Разное

Основы написания музыки – Основы создания музыки – Roman-mix-pro

Содержание

Основы создания музыки – Roman-mix-pro

Здравствуйте. Прежде всего, мне хочется начать с маленького объяснения, что же все такое музыка. Прежде всего, хочется сказать, что между электронной и классической очень много общего. Что же, спросите Вы? Все дело в том, что любая музыка создается по одним и тем же принципам, а наибольшим эталоном всех времен и народов являлась классическая музыка. Итак, перейдем к основам.

Итак, музыка составляется из 6 основных, и самое главное взаимосвязных частей — мелодия, контрапункт, гармония, фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах произведения. Все они неотъемлемая часть хорошего саунда, и чем больше они раскрыты в треке, тем трек качественней.

Перейдем к структуре трека. Электронной музыке характерна квадратичная структура. Это значит, что все составляющие части должны быть кратны 4, или быть использованы кратное число раз. В последнее время, многие авторы электронной музыки (в том числе и я) стали экспериментировать с этой структурой, и квадратичная структура становиться кратной 6, а порой 10. Но всем приходиться сохранять основное – любой ключевой момент должен приходиться на четвертый такт, а если она кратна не 4, то на ключевую фразу. Только таким образом, другие диджеи смогут без особых проблем свести трек в миксе, ориентируясь на ключевой момент.

Начнем со вступления трека. Здесь квадратичная структура особенно четко прослеживается, чтобы сведение сделать наиболее удобным. К основному ритму ударных в течение всего трека постепенно добавляются новые и новые ударные партии, но обязательно через каждые 4 или 8 такта.

Основная схема построении трека выглядит следующим образом: мелодия, гармония, ритм, бас. Причем основу трека все таки задает основная мелодия, или Lead. Самое главное придумать мелодию, далее она обрабатывается, обретает стройный вид, и в конце концов превращается в трек. Но до того как она станет новым треком, над мелодией идет кропотливая работа создания аранжировки, выбор инструментов, ударной части, ее звуков, щелчки, фоновый шум и так далее. Включая еще немаловажную часть, и самую сложную, такую как эквилизация. Но о ней позже.

Структурируем все вместе в одной схеме.

1. Сперва ритм. Ритм штука простая, и сложная одновременно. Для примера, классический кик будет звучать сухо в квадратичной структуре, пока нему не добавишь хэт или шейкер. Одним словом составить грамотную, а самое главное гармоничную перкуссию. Голый квадратичный ритм в электронной музыке должен идти не менее минуты, чтобы был возможен свод трека, и незначительно меняться до начала основной мелодии. А наиболее красивые треки это те треки, которые добавляют в голый квадратичный ритм поочередно элементы перкуссии, тем самым создавая эффект нарастания мелодии.

2. Итак вступление. От него порой зависит самое главное – будут ли слушать ваш «хит», кто-нибудь еще, роме Вас. Стандартно вступление это участок с упрощенной мелодией, или самое ее начало. Присутствие разнообразных шумовых фоновых эффектов во вступление это дело вкуса, но все же, лучше их не использовать. По части эквалайзера – то во вступление это срез низких частот, и постепенное их нарастание.

3. Основная мелодия или тема трека – повторяется четное количество раз. Тут написать я могу немного, ведь фантазия и умение делать музыку у каждого своя. Но для примера возьму свой, пусть и безнадежный, но, на мой взгляд отличный способ создать основу трека. Все начинается с того что в голову приходит идея трека и пара нот. Перед тем как сесть писать новый трек я мысленно пытаюсь мелодию развить , если это удается – то мелодия сразу записывается, и проблем не возникает. Но если мелодия не придумана, а идея и пара нот не выходят из головы, я обычно подбираю сразу на записи развитие мелодии, и в конце концов добиваюсь результата.

4. Яма или затишье. Тут все просто – отсутствие ударной части, приглушенная тема. Самое большое заблуждение новичков это то, что яма это почти как вступление. Вот они и начинают выкручивать низкие, а некоторые дарования даже высокие и средние. Простите за выражение, но такое трек, даже с очень крутой мелодией превращается в ……. Сами понял что. Значение ямы очень весомо. Многие спорят о продолжительности ямы, о ее нагрузки со стороны мелодии, но никто и никогда не станет спорить о целесообразности и необходимости ямы.

5. Развитие мелодии. Небольшой по времени, но очень ответственный кусок трека, с нарастающей громкостью и шумами. Неправильно составишь так называемое «зависание» – и все. Трек в топку. Развитие необходимо прежде всего для того чтобы вывести слушателя к основной партии мелодии (в жаргоне Dj-ев она называется «расколбас» «мясо» и т.д.). Если не сделать это грамотно, то основная часть вылетит из ямы, а растерянный танцпол поймет о начале основной партии, дай бог, к ее середине. И прогонит такой трек со свистом и тухлыми овощами.

6. Основная партия. Повторять, как звучит эта часть на жаргоне, не буду. И так понятно, что должно быть в этом треке. Если все предыдущие части составляли своеобразное «рождение», «младенчество» и «детство» трека, то это часть может смело называться «юностью» и «молодостью». Это душа трека, в ней каждый должен выложиться на все 100%, а самый крутой трек, это на все 200%. В общем, старайтесь сделать эту часть как можно веселей, активней, в ней должен быть драйв, кураж, энергия и сила.

7. Финал трека и его конец. Минута простого ритма, общее постепенное затишье мелодии, снижение количества ударных и перкуссии.

Все эти части неотъемлемая часть трека любой стилистики электронной музыки. Из нее нельзя вырвать что-либо, трек потеряет всякий смысл, и все вышеописанные части трека – обязательное условие трека. Конечно, построение может сильно варьироваться, в зависимости от стиля. И количество частей тоже. Экспериментируйте.

Теперь о звучании трека в целом, а именно его тембр. При выборе инструментов, необходимо учитывать что тональность у них должна либо быть одинаковой, либо сочетаться по звучанию. Тут и понадобиться эквалайзер, чтобы сделать тембр громче, тише, звонче, глуше и т.д. Наличие музыкального слуха просто необходимо, и тут уже ничего не сделаешь, если его нет. Потому что неправильно подобранный тембр – это каша звуков. Понимание тембра, а соответственно и наличие слуха, также необходим и при своде треков в миксе. Наверное замечали, что у самых профессиональных Dj-ев сам факт перехода вообще не заметен, и весь микс звучит как один трек. Все дело в правильном подборе треков в плане тональности. Но об этом в следующих статьях.

Перейдем к следующей части это эффекты и их использование. Фантазия безгранична, так же, как и количество всевозможных эффектов. Затрону самые основные. Прежде всего одинаковые уровень звука и инструмента. Он не должен «перекрикивать» или не быть слышен вообще. В этом здорово помогают лимиттеры и компрессоры в аналоговых программах для написания музыки. Методом проб и ошибок многие учатся работать с ними, и определенного алгоритма для работы с ними нет. Все должно быть на усмотрение автора. Часто используется фильтрование (например, срезать частоты), и на помощь автору приходит эквалайзер, лучше параметрический. Можно сделать волну звуковых шумов, мелодии, бита, по-разному перемещая фильтр частот.

Реверб – эффект пришедший к электронной музыки из вокала. Это своеобразное растекание звука по помещению, создающее эффект объемности и живости звучание. Обычно его используют для солирующего инструмента (например, при использовании в яме), для основной мелодии. Я использую реверб еще и для басс-линии. Поверьте – звучание просто отличное.

