление об отказе от ответственности.

Дойдя до этого места, я понял, насколько «структурирована» эта статья.

Я знаю, что даю вам версию для начинающих (шаг за шагом) о том, как микшировать песню, но постарайтесь действительно понять концепцию, а не процесс.

Вы можете заметить, что высокие частоты предшествуют компрессии в этой статье, но это может быть непрактично в реальной ситуации. Это скорее ощущение того, что вам нужно развиваться, а не список шагов, которым нужно следовать. Вы доберетесь туда, это займет немного времени.

Если вы примените методы, из этой статьи вы будете в хорошей форме.

Просто помните, что сведение (и мастеринг) — это не только технический процесс, но и искусство. Технические вещи просто помогают нам достичь наших целей.

А теперь продолжаем шоу.

 

Применение некоторого сжатия

Со сжатием почти глупо, сколько способов его использовать.

Существует так много компрессоров на выбор, и все они звучат по-разному. Лично я довольно большой поклонник плагинов Waves, поэтому вы увидите Rcomp во многих моих сессиях. Но это на другой день.

Сжатие, вероятно, самый сложный инструмент для новичка.

Я действительно мог бы написать МНОЖЕСТВО статей о сжатии, потому что тема настолько обширна, что я уже говорил о сжатии раньше.

Я быстро расскажу о нескольких способах использования сжатия и помогу вам начать работу, а с этого момента я позволю вам изучить тему самостоятельно.

Вот 4 способа, которыми я обычно использую сжатие:

1. Как наждачная бумага — Я также называю это «теорией наждачной бумаги», когда динамика звука немного грубовата, и я хочу ее сгладить.
2. Экстремальное сжатие — я называю это дакинг-сжатием, хотя это не то же самое, что сжатие боковой цепи. Я называю это приглушением, потому что я бы использовал его больше на фоновом звуке, который я хочу убрать с пути более преобладающего звука. Я сжимаю его очень сильно, так что он становится намного более устойчивым и его легче помещать в микс.
3. Ограничение – Мне нравится использовать ограничитель как последнюю линию обороны. Как только звук попадает в нужное место, я обычно вытаскиваю ограничитель, чтобы убедиться, что звук остается под контролем. Здесь или там может стукнуть децибел
4. Параллельное сжатие — Существует несколько причин для добавления некоторого параллельного сжатия. Это может быть усиление транзиентов или заполнение сустейна, но чаще всего я использую это как форму повышающей компрессии. Я хочу поднять низкие уровни звука, чтобы он звучал ближе, не жертвуя при этом прекрасной динамикой.

Теперь я буквально пропустил кучу других способов использования сжатия, но я думаю, что эти 4 — хорошее начало.

Когда вы больше узнаете о сжатии, вы поймете цвет каждой единицы, а также то, как они реагируют на звук.

Удачи!

 

Аддитивный эквалайзер для некоторого волнения

Еще одна важная вещь, которую нужно усвоить, когда вы выясняете, как микшировать музыку, — это как добавить волнения к звуку.

Знаете, когда вы слушаете песню, в ней есть что-то такое, что щекочет вам слух?

Он движет чем-то внутри вас, что хочет, чтобы вы продолжали слушать.

Добавление волнения определенно не ограничивается выравниванием, но это определенно начало.

Как атаковать EQ для азарта?

Попробуйте поэкспериментировать с областями в районе 1-3 кГц, чтобы получить немного больше остроты и присутствия вперед. Вы также можете попробовать увеличить несколько дБ в районе 5 кГц+, чтобы добавить немного шипения или воздуха (в зависимости от того, где вы повышаете). Это имеет тенденцию действительно вытягивать что-то захватывающее в звуке.

Другие инструменты, которые вы можете использовать, чтобы добавить волнения:

• возбудители гармоник
• искажение
• многополосные компрессоры
• переходные конструкторы
• и более…

Не ограничивайте себя, просто следуйте своим ощущениям. Если вы используете инструмент и обнаруживаете, что он добавляет что-то захватывающее в трек, то, вероятно, это хорошо.

 

Гармоническое искажение/насыщение

Некоторые из моих любимых вещей, которые я использую при микшировании песни, — это искажение и насыщение. Не тот вид искажения, который вы бы подключили к гитарному усилителю (хотя это может быть полезно). Я говорю о небольших аномалиях на пути прохождения сигнала, которые добавляют звуку характера и объема.

Во времена аналогового сигнала сигнальный тракт добавлял звуку всевозможные характеристики, прежде чем он попадал в динамики и касался наших ушей.

Много раз это было просто небольшое количество гармонических искажений, которые превращали трек из скучного в интересный.

Вы когда-нибудь микшировали песню и думали: «Почему она звучит плоско?»

Возможно, потребуется что-то еще, особенно если запись была сделана не на хорошем оборудовании.

Попробуйте добавить немного гармонического искажения к определенным звукам в вашем миксе и посмотрите, начнут ли ваши треки оживать.

Один из моих любимых способов добавления гармонических искажений прямо сейчас — это управление входом HoRNet SW34EQ — посмотрите мой обзор. Мальчик, этот плагин отлично звучит на фортепиано и барабанах.