Хорус – чем-то мне всегда напоминал реверб, даже используют его так же, с одним лишь «но». Хорус «теплее». Создает необычный дополнительный звук для инструмента, на тембр выше или ниже. Не советую использовать вместе хорус и реверб – звучание просто тошнотворное.

Дэлей, или задержка. Самый сложный эффект. Не могу сказать, что он не нужный, однако его значение преувеличивается многими авторами. С помощью дэлея конечно можно создать причудливый и завораживающий звук нарастания звука. Начинающим лишь посоветую использовать его разделив на микшере инструмент на два канала. В одном и попробуйте использовать дэлей. Так звук, или нота закончив звучание, будет рождаться заново изменяя свое звучание.

Фоновый шум. Новички порой не видят в нем смысла. Noise Fx, сам по себе звук без смысла. Но если его использовать в ключевых моментах трека, в переходах между частями трека, а также чтобы добавить таинственности, этот звук обретает смысл. Но им надо уметь пользоваться. И самое главное он не должен звучать с одинаковым уровнем звука на его канале. Пусть он постоянно меняется, западает, метается.

На последок хочется написать про сам процесс написания. У меня на один трек уходит 4-5 суток. У кого-то неделя и больше. Но никогда нельзя работать над треком больше 2 часов подряд, и 6 часов в день. Просто начинает бесить звучание, ты привыкаешь к звукам и нотам, теряешься в них. А ведь процесс создание трека это многоуровневый и кропотливый труд, а утомляемость после такой работы – как после разгрузки вагона. А еще берегите уши, берегите слух. Он портиться от слишком долгой нагрузки, а ведь его порой приходится слушать на приличной громкости не только на мониторах, но и в наушниках.

Вот и все. Это всего лишь поверхностная и очень облегченная информация по созданию музыки. Это, прежде всего совет, а не правило написания музыки. Это мой опыт, мои знания, и прислушиваться или нет к ней – это ваше дело. Ведь лучший талант – это яркая индивидуальность. Стремитесь к лучшему и у вас все получится.

promodj.com

Создание музыки. Пошаговый алгоритм — Музыкальный онлайн колледж

Для тех, кто любит видеоуроки предлагаю бесплатный видеокурс по созданию  музыки, который вы можете забрать здесь 

Как я уже писал раннее создание музыки это наиболее сложный вид музыкальной деятельности, который включает в себя множество побочных (построение формы, голосоведение, гармония, создание мелодии и т.д.).

С другой стороны это и самый легкий вид музыкальной деятельности – лишнее подтверждение этому бесчисленные примеры музыкально безграмотных людей, которые создали некоторые известнейшие мелодии. Но исключение лишь подтверждает правило. Поэтому если  хитовые мелодии не преследуют вас каждый день, то  придется их “вылавливать” самим. А для этого нужно как следует поработать.

В общих чертах создание музыки это такой же процесс как создание здания, картины, книги и т.д.

Что отличает  профессионала в любой сфере деятельности?

Умение видеть конечную цель.

Можно подходить к процессу создания музыки, как к процессу неподконтрольному разуму. А можно использовать весь свой потенциал и использовать разум для управления вдохновением.

Как показывает опыт самых разных композиторов – каждый  из них в процессе практики вырабатывает определённую схему действий, которая помогает реализовывать свои идеи быстро и максимально качественно.

Попробую набросать примерный план работы над созданием музыки.

До того как мы начнем что-либо записывать, программировать и т.д., очень важно определиться с некоторыми вещами. Например: какой стилистики придерживаться, для какого состава будет писаться музыка, образный строй, возможно, это будет музыка к фильму – тогда необходимо ознакомиться с сюжетными линиями и пожеланиями режиссера. (Существует множество случаев, когда автор музыки не видел или не читал произведения, на которое пишет музыку. В таком случае необходимо сформировать хотя бы общий образный строй произведения)

Условно существует три подхода используемых при сочинении музыки:

  1. создание мелодии
  2. сочинение гармонии
  3. сочинение ритма

При использовании первого алгоритм может быть примерно таким:

1.Определяем какой-тип мелодики нам нужен (песенный, речитативный). Очень важно знать в каком направлении двигаться. Мелодия может посетить Вас, а может Вам придётся ее написать. Но и том и другом случае Вам нужно четко знать какую мелодию Вам необходимо создать.

2. Определяемся с формой мелодии, ее ролью в масштабе произведения (монотематизм, сонатное развитие, симфоническое и т.д.).

Поскольку при таком методе композиции мелодия является главным средством для выражения идеи композитора необходимо учитывать ее возможности для развития в рамках формы. От того какой будет мелодия зависит 90 % всей остальной работы. Ритмика, гармонические и синтаксические особенности мелодии должны быть продуманы. После того как тема произведения готова можно сказать, что сделано больше 50% работы.

3. Отбор гармонических средств

На выбор гармонии влияют многие факторы, главные из них – это стилистика мелодии, заложенный внутри нее гармонические связи, заранее предопределенная композитором стилистика. Гармония может дополнять мелодию, а может контрастировать-контрапунктировать ей.

4. Выбор фактуры

Зависит от выбранного состава и его возможностей. Также фактура будет зависеть от стилистики гармонии и образного строя мелодии. Сложные виды фактуры, сочетание полифонии с гомофонией хорошо использовать для выражения сложных, пространных образов. В тоже время несложная мелодия может быть изложена в рамках одной простой фактуры.

5. Работа с формой

На данном этапе необходимо логично выстроить отобранные выше приемы. Различные усложнения, нагнетания, уплотнения фактуры должны дополнять и создавать форму. Можно создать некий эскиз, в котором будут отмечены наиболее важные формообразующие элементы.

6. Аранжировка или инструментовка

Если Вы сочиняете сразу для определённого состава, то на этом этапе дорабатываете спорные моменты и вводите недостающие инструменты, если возникла такая необходимость. Если же Вы сочиняли музыку для клавира или она есть только у Вас в голове, тогда необходимо основательно поработать над созданием аранжировки.

Создание Музыки

При сочинении гармонии алгоритм будет несколько другой.

Создание основной последовательности аккордов

Здесь важно также учитывать потенциал аккордовой последовательности для дальнейшего развития. Многие последовательности настолько замкнуты внутри себя, что с трудом поддаются развитию и после нескольких повторений надоедают слушателю. Лейтгармония (так называется гармония, заменяющая собой мелодию) должна быть очень образной, яркой и запоминающейся. Не используйте заезженные ходы и кадансы. Послушайте Дебюсси и Скрябина в качестве примера.

2. Мелодия

Здесь можно использовать следующее правило – чем ярче гармония, тем стандартнее мелодия и наоборот. Схематично ваша мелодия может:

а) Более менее соответствовать гармонии (опора на аккордовые звуки, разрешения, арпеджио)

б) Контрастировать (задержания, хроматизм, политональные приемы, полимодальность, остинатность, перегармонизация)

в) Сочетать контраст и подобие

Как показывает практика, при наличии яркой гармонии достаточно нескольких интонации для создания образной мелодии.

Следующие шаги повторяются лишь с той разницей, что в качестве формообразующего элемента на первом месте будет лейтгармония.

Если же Вы решили начать с сочинения ритма (или он сам Вас нашел 🙂 ), то возможная последовательность действий такая:

1.Определить: мелодизировать ритм или нет.

2. Если ритм остается в сфере аккомпанемента или ритмических инструментов, то затем ищем необходимую интонацию и работаем с ней.

3. Если ритм мелодизирован, то  выстраиваем фактуру и форму, исходя из его структуры.

Примеры произведений построеных на ритме: Болеро Равель, Хабанера – Бизе, Take Five Desmond. Обратите внимание, что в композициях такого типа роль интонации играет ритм и изменения в области гармонии и мелодии не существенно влияют на восприятие музыки.

study-music.ru

Слышат ли они музыку в своей голове / Аудиомания corporate blog / Habr

О музыке я знаю немного, но, говорят, что музыканты слышат и сочиняют музыку в голове. Они действительно слышат все эти быстрые переходы, сложные аккорды и звуки, которые есть в музыке Листа?

Например, очень быструю мелодию в рапсодии №2 или звуки из рапсодии №6 (невозможно поверить, что их рождает рояль), или прекрасную концовку рапсодии №12.

Аноним: У меня есть музыкальное образование, и я занимался музыкой много лет (примерно с 6 до 23 лет). Отмечу, что сейчас я работаю программистом и не осмелюсь назвать себя профессиональным композитором, однако я неплохой музыкант, могу выступать на сцене, дирижировать оркестром, выступать с оркестром, учить детей, сочинять короткие произведения и т.д.

Если вы обладаете музыкальным слухом, и он абсолютный, то можете «слышать» музыку в своей голове, читая ноты. Глядя на партитуру, вы можете представить, как это будет звучать (с очень высокой точностью).

Теперь поговорим о сочинении.

Насколько я знаю, существует по меньшей мере три основных способа создания музыки.

Интуитивный способ или способ на основе вдохновения

В голове рождается целое произведение. Сначала вы его слышите, а потом записываете. Оно просто появляется в вашей голове из ниоткуда. Я написал одно произведение таким способом, и это был странный опыт. Пока я был вдохновлен, меня не покидало ощущение, что я «одолжил» свои руки, и «нечто» сыграло ими композицию, а я записал её на бумаге.

На самом деле, это произошло на экзамене по композиции: я не готовился, пришел за час до экзамена, написал произведение и успешно сдал его (однако я рекомендую готовиться). Недостаток этого метода в том, что если у вас нет вдохновения, то магии не произойдет – не будет музыки.

Вероятно, музыка рождается в вашем подсознании или где-то еще. Я думаю, что идея постепенно формируется в глубине вашего разума и, в конечном счете, превращается в результат. Потом вы ее слышите и записываете. Иногда у вас нет выбора, потому что идея «требует», чтобы ее записали. Это ощущение ни с чем не спутать.

Методологический способ или подход на основе знаний

Если вы хорошо знаете теорию музыки (очень-очень хорошо), то сможете создать композицию так, как её создают компьютерные программы: выбираете основной мотив, а затем сочиняете музыку на бумаге в соответствии с правилами гармонии и другими идеями, которые хотите воплотить. При таком подходе вы создаете музыку «с нуля», корректируя её звучание на каждом этапе.

Музыка, созданная таким способом, может показаться скучной, неэмоциональной или предсказуемой. Я слышал одно произведение, очевидно созданное таким методом, и оно было наискучнейшим. Для написания достойной музыки вам понадобится много теоретических знаний.

Комбинация двух способов

Трудно получить всю мелодию целиком только на основе вдохновения. Также трудно создать целую мелодию, основываясь лишь на теоретических знаниях. Поэтому вы можете смешать два этих метода. Вы придумали мотив, который вам нравится (вдохновение), а затем, используя знания, вы превращаете его в полноценную композицию (гармонию). Во время игры к вам может вернуться вдохновение и принести с собой оставшуюся часть мелодии.

Использование смеси двух техник – вероятно, наилучшая идея. Дело в том, что, когда мелодия «оказалась у вас в голове», вы не сможете записать её полностью – одну минуту максимум. Этого недостаточно для полноценного произведения.

То, что я рассказал выше, подойдет для написания музыки с использованием реальных музыкальных инструментов.

Для электронной музыки существует еще один способ – метод проб и ошибок. Сначала вы запускаете музыкальную программу с пустым шаблоном, потом начинаете повторять какой-нибудь музыкальный рисунок и постепенно добавляете звуковые эффекты, наблюдая за изменениями. Если вам нравится то, что вы слышите, то проект сохраняется, и процесс наложения эффектов продолжается.

Изменяйте ритм, слушайте – меняйте такт, добавляйте биты. Проигрывайте снова. Накладывайте другие шаблоны и так далее. Этот процесс совершенно отличается от методологического способа и больше подходит для электронной или нестандартной музыки. В качестве аналогии можно привести ребенка, играющего в кубики. Необходимо понимание изменений, происходящих при добавлении того или иного эффекта.



Кертис Линдсей (Curtis Lindsay): Когда мы слушаем «Венгерские рапсодии» Листа, то слушаем музыку, которая, скорее всего, была рождена в ходе импровизации.

Лист, как и многие другие великие музыканты того времени, был невероятно опытным импровизатором и превосходил в этом многих композиторов. Вероятно, не все «Венгерские рапсодии» были рождены одинаково, однако ключом к их созданию стала импровизация. После того, как мелодия была готова, она просто дорабатывалась и шлифовалась.

Другое объяснение – у композиторов разные методы работы, но почти все они связаны с воспроизведением и обработкой музыки «в голове». Никто не садится сочинять музыку по формальным правилам теории. Теория музыки – это аналитический метод, он не предназначен для её создания.

Как правило, большинство композиций создаются с помощью музыкальных инструментов, чаще с помощью клавишных, например, фортепиано. Но иногда композиторы предпочитают работать без них, используя только свой разум и бумагу.



Деннис Хоффманн (Dennis Hoffmann): Лично я, особенно в течение последних лет, всегда представляю новую песню у себя в голове. Или хотя бы её часть. Обычно в тот момент, когда что-то зарождается в моей голове, я достаю телефон и напеваю мелодию на диктофон, чтобы не забыть.

Если мотив получается очень хорошим, то я могу начать сочинять песню целиком. Я ужасный барабанщик, но могу представить, как будут звучать барабаны… басовая партия… гитарная партия… как должна звучать гитара.

Моя сильная сторона – это написание текстов песен. Когда я был моложе, то сначала писал слова, а потом накладывал музыку. Но с годами изменил свое мнение – сейчас я сначала сочиняю музыку, а затем пишу слова песни, сокращая или удлиняя некоторые части композиции, чтобы уместить все, что мне нужно.

Однако во многих случаях структура песни может меняться. Сейчас я по большей части работаю один и сам записываю несколько дорожек, создаю барабанный ритм, добавляю синтезатор, записываю партии гитары и бас-гитары и т.д. В процессе творения (особенно когда программирую синтезаторы) я могу что-нибудь изменить, потому что нашел звук, который изначально не планировал использовать, но который хорошо подходит. Безусловно, здесь много свободы действий.

Иногда я записываю живую игру музыкантов, а не создаю синтетические звуки, потому в финальную композицию могут вноситься изменения – всему виной стиль игры исполнителя. Я считаю, что это не самый приятный способ создания музыки.

Мне песня нравится такой, какой я ее написал, и я не люблю, когда кто-то портит ее своей игрой. Но иногда это необходимое зло – я не всегда могу получить нужный мне звук искусственным образом, потому я нанимаю человека, который сможет его сыграть.

Если вкратце, то, действительно, все начинается в моей голове.

P.S. Больше материалов на тему музыкального творчества, акустических нюансов и звуке в нашем блоге и подкастах.

habr.com

Теория музыки для начинающих чайников и профи

В рубрике «Теория музыки», вы узнаете, что это такое, для чего нужно и кому необходимо. Также ниже будут идти отдельные бесплатные уроки как для начинающих чайников, так и для профи. Там мы подробно будем раскрывать теоретические вопросы данной темы.