 

Давайте добавим эффекты к нашей песне

Теперь, когда чудесный мир микширования музыки каждый день превращается во что-то новое, создается огромное количество новых инструментов, которые вы можете использовать для добавления эффектов и пространства к своим трекам.

Очень интересно наблюдать, куда движется мир микширования, но в то же время я понимаю, как легко заблудиться, когда вы новичок.

Чтобы помочь вам оставаться на плаву и не утонуть, я расскажу лишь о нескольких эффектах, с которыми, как мне кажется, должен разобраться каждый новый инженер.

Как только вы это поймете, вы сможете начать экспериментировать с некоторыми новыми инструментами.

• Реверберация: Конечно же, я упомяну реверберацию, так как это почти обязательное условие для каждого инженера по микшированию. Это поможет выделить пространство в вашей записи, а также создать атмосферу или ощущение. Я уже сделал 2 довольно хороших урока по реверберации, поэтому посмотрите их ниже.

• Задержка: Другим основным продуктом инженера по микшированию является плагин задержки. Вы можете использовать задержку, чтобы создать эффект реверберации, создать движение в треке или сделать что-то действительно радикальное, чтобы заинтриговать слушателя. Задержками очень легко манипулировать, особенно когда вы начинаете добавлять к ним такие вещи, как эквалайзер, сжатие, искажение или автоматизация. Посмотрите мой учебник о том, как создавать броски с задержкой, или посмотрите видео ниже.

• Chorusing/Flaging: Хотя технически это две разные вещи, я считаю их одним целым, когда думаю о них. Вы можете использовать этот тип эффектов, чтобы создать некоторую деформацию и движение между вашими динамиками. Проявите творческий подход!

• Гармонизаторы: Гармонизатор — это, по сути, плагин, который берет исходный звук, дублирует его, а затем разделяет на левый и правый источники. Оттуда он будет сдвигать высоту тона вверх в одну сторону и вниз в другую. Что получается, так это действительно крутой и уникальный стереозвук, и когда вы смешиваете его с оригиналом, он создает действительно плотный звук. Это отличный инструмент для микширования вокала, гитар и даже фортепиано, чтобы придать им хорошее стереофоническое наполнение. Используйте экономно, и вы сможете создать что-то особенное.

Конечно, есть и другие плагины эффектов, которые вы можете использовать в своих миксах, но для новичка, который только учится микшировать музыку, я думаю, этого должно быть достаточно.

 

Время сокрушить и сделать это ГРОМКО!!!!!

Нет, я просто шучу, но по сути это то, чего хотят все. Если вы обрадовались, читая это название, то позор вам.

А если серьезно, нам нужно попытаться выжать немного громкости на этапе мастеринга, не делая звук слишком раздавленным. Это непростая задача, поэтому я всегда рекомендую обращаться к профессиональному инженеру по мастерингу, когда это возможно.

Но бывают случаи, когда клиент конкретно заявляет, что не планирует обращаться к инженеру по мастерингу, но хочет, чтобы его трек звучал конкурентоспособно. На данный момент у меня нет другого выбора, кроме как микшировать и мастерить.

При этом я не слишком много обрабатываю свой Mix Buss (Master Channel), потому что чувствую, что мне это не нужно. На самом деле я предпочитаю звук более динамичного микса.

но я отвлекся…

Вот некоторые распространенные типы обработки, которые инженеры будут использовать на главном канале.

Сжатие: Конечно, это один из тех основных элементов, которые большинство инженеров считают «клеем» для своих записей. Мне никогда не удавалось сделать это правильно, поэтому я не использую его, но попробуйте сами и посмотрите, понравится ли вам это.

Эквалайзер: Определенно необходим на шине микса. На самом деле я часто использую его в последнее время, потому что я обнаружил, что он позволяет мне добавлять вещи в мои миксы позже (в целом), вместо того, чтобы добавлять тонну этого в процессе микширования. Я нередко добавляю высокие или низкие частоты во время микширования.

Аналоговое насыщение: Это может быть МНОГИЕ различные типы инструментов. Он может быть аналоговым, может быть от компрессора, эквалайзера или лимитера. Многие инструменты теперь добавляют звуку характер, что мне и нравится. Я не «прозрачный» микшер, мне нравится добавлять цвет, и мне нравится добавлять немного в шину микса.

Ограничение: Если вы хотите, чтобы ваши треки были как можно ближе к 0 дБ, вам понадобится ограничитель. Это определенно необходимо. Это также помогает убедиться, что пики не превышают 0 дБ, что убережет вас от цифровых искажений (помните, что это плохо).

Я бы сказал, что это 4 основных инструмента, которые можно использовать на шине микширования при микшировании музыки, но, конечно, есть и другие.

Мой совет — не усложнять и использовать то, что у вас есть, и стараться делать это экономно. Как только вы начнете развивать свой слух, вы услышите тонкости, которые добавляет каждый плагин.

Если вы хотите увидеть способ мастеринга песни с помощью БЕСПЛАТНЫХ плагинов, нажмите на эту ссылку или посмотрите видео ниже.

 

Поздравляем! Ты сделал это

Если вы задержались до самого конца, я вас хвалю.