Что такое теория музыки

Теория музыки — это определенный комплекс учебных и научных дисциплин музыковедения, которые занимаются теоретическими аспектами музыки. Все это формирует главную базу для создания музыки.

Вот лишь некоторые дисциплины (разделы теории музыки):

  • Инструментоведение — изучение музыкальных инструментов
  • Оркестровка — изложение музыки для оркестра
  • Гармония — дисциплина об организации музыки
  • Полифония — изучение полифонических композиций
  • Ритмика — изучает метр и ритм
  • Музыкальная форма — дисциплина о строении произведения

Еще сюда входят дополнительные курсы по теории музыкального содержания, современной композиции, музыкальной текстологии и многое другое.

Есть еще такое понятие, как элементарная теория музыки. Это такой упрощенный вариант свода теоретических положений о музыке. Как правило, предназначено для начального освоения музыкальной грамоты.

Несмотря на то, что сейчас очень много информации, у многих все равно сидит каша в голове из обрывков каких-то знаний. В итоге, некоторым людям кажется, что это все очень легко. Ведь они вроде бы и понимают информацию, но применить не могут. Поэтому им кажется, что это легко.

Кому-то наоборот, кажется, что очень сложно. Как правило, они открывают классические учебники по теории музыки и думают — «Зачем мне это все нужно, что это такое и как я могу применить на практике?»

У нас много учебников по теории музыки. Многим из них уже по 50 лет. При этом они не теряют своей актуальности потому что они рассчитаны на классическую школу.

То, что мы изучаем сейчас, у нас даже нет такого количества жанров, как в классической музыке. У нас нет чего-то глобального сейчас. Мы не пишем оперы, симфонии и так далее.

Поэтому теория музыки — это основная база, которую еще никто не отменял. Там все очень грамотно написано и систематизировано.

Но если вы занимаетесь современной музыкой, вам все же придется изучить эту базу и начать двигаться дальше.

Почему важно знать музыкальную теорию

Музыкальную теорию нужно обязательно знать всем, кто занимается музыкой. И не важно, вокалисты, гитаристы или барабанщики! Все, кто играет на каких-то инструментах, поет, сочиняет песни обязательно нужно знать основную базу.

К сожалению, очень часто можно слышать от многих музыкантов, что они снимают партии на слух. Поэтому им не нужно знать ноты, интервалы и тому подобное.

Попадаются и барабанщики, которые играют уже более пяти лет и за все это время не выучили нот. Мало того, что не выучили, так они даже и не собираются этого делать. Они считают, что это вовсе не обязательно.

Но это обязательно! И не важно для кого. Теория музыки для чайников или для профи. Все равно, ее нужно знать и постоянно освежать в своей памяти.

В классическом исполнении нотный материал называют нотным текстом. Слово «текст» стоит тут не случайно. Ведь по сути нотный текст- это тоже самое, что книги, учебники с обычным печатным текстом. И чтение с листа называют потому что это действительно, очень похоже на простое чтение.

Когда ты знаешь ноты и умеешь играть, фактически, это становится очень легко. Ты можешь даже, не проигрывая услышать то, что написано.

С учетом того, что ноты называют текстом, представьте, что вы учитесь в общеобразовательной школе и не умеете читать. То есть, не знаете букв.

Бесспорно, вы сможете чему-то научиться. Например, посмотреть различные обучающие видео. Но читать вы все равно не умеете.

И многому вы все равно не научитесь, пока не сможете нормально читать. Ведь в таком случае большой пласт человеческих знаний для вас просто будет не доступен.

Тоже самое относится и к музыке. Особенно когда вы не знаете теории хотя бы каких-то элементарных вещей. Здесь будет абсолютно тоже самое, что и в вышеприведенном примере.

Что важно в теории музыки для начинающих и профи

Теперь я скажу то, что нужно знать в теории музыки для начинающих и профи. Тем, кто занимается вокалом, играет на музыкальных инструментах и тем, кто пишет музыку. Очень часто спрашивают — «А что мне нужно знать, что почитать и так далее?»

Давайте начнем с вокалиста.

Я выше говорил, что знание нот — это грубо говоря, знание букв. Но вы должны понимать, что знать только буквы для вас будет недостаточно. Нужно научиться эти буквы складывать в слоги, после чего складывать в слова. Только тогда у вас будет полноценная картина.

После того, как вы будете знать музыкальную нотацию, вы должны переходить к изучению интервалов. Для вокалистов это самое главное!

Ясно же, что вы как вокалист, не будете петь аккордами и так далее. Поэтому стадию интервалов вы должны овладеть в совершенстве.

Знаете, люди, которые поют и не знают интервалов (например, не могут прописать себе бэк-вокал) будут всегда идти в слепую. Это все равно, что плыть в океане без карты и компаса.

В общем, интервалы очень важны! В них сразу проигрываем, поем.

Помимо гармонической составляющей (то что мы подразумеваем высотой звука, ноты), в музыке есть вторая очень важная ветка. Это временная составляющая. Это то, что называют длительностями.

В разные времена были больше тенденции. Например, где-то в гармонической составляющей в эпоху романтизма появлялись новые гармонии. Очень часто экспериментировали в этом направлении.

Сейчас такое время, когда в современной музыке очень важна ритмическая составляющая.

Самый элементарный пример, это когда придумали брейкдаун на нулях. Многие считают, что это приметив. Но на самом деле это гениально потому что никто не придумал ничего нового!

Наоборот, убрали лишнее и из средств остался только ритм. Там гармонии нет. Там фактически, только одна нота. Там остается только одно измерение и это ритм.

На самом деле это тоже очень важно и им нужно владеть в совершенстве. И вокалистом это нужно это понимать. Ведь они тоже поют под метроном (чаще всего записываются).

Для инструменталистов это еще важнее. А для барабанщиков это совсем супер важно потому что у них фактически, есть условная высота ноты.

Естественно, у барабанов есть высота звука. Они все отличаются по звуку и так далее. Но в целом, минимум гармонических средств у барабанщика, но при этом больше ритмических.

Теория музыки для композитора

Теперь поговорим про теорию музыки для композитора. Очень часто спрашивают о том, что мне нужно знать, чтобы начать писать музыку. Как, с чего начинать и так далее.

Давайте опять вернемся к музыкальной теории для чайников. Представим, что вы не просто ее знаете, а можете свободно применять.

В таком случае вы в полном объеме овладеваете игрой на инструменте. То есть вы сможете сразу свободно что-нибудь сыграть.

Для этого вам не нужно будет репетировать, долго сидеть и настраиваться. То есть вы играете уже совершенно свободно.

Тоже самое в плане теоретических знаний и применения, это касается и композитора. То есть как минимум, он должен уметь свободно сыграть цепочку аккордов. Только в таком случае у него появится нормальный инструмент для написания музыки.

После того, когда вы изучите теорию музыки в таком достаточном объеме, нужно сделать следующее. Если вы хотите написать свою песню, то открываете какой-нибудь понравившейся пример и затем анализируете его.

Например, проанализировать форму самой песни (куплет, припев). То есть вы сначала разбираете ее на составляющие и создаете некую форму. После этого анализируете сколько квадратов. Классически, припев идет четыре квадрата. Это четыре музыкальные фразы или четыре строчки текста.

Вот все это вы анализируете более подробно. Например, где-то там есть переходы, где-то может быть модуляция и так далее. В итоге вы уже запасаетесь такими инструментами, из которых потом будете лепить свою песню.

После этого анализируйте гармонию.

Ведь есть много шедевров, в которых два аккорда и две ноты на вокале. Но в итоге выглядит все это гениально. Вот в этом и заключается композиторское мастерство.

Чего не хватает тем, кто пишет музыку?

В принципе, не сложно придумать вокальную мелодию. Но чтобы это звучало, должна быть так называемая аранжировка. А это как раз-таки большой набор средств, которые можно грамотно применять.

Конечно же, сегодня нужно обладать своим музыкальным вкусом и талантом. Ведь композиторство — это творческий процесс. К нему можно подойти только с умом и фантазией.

В современной музыке в отличие от классической нет никаких рамок. Фактически, вы можете делать все что душе угодно.

Но в тоже время вы должны понимать, что многие хотят что-то придумать такое, чего еще не было. Например, я сделаю так, как не надо делать потому что до этого еще никто не делал. И тем самым придумаю что-то новое.

Скажу, что вы так ничего нового не придумаете!

До вас так не делали не потому что они до этого не додумались, а потому что это просто не звучит. Поэтому старайтесь получать знания, применять их грамотно и слушать много разной музыки.

Напоследок перед изучением

Теперь вы знаете, что такое теория музыки и почему она так важна для всех, кто занимается таким искусством.

Возможно вы недавно начали работать в музыкальных редакторах и теперь хотите побольше узнать о том, как организованна музыка.

Может быть вы звукорежиссер и много лет занимаетесь записью и микшированием звука. А теперь хотите повысить свою музыкальную грамотность.

А может вы композитор и хотите разнообразить свои аранжировки. Может вы хотите научиться читать и писать партитуру. Или же просто хотите освежить в памяти материал, который проходили в музыкальной школе.

Вне зависимости от вышеперечисленного, для вас мы рассмотрим все азы музыкальной теории от А до Я. Ниже идут бесплатные уроки в виде статей. Они дадут вам ту необходимую базу знаний, который должен владеть каждый.

Сказать спасибо кнопками ниже:

 

muzrock.com

Обучение созданию музыки быстрый способ. Инструкция начинающим

Дата: 11.06.2018 11:11 | Автор: Павел Уоллен | Категория: Интересное

Как быстрее научиться создавать музыку, если ты полный 0. Правильная стратегия в обучении.

Привет, это снова проект FL Studio PRO и Павел Уоллен. Сегодня я долго думал над темой для нового видео и понял, что я часто забываю про важную частицу своей аудитории и это самые начинающие и как им трудно по началу, находиться в неведении с чего вообще начать и не видеть даже четкую карту маршрута от полного 0 до настоящего артиста, который зажигает сердца музыкой…

Поэтому сейчас очень важная, для кого-то необычная, максимально открытая информация о том, по каким областям и самое важное в каком порядке и какое внимание уделять каждой, необходимо пройти человеку, который хочет достичь высот в музыкальном продакшене (и здесь не важен жанр), эта карта будет универсальной.

И пусть это так же будет Вашей ментальной картой на будущее, чтобы время от времени даже когда у вас все идет хорошо в обучении, и вы растете, вы смогли проверить и скорректировать свой путь.

Всего есть семь сфер музыкального продакшена, в которых вам нужно впитать крепко хотя бы основы и все они будут трудными в познании, ну может быть за исключением первой, и при чем 2 из 7 опциональные, то есть вы можете в этом и не разбираться и это нормально, но лучше если вы разбираетесь в этом.

Вот, как и куда Вам важно двигаться:

Как научиться создавать музыку не теряя времени:

  • 1) Немного физики звука, как нужной основы

Вы будите работать со звуком и как крепкий блок фундамента, поверьте мне очень важно понимать простейшую физику некоторых параметров у звука. У звука есть громкость, так как мы живем в стерео эпоху, есть панорама, и третий наиболее важный параметр звука – это высота тона (и это есть Pitch).

Как закрыть базовые вещи здесь: просто посмотреть одно или несколько видео по теории звука или физики звука, и эта область наиболее простая для понимания и многими осознаваемая еще со школьной программы.

  • 2) Как работать в вашем секвенсоре.

Сюда входит логика вашего секвенсора, эффективное обращение и ориентация в нем и умение пользоваться основными его инструментами и конечно хоть какими-то плагинами.

Как понять ваш секвенсор и его возможности хотя бы на 50% — либо смотреть кусочные обучалки на YouTube, либо пройти полноценный видеокурс или тренинг – это будет намного полезнее и закроет эту проблему – если вы ее будете постоянно практиковать, а не просто отложите после изучения. Такой курс имеется и у нас в арсенале, если будет интересно. С ним можно ознакоиться ЗДЕСЬ

  • 3) Гармония и ритмика

Здесь начинается очень ответственная область и обязательная в полном осознании ее основ. Здесь начинающий знакомится с фактом что НЕ каждый рисунок, написанный им в Piano Roll может считаться мелодичным и приятным в музыкальном смысле. Что есть оказывается лады и тональности и все крутить вокруг них в создании идей и мелодий. И что ритмика и умение делать ее интересной в некоторых моментах может усилить восприятие вашей идеи.

Здесь совет строгое видео-обучение (уроки или курсы) с моментальной практикой в Piano roll или на Midi клавиатуре и у Вас обязательно будет такой щелкающий момент, осознание которого все-таки сколько-то да продлиться после щелчка «Ах вот оно как работает с этими всеми нотами». После самых и практически достаточных для танцевальной музыки основ на протяжении нескольких лет вы все тика будите пополнять свои знания более углубленными фишками в гармонии и даже ритмике.

Здесь же возможно ваше первое приобретение в виде MIDI клавиатуры или DrumPad так как такие вещи очень облегчают создание музыки и естественное обучение навыку гармонии и ритмики.

  • 4) Аранжировка

Как, зная все уже пройденное, создать из инструментов и семплов ударных музыку и композицию?

Вот мы и подошли к самому трудному и как только вы поймете основы аранжировки любого жанра (кстати по жанрам основы немного отличаются так скажем в оттенках) вы поймете, что каждый месяц-три месяца, если вы продолжаете писать музыку – вы узнаете все больше, и вот этот процесс с опытом вроде бы замедляется в этом узнавании нового, но в реальности – навыку аранжировки мы учимся всю свою жизнь и нельзя этому полностью овладеть и сдать гуру.

Ни один музыкант даже самый опытный ни черта не знает что пойдет в следующей части композиции, если он зарисовал первую, даже Hans Zimmer высказался, я понятия не имею как начать и продолжить идею, я просто сажусь и пробую писать.

Единственный способ стать лучше в аранжировке – это больше писать музыки, но есть и очень полезный буст, который ускорит многократно такое практичное обучение, это анализ композиций, которые вам нравятся в схожем с вами жанре, детальный анализ всего что происходит с инструментами (гармонически, ритмически и тембрально) и применение подобного у себя, набрав достаточно опыта, вы смелее сможете экспериментировать и вводить свои правила и фишки в аранжировку. 

Помните, что эту область музыкального продакшена мы изучаем всю нашу жизнь как артисты.

Здесь вы также столкнетесь с тем, что есть куча плагинов, синтезаторов, которые так или иначе бают звуки, которые больше коррелируют с вашим жанром и вообще нравятся вам больше, желательно ознакомиться с лидерами на этом рынке (я сделал видео с таким топом, оно будет здесь в подсказке, но лучше досмотреть это видео до конца и перейти позже)

Так же скорее всего с более сложными аранжировками вы придете к тому что Вам покажется мало ресурсов вашего ПК и потребуется достойное обновление процессора, а может быть и всего железа. Музыка конечно же, как и любое хобби требует вложений.

  • 5) Сведение и обработка

Создавая музыку и внедряя различные инструменты в аранжировку все в конце концов сталкиваются с тем, что звучит что-то не так чисто, что-то не так плотно, звучание конкретно так отличается от того, что мы слышим от наших кумиров.

В картину входит сведение и обработка инструментов для достижения разборчивого, объемного и плотного потока звука вашей композиции. И делается это по большей части с помощью базового функционала микшера (фейдеры громкости и панорамы) и плагинов обработки (что может включать в себя эквалайзеры, компрессоры, эффекты пространственной обработки и еще много каких плагинов) и все ради одной цели обработки одного или нескольких инструментов чтобы он дал всему миксу то что от него требуется. Конечный итог здесь, конечно ясность и плотность общего потока звука.

Я бы сравнил эту область в познании с аранжировкой, хотя я всегда советую больше стараться и гнаться за аранжировкой, так как более удачный подбор инструментов может избавить Вас от кучи ненужных манипуляций в сведении.

Но сведение сложно в своем освоении, только из-за кол-ва уникальных ситуаций и возможных проблем в миксе. Даже по изучению основ и разрешению основных конфликтов в звуке вы все так же будете еще долго узнавать много нового в этой области от людей кто опытнее вас, например. Здесь конечно же видео обучение, но с чутким слуховым анализом и развитием звукорежиссерского слуха на распознание тонких отличий в звуке.

На этом этапе, а кто-то чуть ранее столкнется с необходимостью достойного оборудования в виде звуковой карты, мониторных наушников, либо студийных мониторов и хоть какой-то отделке помещения для этих мониторов.

  • 6) Мастеринг (опционально)

Этот процесс отличается от сведения тем, что, во-первых, это обработка исключительно сведенного общего потока аудио вашей композиции, делается это на соответствующей мастер шине на микшере, так же плагинами обработки, которые похожи по типам на те, что мы используем при сведении, только манипуляции на них уже будут максимально детальными и аккуратными, так как главная цель мастеринга – это придание композиции желаемого формата и необходимой сегодня громкости, так же выявление его недостатков, устранение их, + нахождение тех характеристик которые мы можем сделать лучше.

У каждого свое мнения, но именно профессиональный мастеринг, как я считаю, не может делать каждый, так как необходимое оборудование в виде не дешевых мониторов и подготовленной мониторной комнаты для них, чтобы слышать действительные детали.

Этот процесс опционален в освоении, так как если вы желаете издаваться на лейбле, то на многих лейблах за вас это сделает там свой мастеринг инженер и подгонит ваш трек под формат лейбла. Ваша цель соответственно просто качественно свести.

Другой момент можно делать предварительный домашний мастеринг если это необходимо, просто совершая коррективы в частотном спектре композиции и сделав максимизацию до стандартов RMS вашего жанра.

Есть мнение, что лучше плотнее и чище сводить, чем исправлять многое на мастере, и оно с одной стороны имеет место быть.

  • 7) Музыкальный маркетинг и промоушн.

Умение распространить ваши композиции как подводящая все вышесказанное ступень в деятельности музыканта.

Не совсем, но частично опциональный шаг, не важно по какому пути вы пойдете лейбл или самопродвижение, вам нужно чтобы вас услышали, либо серьезные лейблы и потом слушатели, либо сразу ваша аудитория слушателей. Здесь самое главное сегодня это вести свои соц. сети, и писать-писать уникальную музыку в своем стиле, так как нигде кроме как в сети в интернет вас не заметят и вас заметят только если вы будете уникальными.

Учится этому нужно, но понимайте, что сначала нужно освоить все выше сказанное, музыка и контент это главное и первостепенное, детали маркетинга будут позже намного позже, просто что нужно сделать сейчас это создать и оформить свои социальные сети и постоянно пополнять их работами, не чего страшного, что они еще «не очень», критика сделает вас лучше, а лучше это всегда лучше!

А я желаю вам всего самого классного – увидимся в следующих видео!


Вам так же очень понравится:

Понравился пост? Буду рад Вашей маленькой поддержки в виде Like и поделиться!)

Получай новые видеоуроки моего блога, прямо на свой эл. ящик! Рекомендую посмотреть!

Комментарии


fl-studiopro.ru

Как научиться писать электронную музыку 🚩 как научиться сочинять музыку 🚩 Музыка

Подумайте о том, какую музыку вы планируете создавать. Существуют различные стили электронной музыки, например, хаус, техно, транс,
электро и т.д. Изучите как можно больше информации об интересующем вас музыкальном стиле, каковы текущие тенденции в нем, узнайте, как должны правильно звучать такие дорожки. Для этого достаточно внимательно прослушать несколько композиций и попытаться разложить их на составляющие. Кроме того, некоторые музыканты имеют собственные видеоканалы, на которых демонстрируют процесс написания треков.

Заручитесь необходимым оборудованием. Для создания качественной композиции необязательно нужна большая студия звукозаписи, достаточно будет и относительно мощного домашнего компьютера. По желанию приобретите качественный синтезатор и звуковую систему, которая бы не искажала звук и передавала все его оттенки.

Выберите подходящее программное обеспечение. Начинающим музыкантам можно посоветовать приобрести простую в обращении программу Fruity Loops Studio, в которой есть все необходимые средства для создания качественных композиций в любом стиле. Кроме того, в интернете имеется множество сайтов, посвященных работе именно с секвенсором Fruity Loops Studio.

Создайте основную композицию трека, воспользовавшись специальными плагинами программы (электронными инструментами). Плагины, встроенные в секвенсор, позволяют создавать любые типичные составляющие композиции в электронном стиле: кики, снэры, клэпы и т.д. Используя меню Add Chanels, заполните основное поле программы теми инструментами, которые вы будете применять в ходе производства трека.

Готовые звуковые отрезки, созданные с помощью плагинов, называют семплами. Их можно изготавливать как самостоятельно, так и загружать сделанные сторонними музыкантами библиотеки звуков из интернета. Каждый из семплов размещается в виде кирпичиков на специальном поле в правой части программы. Вы можете сами задавать им нужную последовательность, построив таким образом целую композицию.

Добавьте необходимые эффекты с помощью панели мастеринга. Вы можете «повесить» несколько звуковых эффектов на каждый из созданных заранее лупов или же сразу на весь трек. Если вы не хотите долго размышлять и подбирать их, можете воспользоваться специальным решением под названием Soungoodizer, которое автоматически задает подходящий для трека мастеринг. Но в любом случае стоит все же настроить компрессинг – важный аудиоэффект, который задает ровное звучание всей композиции. Специальная функция Side Chain позволит настроить резкость и громкость всех отдельно взятых лупов. Также обратите внимание на инструмент Reverb, добавляющий глубины, и на инструмент EQUO, задающий подходящие звуковые частоты. Настроив необходимые параметры, проиграйте трек с самого начала и определите, насколько качественно он звучит.

Каждый, кто любит и ценит музыку, мечтает когда-нибудь внести в нее свой вклад. И очень важно, чтобы этот вклад был на самом деле ценным. Тем не менее написать хорошую песню не так уж сложно, как может показаться на первый взгляд.

Вам понадобится

  • блокнот (тетрадь),
  • ручка,
  • музыкальные записи,
  • сборники стихов,
  • музыкальный инструмент,
  • диктофон

Инструкция

Для начала определитесь, в каком музыкальном стиле вы бы хотели написать песню. Послушайте несколько композиций на выбранный стиль. Выберите интересующую вас тематику. К примеру, тему любви, тему дороги. В зависимости от темы песни необходимо побывать в месте, с которым у вас ассоциируется с будущей композицией, или же создать соответствующие условия. Это вполне может вдохновить вас на создание песни. Так вы можете побывать в деревне, прогуляться поздним вечером по улицам города, съездить на экскурсию по историческим местам. Читайте побольше стихотворений. Это развивает чувство ритма и рифмы. Авторов для прочтения желательно брать отечественных. Кроме того, вы можете создать песню, взяв за основу какое-либо стихотворение русского классика.

Сходите на концерт исполнителей, которые работают в выбранном вами музыкальном стиле. Лучше на несколько концертов.

Выберите и запомните какой-нибудь музыкальный мотив и периодически напевайте себе под нос. Это создаст нужный ритм вашей песни.

Купите красивую тетрадь (блокнот), в котором вам доставит удовольствие написать свою новую песню.

Под выбранный мотив старайтесь напевать красивые на ваш взгляд слова, постепенно они сами сложатся в песню.

Главный смысл песни постарайтесь вкладывать в часто повторяющиеся строки. Это сделает ее более глубокой и философской, а также поможет быстрее донести вашу идею до слушателя. Если же вы хотите написать простую и легкую песню, обращайте внимание на самые простые и примитивные рифмы.

Написанную песню положите на музыку. Пару раз проиграйте и пропойте песню, после чего запишите ее на диктофон и прослушайте. Если песня вам понравилась, совершенствуйте ее звучание. Если нет – редактируйте.

Не забывайте, что всегда можно спросить совета у кого-нибудь из знакомых поэтов, бардов, меломанов. Они подскажут, что и как нужно доработать.

Не обижайтесь на критику. Тот, кто критикует, наверняка просто вам завидует!

Источники:

  • Как написать песню? Пошаговая инструкция.

Электронная музыка сегодня так же популярна, как акустическая, а творчество ди-джеев, которые создают оригинальные миксы из самых разных треков и музыкальных композиций, смело можно назвать искусством. Научиться красиво микшировать музыку не так просто, но нет ничего невозможного – и в первую очередь, вам стоит понять, из чего состоит правильное сведение музыкальных треков, как правильно смикшировать их, чтобы получить стройную и гармоничную композицию и наконец, чем отличается сведение треков в разных стилях.

Инструкция

Структура треков и ритмический рисунок в разных стилях электронной музыки отличаются друг от друга – например, в музыке в стиле house всегда присутствует четкий и ровный басовый ритм, а в музыке drum’n’bass ритмы более сложные и нестабильные, ломаные и если вы сводите трек в таком стиле, необходимо ориентироваться не на сильную басовую долю ритма, а на вторую высокую долю. Для грамотного микса нужно сводить треки бит в бит, установив на первый удар маркер CUE. Внимательно прислушивайтесь к играющему в наушниках треку, а в момент начала нового квадрата запускайте трек так, чтобы это начало совпало с новым квадратом второго трека. Подгоняйте треки по скорости друг к другу, чтобы на каждый удар в мониторе приходился один удар в наушниках. Выводите второй трек на всеобщее звучание плавно, срезайте лишние частоты, которые помешают гармоничному звучанию, регулируйте громкость, а затем, когда второй трек отыграет, в конце квадрата плавно сведите его на нет.

Не забывайте правильно подгонять треки по скорости друг к другу – от этого зависит, будет ли готовая композиция органичной и красивой или же она будет неупорядоченной и «мусорной». Подбирайте для сведения только качественный музыкальный материал – только в этом случае вы сможете получить качественный результат.

Тренируйтесь микшировать музыку на хорошем компьютере с мощной звуковой картой и качественными мониторами. Для микширования используйте профессиональные программы с компрессорами и эквалайзерами.

Кроме того, важно в процессе сведения держать в голове итог, которого вы хотите достичь – наверняка вам хочется создать в треке определенную атмосферу, настроение, добиться его соответствия некоему музыкальному формату.

После сведения треков обязательно проводите финальный мастеринг, выравнивая частоты, чтобы музыка звучала чисто и многогранно, а различные инструментальные и вокальные партии не заглушали друг друга.

Уберите из трека лишние шумы, работайте с частотами, разводите разные партии по панораме, чтобы музыка звучала объемнее. Хорошо смикшированный трек звучит чисто и цельно.

Видео по теме

Источники:

  • микширование музыки

Мощности современных персональных компьютеров и технологии обработки мультимедийных данных позволяют любому желающему в полной мере удовлетворять свои потребности в творчестве. Так, почти или совсем не имея специальных навыков, установив соответствующее программное обеспечение, можно заниматься звуковым или видеомонтажом дома. Например, можно ощутить себя звукорежиссером, если просто смешать музыку в звуковом редакторе.

Вам понадобится

  • — звуковой редактор Sound Forge Pro.

Инструкция

Откройте файлы, содержащие смешиваемую музыку, в редакторе Sound Forge. Для этого последовательно кликните на пунктах File и Open в главном меню либо воспользуйтесь клавиатурными сокращениями Ctrl+Alt+F2 или Ctrl+O. В отобразившемся за тем диалоге перейдите к каталогу, в котором хранится один из открываемых файлов, выберите его в списке и нажмите кнопку «Открыть». Дождитесь окончания загрузки данных. Проделайте аналогичные действия по отношению к другому файлу.

Выделите содержимое или фрагмент содержимого одного из открытых музыкальных файлов. Данный фрагмент будет смешан с другой музыкой. Если необходимо выделить всю запись, просто нажмите Ctrl+5 либо выберите в меню пункты Edit и Select All. Если нужно выделить фрагмент, проделайте следующие действия.Переключитесь в нужное окно документа Sound Forge. Измените масштаб отображения гистограммы уровня звука так, чтобы иметь возможность удобно помечать фрагменты записи. Для этого нажимайте кнопки + и -, которые расположены слева от нижней полосы прокрутки.Прослушайте запись, включив воспроизведение при помощи кнопки Play Normal. Запомните примерное место начала и окончания нужного фрагмента музыки на гистограмме. Остановите прослушивание кнопкой Stop или клавишей пробела.Выделите мышью нужный фрагмент гистограммы. Скорректируйте область выделения, прослушивая ее содержимое с помощью кнопки Play Normal и используя пункты раздела Edit->Selection главного меню.

Поместите выделенный музыкальный фрагмент в буфер обмена. Выберите в главном меню пункт Edit и Copy либо воспользуйтесь клавиатурным акселератором Ctrl+C.

Выберите позицию начала смешивания в целевом музыкальном файле. Переключитесь в другое окно документа Sound Forge. Выберите приемлемый масштаб отображения гистограммы уровня звука. Прослушайте содержимое файла при помощи кнопки Play Normal. Прервите прослушивание в месте, начиная с которого нужно наложить другую музыку.

Смешайте музыку. Нажмите Ctrl+M либо воспользуйтесь пунктами меню Edit -> Paste -> Special -> «Mix…». Отобразится диалог Mix/Replace. Выберите в нем предпочитаемые параметры смешивания. Нажмите кнопку OK.

Сохраните результат смешивания в файл. Выберите в меню пункты File и «Save As… «. При необходимости выберите формат сохранения и степень сжатия звука. Задайте имя файла. Нажмите кнопку «Сохранить».

Видео по теме

Создание музыки – процесс творческий, в котором задействовано много людей. Композитор дает жизнь мелодии, аранжировщик придает этой мелодии выразительность, музыканты озвучивают, а солист ведет мелодию. Но можно объединить всех этих людей в одном лице благодаря компьютерным программам для обработки и создания музыки.

Инструкция

1. Интернет предлагает много программ для создания музыки — как платных, так и бесплатных; как простых, так и довольно сложных. Начните с несложных программ для начинающих, с простым интерфейсом, но отнюдь не примитивным содержанием. Вы получите огромное удовольствие, работая в них, и желание развиваться в вас будет только расти. Вот некоторые из них: http://cjcity.ru/soft/90-1.html, http://www.promixing.ru/programmi/1-sekvensors/103-fl-studio-10-new.html. А если вы решили стать диджеем, то для начала вам сюда: http://www.warmplace.ru/soft/pixitracker/. Бесплатные программы, в отличие от платных, не содержат описания. Если у вас уже богатый опыт работы со звуком, это не будет проблемой. Но если вы только входите в мир создания компьютерной музыки, при самостоятельной работе могут возникнуть проблемы. В этом случае изучите сначала способы работы с помощью видеоуроков или в текстовом варианте для начинающих. Ссылки на них здесь: http://www.zwook.ru/content/view/fl_studio_for_beginners, http://musicworker.ru/lessons/sozdanie_muziki_na_reaper_1/.

Программы, которые вы редко найдете в бесплатном распространении, скачивайте в сокращенном варианте. Это может быть либо демо-версия, в которой вы сможете поработать только определенный промежуток времени, как например, Cakewalk Sonar: http://www.sonarmusic.ru/index.php/2-uncategorised.html; либо бесплатная версия, у которой будут отсутствовать какие-то функции полноценной программы, как MuLab 4.1.8: http://www.bestfree.ru/soft/media/making-music.php. Цель такого выпуска программы для бесплатного скачивания ясна: поработав в программе и оценив ее возможности, вы оплатите ее в полном варианте.

Выбирайте на сайтах, предлагающих софт, любые аудиоредакторы для разрезания и соединения музыкальных фрагментов, различных эффектов, конвертирования записи, накладывания звука. Их очень много. Например, на этом сайте: http://www.softoban.com/software/459/.

Найдите специальные программы, если вам необходима их узкая направленность. Необходимо выправить интонационную чистоту вокала или инструмента – выбирайте Antares Auto-Tune, нужно создать микс – подойдет Virtual DJ; решили поработать над музыкой с виртуальными инструментами – прекрасно справитесь, имея Sample Logic Synergy; необходима оркестровая аранжировка – дерзайте с ProjectSAM Symphobia; вы профессионал и вам требуется студия – работайте в Cubase 5.

www.kakprosto.ru

Создание музыки. Основы


С чего начать создание музыкальной композиции?
Ответ на этот вопрос можно искать годами, так как музыка — это та сфера, в которой невозможно достичь совершенства. Создание музыки — сложный процесс, который не может происходить пошагово. Это комбинация из вдохновения, расчета, проб и ошибок. Но все же есть общие закономерности, применяемые практически каждым композитором в его работе.

Характер — главное в музыке
Прежде всего, необходимо определиться и понять, что именно нужно выразить в этой музыке, какое настроение должно в ней преобладать. И понимать это надо не только в абстрактной форме, но и в таких условностях, как стиль произведения и его темп. Эти две составляющие помогут создать самое главное — характер. Характер композиции зависит и от многих других составляющих. Это ритм, гармония, инструментовка и различные эффекты. При создании музыки на электронных устройствах есть возможность пробовать, экспериментировать, соединять разные музыкальные фрагменты и т. п. Это позволяет выверять степень воздействия от каждого музыкального фрагмента.

Основа
Ритм — это скелет любого произведения, особенно если говорить о современной музыке. Кстати, ритм зародился задолго до возникновения первых музыкальных звуков: в древнейшие времена играли на барабанах. На нем будет держаться вся композиция, и без хорошо продуманного ритмического рисунка будет чего-то не хватать, музыка будет звучать тухло и неинтересно. Большое значение имеет инструментовка. Какие инструменты будут лидирующими? Будет ли вокал? Если ритм повторяется на протяжении всей композиции, то солирующий инструмент станет отличным «разбавлением». Он создаст эффект «движения», музыка будет намного более интересной. Часто лидирующим инструментом бывает соло-гитара, синтезатор, но им может быть и любой другой инструмент. Не менее важная деталь — басовая линия. Она оказывает большое воздействие на слушателя, поддерживает ритм. Не стоит забывать и об эффектах, способных в корне изменить звучание композиции. Будут ли это инструменты-призраки, или это будет перкуссия — не важно. Такие «приправы» дают композиции мощный потенциал, так как при повторном их прослушивании ухо будет улавливать все новые и новые оттенки звучания.

С чего начать?
Создав в своем воображении приблизительные очертания характера будущего произведения, следует приступить к более официальной части: необходимо продумать форму композиции. Такая определенность поможет более эффектно использовать «музыкальное» время. Конечно, этот пункт больше понятен профессионалам, но и любитель может обозначить границы формы, тем самым делая почин созданию настоящего произведения. Например, можно продумать наличие нескольких куплетов, повторяющихся фрагментов, связок между ними и т. д. Музыки не может быть без формы, так как именно она дает произведению ощущение законченности, выразительность и яркость.

На самом деле, единого способа создания композиции, которым бы пользовался каждый композитор, нет. Есть приемы, знание которых помогает создавать музыку, но нет исчерпывающей инструкции к их применению.

Что сделает композицию интереснее?
Можно использовать некоторые схемы, которые разнообразят музыку и сделают ее более интересной.
Морфинг — тема проводится у двух инструментов, один из которых солирует, а второй «вторит» первому. Самое интересное происходит в тот момент, когда один инструмент «перетекает» в другой путем убавления у первого инструмента громкости и прибавления ее у второго. Можно обойтись и без такого эффекта, остановившись на поочередном исполнении партии разными инструментами. Такой прием называется переплетением. В драматургии любого музыкального построения важную роль играет пауза. Резко оборвав музыку, можно вызвать у слушателя необычные эмоции и новые ощущения. Важно тщательно продумать длительность паузы, ведь стоит ее передержать или сделать немного короче, и воздействие будет уже не то. Чтобы вся композиция не оказалась монотонной, разнообразьте ее небольшим отступлением. Дайте музыке новое дыхание, а потом снова вернитесь к истокам своего сочинения.

Известный прием — использование реминисценций. Неявное цитирование отдельных элементов из популярных сочинений окажет положительное влияние на восприятие создаваемой композиции. Начать композицию можно с главной темы (вокальной или инструментальной, в зависимости от задумки автора). Особенно это касается кантиленных сочинений. Такое начало позволит слушателю услышать главный материал без инструментального сопровождения. Больше такого не повторится на протяжении всей композиции. Затем добавляется инструментальная поддержка, но воздействие на слушателя будет гораздо сильнее, чем без сольного начала. Подойти к кульминации поможет поступенное движение партии вверх или вниз. Звучание станет намного более объемным, если наложить несколько текстур. Например, несколько скрипок или несколько синтезаторов.

Музыка — это уникальное воплощение идей, мысли, любого человеческого чувства на невербальном языке. Она заставляет человека верить и существовать, стремиться и подчиняться. В музыке должен воплощаться замысел. Ее намного легче создавать после того, как автор поймет, что он хочет сказать в своем сочинении. Мощь в изложении, управление эффектами и тембрами, разнообразие и комбинация гармоний — все это составляющие одного большого пазла, который и должен собрать композитор. Результат — великолепная картина звуков.

sample-master.ru

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *