Как правильно искусство: Искусство или искуство

Содержание

Как правильно пишется слово «искусство»

Правильно пишется: искусство

В этом существительном часто путают размещение удвоенной согласной «с». Неверное написание: «искуство», «исскуство». Верное: искусство. Данное слово относится к словарным, и для правильного написания можно обратиться к орфографическому словарю, а ещё лучше просто запомнить его. А сделать это достаточно легко:

В первом случае пишется одна буква «с», а во втором пишется две.

Значение слова «искусство»

Слово «искусство» имеет несколько значений. Ещё с давних пор мастеров называли искусниками. Но искусство — не есть ремесло, оно подразумевает создание чего-то нового, не похожего на другое. Правда долгое время у славян это слово относилось к почти любой специальности работы человека.

Самое известное понятие искусства — это художественная деятельность, которая выражает чувства и мысли людей в символической форме. Оно включает в себя музыку, литературу, архитектуру, живопись, балет, театр и кино.

Также искусство может обозначать систему навыков осуществления какой-либо практической деятельности (военное искусство, ораторское искусство).

Происхождение слова «искусство»

Старославянское слово «искус» имеет значение «опыт» или «попытка». Со временем с помощью суффикса «-ств» было образовано «искусство». «Искус» и «искусство» – родственные слова, так же, как слова «покушение», «вкус», «кушать», «вкусить».

Морфологические и синтаксические свойства

Ис-кус-ство

Неодушевлённое существительное, средний род, 2-е склонение.
Корень: -искус-; суффикс:-ств; окончание: -о.

Примеры предложений со словом «искусство»

Стилей и направлений в изобразительном искусстве великое множество, а к самым популярным относятся: Готика, Возрождение, Классицизм, Сентиментализм, Импрессионизм, Сюрреализм и др.

Искусство правильно и грамотно излагать свои мысли доступно далеко не каждому.

Оригами является одним из видов декоративно-прикладного искусства и уходит своими корнями в Древний Китай.

Искусственные цветы всё больше и больше становятся популярны в домашнем интерьере, ведь их не нужно поливать, а некоторые из них вовсе не отличишь от живых растений.

Воинское искусство спартанцев не имело равных.

«Искусство», «искуство» или «исскуство»: как пишется слово?

На чтение 5 мин Просмотров 3 Опубликовано 26.02.2020

Правописание слова «искусство» нередко вызывает затруднение. В данном слове присутствует удвоенная согласная «с», многие сомневаются, в начале или конце слова следует ее удваивать, встречается также написание вовсе без удвоения. В связи с чем, можно встретить такое написание: «искусство», исскуство» и «искуство».

Как правильно пишется слово?

Существует единственно верное написание слова: «искусство», тогда как все остальные варианты ошибочны.

Слово тесно связано со словом «искусный», которое пишется с одной «с» путем прибавления суффикса «-ств-». Однако в современном русском языке данный суффикс уже не выделяется в отдельную единицу, произошло его сращение с корнем «-искусств-».

Таким образом, наблюдая за тем, как было образовано слово, можно увидеть, чем обоснован выбор удвоенной согласной. Между тем, слово «искусство» относится к разряду словарных слов. Его написание следует запомнить и не допускать ошибок.

Значение слова «искусство»

Понятие «искусство» достаточно емкое и имеет несколько трактовок. Это и особенный способ познания и отражения мира, и форма художественной деятельности, и часть духовной культуры, а также результат творческой деятельности. Таким образом, это процесс и результат художественного труда, а также степень развития личности.

Примеры предложений

Примеры предложений помогут запомнить правильное написание слова «искусство». В качестве примеров можно рассмотреть следующие варианты:

Она посещала лекции по истории искусства.
На выставке собрались видные деятели искусства.
Таким образом, зародился совершенно новый вид искусства.
Те, кто имел склонность к изобразительному искусству, принялись рисовать.
«Покажите ваше искусство», − обратился он ко мне.
Он приложил все свое искусство и старание.

Данные примеры позволят увидеть, что слово может употребляться как в прямом, так и в переносном значении, имеет несколько оттенков, но самое главное, помогут запомнить правописание слова.

Как правильно: «искусственный», «искуственный» или «исскуственный»?

Прилагательное «искусственный» имеет один и тот же корень, что и у слова «искусство», а значит, пишется аналогично. Запомнив, как пишется одно слово, можно писать правильно и другие однокоренные слова.

Не следует путать «искусственный» со словом «искусный». Несмотря на то, что эти слова имеют единое этимологическое происхождение, в настоящее время они не являются однокоренными и отличаются по написанию. «Искусственный» − это словарное слово, его можно найти в орфографическом словаре русского языка, который должен быть у каждого человека, который желает писать грамотно.

«Искусственный» употребляется в значении рукотворный, созданный человеком, наподобие природного. Есть и переносное значение – «притворный, неискренний». Синонимами в данном случае будут: ненатуральный, поддельный, рукотворный.

Примеры предложений

На примере предложений можно не только глубже понять значение слова, но и запомнить его написание:

В парке был разбит искусственный пруд, где плавали прекрасные лебеди.
Он сделал себе искусственные зубы.
Операции по вживлению искусственных органов прошли успешно.
В настоящее время многие современные технологии основаны на искусственном интеллекте.
Каток был покрыт искусственным льдом.
Одежда была сшита из искусственных тканей.
В прошлом веке на космическую орбиту вышел первый искусственный спутник Земли.
Ее слова прозвучали неискренне, а на лице появилась искусственная натянутая улыбка.

Список предложений можно продолжать и далее. При желании можно составить несколько своих предложений, чтобы крепче усвоить, как пишется слово «искусственный».

Ошибочное написание слов «искусство» и «искусственный»

Как было рассмотрено выше, возможен лишь один вариант написания − «искусственный». Тогда как «исскуственный» − неверно написанное слово. Но в данном случае возможны и иные ошибки. Случается, что удвоение «с» происходит дважды: «исскусственный». Это, конечно же, грубая ошибка.

Наличие безударной гласной в корне говорит о том, что при написании возникает выбор между «е» и «и». Редко, кто напишет «ескуственный» или ескусство», но такая ошибка возможна, и на этот факт следует обратить внимание. Проверить написание гласной, поставив ее под ударение, не удастся. Поэтому проверка осуществляется также с помощью словаря.

Еще одна ошибка кроется в суффиксе. В данном случае перед нами суффикс «-енн-», который, по правилам русского языка, пишется с удвоенной «н», в отличие от суффикса «-ин-», который пишется с одной буквой «н». Таким образом, недопустимо написание: «искуственый», «искуствиный» или «искуствинный».

Таким образом, были рассмотрены все варианты ошибочного написания слов «искусственный» и «искусство» и выявлены правильные способы, которые следует хорошо запомнить, чтобы писать грамотно и без ошибок.

Как правильно пишется слово «искусство»?

Самые распространенные ошибки допускаются в словах, где есть удвоение согласных. Выражения со словоформой “искусство” среднестатистический человек употребляет в письме редко, а когда наступает такой момент, многие впадают в ступор и задаются вопросом как правильно пишется слово “искусство”.

Как правильно пишется

Правильно писать “искусство” с двумя “c” в средине. Скорее всего, словоформа была образована от прилагательного “искусный” с помощью морфемы –ств- .

Таким же способом появились имена существительные “единство” и “упрямство”. Морфемный разбор по составу слова «искусство» выглядит так: корень искус-, -ств — суффикс, -о — окончание. Однако в современном правописании –ств- уже перешел в состав основы и отдельно не выделяется. Зная этимологическое происхождение слова, становится понятно, как его написать.

искусство

Какое правило применяем

Существуют четкие правила по написанию двойных согласных:
Если приставка заканчивается, а корень начинается на одну и ту же согласную.
Когда в конце корня и в начале суффикса стоит –с-, происходит удвоение. В том числе это относится и к морфеме –ств-.
Примеры предложений
Предлагаем для закрепления материала, рассмотреть несколько примеров:
1.     Каждый экспонат в Третьяковской галерее — отдельное произведение искусства.

2.     Изобразительно искусство сопровождает нас на всех этапах развития человечества.
3.     Искусство каллиграфии в Китае восходит к глубокой древности.
4. Восточные единоборства не просто спорт, это целое искусство войны.
Неправильно пишется
Самые распространенные ошибки в написании лексемы – в употреблении двойного -с- в ненужном мест или его полное игнорирование.
·        искуство — вышло из употребления. В старославянском слово писалось с одно буквой «с»;
·        исскуство — очевидно, что здесь нет префикса, который бы заканчивался на ту же букву, что и корень, а с суффиксом иная ситуация, поэтому данное написание не верно.
Значение слова
Морфологическое значение — имя существительное среднего рода. Во всех падежах удвоение сохраняется.
Происходит выражение от старославянского “искусь”, что значило “испытание” или “умение”. Впоследствии стало синоним для всех процессов, связанных с творческим началом.

Имеет несколько лексических значений:
Мастерство в определенной сфере.
Выражение чувств с помощью образов.
Процесс, требующий определенного умения высокого уровня.
Интересный факт: в старославянском языке “искусьство” было аналогом латинского “eхperimentum”.
Предлагаем ряд синонимов, которые помогут заменить выражение и обогатят речь: мастерство, творчество, умение, техника, сноровка, навык.
Заключение
Ориентируйтесь на орфографические правила, чтобы понять, как пишется слово “искусство” и подобные ему. Русский язык многогранный и не простой, знание законов письма еще не залог успеха. Заведите привычку иметь под рукой словарь или обращаться к Интернету, если возникают сомнения в правильности написания.
Как правильно начать выступление на публике? Актерские техники в публичных выступлениях.
Публичное выступление это не только сцена или речь перед аудиторией. Мы общаемся с коллегами, друзьями, выступаем с докладами и презентациями, произносим тосты и поздравления, читаем стихи. То, как мы это делаем влияет на нашу жизнь, на карьеру, наш круг общения.
Для многих выступление на публике это испытание и стресс.
Очень трудно себя контролировать, следить за тем, чтобы не использовать слова паразиты, невольно издавать звуки «эээ», «ммм», не дергать руками, не смущаться.
Волнение и страх зажимают голос и сковывают движения. Трудно убрать психологический зажим и неуверенность, быть свободными и естественными, говорить эмоционально и ярко.
Мы полны установок, комплексов, и стереотипов полученных от родителей, воспитателей и учителей. Нами руководит «ум» подчинившей себе наше сознание, наши мысли скачут из прошлого в будущее.
А всё происходит здесь и сейчас.
Вот Я, вот Аудитория!
Я слышу свой голос, чувствую свое тело.
Я присутствую в настоящем.
Публичное выступление— это моноспектакль, и к нему нужно готовиться. Наработать навыки, знать приемы и техники.
Тогда ваше выступление будет достойно!
К. Станиславский называл актерскую профессию «человековедение». Актерские навыки выступающего помогают решать «сверхзадачу» — то, что он хочет донести до аудитории.
Актерская подача материала через голос, тело, эмоции и чувства помогают установить контакт, держать внимание и владеть аудиторией. Впечатление — это то, что остается у зрителей.
В публичном выступлении очень важны живые эмоции.
На сцену выходит человек и через какое-то время, когда в зале гаснет свет и зажигается на сцене, происходит чудо. Ведь это не артист, это человек у которого есть жизненный опыт. И происходящее с ним начинает происходить с тысячами независимых, самостоятельных умов которые сидят в зале. Они синхронно начинают сопереживать и реагировать, смеяться, плакать. Потому-что происходит общение между этими людьми. Поток информации переходит к этим людям и остаётся в них, а они передают его дальше. Вот эта связь через живое общение и живую эмоцию не имеет равных.
Когда мы в голосе воплощаем свои эмоции, рождаются живые жесты, живые интонации, мы уходим от «муравьиного общения», через смайлики, мессенджеры и общаемся при помощи того, что нам дала природа. Неважно, делаем мы это с близкими, со сцены или через видео, этот дар живого общения как никогда нуждается в сохранении.
Я актриса и тренер по ораторскому искусству.
Это значит, что я помогаю выходить в публичное пространство, выстраиваю выступление так, чтобы чувствовать себя естественно.
Моя методика основана на знаниях поведенческой психологии и актерских техниках. Мои ученики говорят, что со мной они чувствуют себя уверенно и легко. Им нравится мой подход к публичным выступлениям, пропущенный через актерские техники. Страх и волнение перестают сковывать экспертность.
На моем онлайн курсе (https://annaglazkova.ru/) вы узнаете и научитесь:
Принимать и использовать свой голос, говорить свободно и эмоционально?
Убирать физические зажимы и двигаться непринужденно?
Без страха раскрывать ваши знания и опыт на публике?
Устанавливать контакт со зрителем?
Держать внимание и владеть аудиторией?
Я помогаю раскрыться через актерские техники, это путь к внутренней свободе, к легкому и естественному общению.
Вы все еще планируете скоро начать, но откладываете, давите в себе позывы действовать?
Вы анализируете, наблюдаете, размышляете?
Посмотрите выступление Бенедикта Камбербэтча, читающего письмо Соло Левита.
«Научитесь говорить хоть иногда «ДА ПОШЛО ОНО ВСЁ»
Нечего ждать!
ДЕЛАЙТЕ!
Начните сегодня!
Анна Глазкова
Заслуженная артистка России
Ссылка на курс https://annaglazkova.ru/
Где и как правильно расположить искусство. | Искусство для интерьера
Искусство — это душа интерьера, лишь с его появлением комнаты оживают. Поэтому желательно расположить искусство во всех комнатах интерьера, включая прихожую, коридор, ванную комнату,

Ванная комната в аппартаментах Элтона Джона. Проект дизайнера Martyn Lawrence- Bullard.

лестничный пролёт

и даже гараж дома.

Автор фотографий в гараже — хозяин дома. Проект дизайнера Татьяны Цивилёвой.

При этом не обязательно вешать картины на стенах, можно разместить их на разных поверхностях мебели — комодах, консолях и шкафах, а также на полках. Для создания объёма и теней можно сделать композицию из работ разного формата, местами перекрывающихся.

Проект дизайнера Turner Pocock.

Проект дизайн-студии Alisa Rose Design.

При выборе произведения искусства наиболее важным фактором является размер. Работа, которая слишком велика по сравнению с окружающей мебелью, будет выглядеть избыточной, а которая слишком мала, будет смотреться незначительной, например, как на фото внизу.

Проект дизайнера Келли Хоппен.

Нужно избегать вешать одну небольшую вертикальную картину над горизонтальной поверхностью дивана или над спинкой кровати — пара-тройка таких картин будет работать гораздо лучше.

Проект дизайнера Полины Пидцан

Очень часто камин является центральной архитектурной точкой интерьера. Поэтому задача состоит в том, чтобы добавить к камину больше внимания и драматургии с помощью произведения искусства.

Проект дизайн-студии Elms Interior Design

Проект и фотография над камином Влада Локтева.

Работая над дизайном интерьера, важно знать, что горизонтальный ряд произведений искусства будет отражать решётчатую структуру дизайна и задавать ритм в помещении. Вертикальный ряд будет вытягивать вверх структуру помещения и нарушать прямолинейность как, например, на фото внизу.

Проект дизайнера Келли Хоппен.

Вертикальная колонна из картин или фотографий – хороший приём для того, чтобы отделить одно пространство от другого, например, кухню, совмещённую с гостиной.
Произведения искусства, расположенные по обе стороны угла, создадут цветовые акценты и иллюзию глубины, смягчат жесткость углов. Секрет состоит в том, чтобы повесить совершенно идентичные картины или фотографии на одинаковом расстоянии от угла и пола.
Самым сложным является развеска картин под скошенными потолками, например, под лестницей или в мансарде. Нужно расположить картины разной высоты так, чтобы с увеличением высоты стен, увеличивались картины, при этом следует соединить нижние углы картин с линией пола и дублировать верхнюю линию стены.

Если у вас нет большой арт-работы, то можно создать галерею искусства. В этом случае лучше повесить все картины на одной стене, а не развешивать их по всему пространству. Это достаточно сложная работа, которая требует вписать все картины в заданное пространство и форму, при этом сочетая существующие рамы и сюжеты. В интернете можно найти много разных схем развески в зависимости от размера и количества работ.

Проект дизайн-студии foley&cox.

Чтобы для примерки произведения искусства не делать дырки в стене, можно расположить искусство сперва на полу и посмотреть, вписывается ли оно в атмосферу и дизайн интерьера. Необходимо помнить об идеи пазла, цель которого — вписать искусство в интерьер, основываясь на цвете, форме, размере. Если планируется повесить много картин разных форм и размеров, то сначала нужно определить размер стены, с помощью скотча на полу задать границы, положить упаковочную или другую бумагу, разложить на ней картины или фотографии, после этого обвести их контур, вырезать лекала и с помощью малярного скотча развесить их на стене.
Утвердившись в композиции, отметить на лекалах места расположения отверстий для гвоздей и забить гвозди прямо через бумагу, после чего снять её и повесить картину или фотографию на гвоздь. Не нужно бояться делать дырки в крашеной стене – они элементарно шпаклюются и закрашиваются. К сожалению, страх сделать дырки в стене приводит к многолетней проблеме пустых стен.

На каком уровне стоит вешать картины — зависит от размера произведения искусства и от находящейся рядом мебели. Распространённая ошибка — располагать искусство слишком высоко от мебели. Необходимо стараться как бы присоединить искусство к мебели, а не вешать его так, чтобы оно парило. Если вы находитесь в помещении сидя, то будет приятно видеть искусство прямо перед глазами, не задирая высоко голову. Оптимальным расстоянием размещения картины от поверхности мебели будет 10-20 см. Отдельно висящие небольшие картины располагают, как правило, центрируя на уровне глаз или немного ниже.

Проект дизайнера Оксаны Бутман.

Проект дизайнера Оксаны Бутман.

Правильное расположение искусства — залог гармоничного и стильного интерьера.
Автор текста: Оксана Бутман
Человек гуляющий – Weekend – Коммерсантъ
Прогулки официально разрешены, но коронавирус официально не побежден, так что гуляющим неплохо было бы соблюдать меры предосторожности. Тому, как гулять правильно, можно поучиться у современного искусства
По правде говоря, в том, что касается прогулок, современное искусство дает нам мало примеров для подражания, подходящих к текущему тревожному моменту. Судите сами. Романтическая фигура бодлеровского фланера, все еще вдохновлявшая дадаистов с их издевательскими «экскурсиями и визитами» в те места Парижа, «которым на самом деле совершенно незачем существовать», окончательно изгнана из современных критических художественных практик ввиду своего мелкобуржуазного гедонизма. Прогулка — как произведение искусства, выставка или музей под открытым небом — стала приобретать отчетливо политический характер, а всякая политика в ситуации нынешней эпидемиологический и прочей неопределенности — занятие рискованное.
Художественные демонстрации, шествия и парады, не прекращающиеся в современном искусстве с героической эпохи 1968 года, совершенно недопустимы, коль скоро и одиночный пикет рассматривается теперь как массовое мероприятие со всеми вытекающими пенитенциарными последствиями. Но дело не только в том, что предреволюционные «дрейфы» передовых отрядов Ситуационистского интернационала были объявлены прямым предшественником «оккупайских» движений. Безобидные, в сущности, эскапады банды Ги Дебора, пытавшейся выскользнуть из «общества спектакля» в «психогеографических» блужданиях по Парижу, сейчас никак не могут служить образцом для ответственного российского гражданина: сумбурные отчеты участников свидетельствуют о том, что маршруты этих подрывных променадов нередко пролегали от бара к бару, что в пандемической обстановке просто опасно, поскольку в барах трудно соблюдать социальную дистанцию, а алкоголь ослабляет иммунитет. Однако и самые аполитичные «коллективные действия», даже в оздоровительной форме «поездок за город», лучше отложить до зимы, ведь эпидемиологи утверждают, что вирус победит не жара, а время и строгая самоизоляция.
Впрочем, опасны и индивидуальные прогулки с политическим подтекстом, мастером которых является, например, Франсис Алюс, фланировавший по Мехико с пистолетом в руке, пока его не арестовывала полиция, и прошедшийся по Иерусалиму с дырявой банкой зеленой краски, чтобы буквально оставить за собой ту самую демаркационную «зеленую линию», что разделила город, страну, Ближний Восток и весь мир на два непримиримых лагеря. Не стоит лишний раз раздражать правоохранительные органы — у них, судя по российским новостям, нервы и так давно на пределе. Тем более что арест далеко не всегда входит в замысел художественной прогулки. Перформанс Тейчина Сье, шатавшегося по Нью-Йорку ровно год, с 26 сентября 1981-го по 26 сентября 1982-го, изрядно испортили полицейские, задержавшие его за бродяжничество: художнику пришлось провести несколько часов в участке, тогда как программа этого произведения предполагала, что автор пробудет все 365 дней на улице, ни минуты не находясь под какой-либо крышей.
И все же нам удалось отыскать в современном искусстве ряд прогулочных стратегий, позволяющих сформулировать универсальные правила для осмотрительного и безопасного гулянья.
1. Гуляйте в одиночку

Ричард Лонг. «Протоптанная линия», 1967

Фото: © Richard Long, DACS 2015. Photo: Richard Long

Все творчество бристольского концептуалиста Ричарда Лонга напоминает об одной из родовых черт британской культуры — обостренном пейзажном чувстве, выразившемся в английских садах, картинах Констебла и Тёрнера, поэзии «Озерной школы» и, конечно, в национальном культе прогулки. Прогулка и есть основной вид деятельности Лонга, но не только потому, что в ходе вылазок на природу добывается материал для его ленд-артистских композиций — камни, земля, песок или сучья, которые выкладываются аккуратными кругами, лабиринтами, мандалами и дорожками в музеях и парках скульптуры. В 1967 году, еще студентом Сент-Мартинс, он буквально проложил, точнее протоптал, себе дорогу в большую историю искусства: возвращаясь из Лондона в Бристоль, остановился в чистом поле где-то в Уилтшире и принялся ходить взад-вперед, протаптывая дорожку, пока в траве не появилась четкая прямая линия, которую он и сфотографировал. Тропинка моментально заросла, а «Протоптанная линия» в виде снимка вошла во все учебники как классический пример концептуального искусства — перформативный рисунок на теле Земли, который тут же исчезает, оставив по себе фото на память (и на продажу). След искусства, отпечатанный в траве, песке, снегу и даже вулканическом пепле, тянется за Лонгом по Сахаре и Долине Смерти, в Альпах и Гималаях, в Боливии, Перу и Исландии — в музеях выставляют фотосвидетельства этих очень дальних прогулок.
2. Соблюдайте дистанцию

Ежедневно с 3 по 25 октября 1969 года Вито Аккончи выходил на улицы Нью-Йорка, выбирал случайную жертву, и начинался очередной акт «Пьесы преследования»: художник, в ту пору двигавшийся от экспериментальной поэзии в сторону перформанса и видео, незаметно шел за прохожим, прекращая слежку, лишь когда тот перемещался из общественных пространств в частные, с ограниченным доступом. Иногда прогулка продолжалась две-три минуты — объект садился в машину, а Аккончи не успевал поймать такси. Иногда длилась часами — до тех пор, пока преследуемый не скрывался дома, в офисе или ресторане. Все это было сделано вовсе не по заказу ФБР, а в рамках проекта «Уличные работы» Архитектурной лиги Нью-Йорка: Аккончи, начитавшись трудов по социологии, антропологии и топологии, взялся исследовать, как тело ведет себя в городской среде, взаимодействуя с другими телами и пространством. Помимо фотографий, похожих на раскадровку шпионского триллера, от «Following Piece» остались диаграммы, расписанные по минутам маршруты и пространные авторские комментарии — возможно, все это концептуалистское богатство пригодилось Аккончи в 1980-е, когда он занялся архитектурой и дизайном.
3. Не торопитесь

Хэмиш Фултон. «Прогулка 2: морской бассейн в Маргейте», 2010

Фото: Hamish Fulton / Photograph by Dan Bass

Хэмиш Фултон, однокашник Ричарда Лонга по Сент-Мартинс, тоже гуляет, вернее, он только и делает, что гуляет, но в отличие от своего конкурента не оставляет следов в природе: не протаптывает дорожек, не собирает камушки и веточки, чтобы переместить их в «белый куб» галереи или музея. Главное в прогулке — не объект, а опыт, не устает повторять «гуляющий художник» Фултон в интервью. Вначале он гулял в одиночку, повествуя о своих путешествиях в эстетских черно-белых фотографиях и отпечатанных на виниле плакатах с текстами и графиками, но позже решил, что травелог — не единственный способ делиться опытом с публикой, и начал организовывать коллективные прогулки. Причем первая из коллективных была сделана вместе с Мариной Абрамович (1994), а самая знаменитая — в поддержку арестованного Ай Вэйвэя, когда гуляли по Турбинному залу Тейт Модерн (2011). Прогулки, которые обычно все же устраиваются не в музее, а на свежем воздухе и проходят по всему миру, от Канады до Японии, называются «Медлегуляниями» («Slowalk»): участники двигаются по расчерченным траекториям и в очень медленном темпе, тогда как художник, придумавший эту оригинальную форму искусства в общественном пространстве, командует парадом.
4. Не теряйтесь

Стэнли Браун родился в Парамарибо, но его тянуло на родину предков и 22 лет от роду он репатриировался в Амстердам. Не то чтобы Браун плохо ориентировался в городе — он просто очень хорошо ориентировался в современном искусстве: его работа «Туда Браун» («This Way Brouwn», 1961–1964) — один из самых ранних образцов образцового концептуализма. Он выходил на улицу и спрашивал случайных прохожих, как пройти туда-то, изображая полное непонимание, и тогда добрые люди, сжалившись над бестолковым застенчивым парнем, принимались рисовать на бумажке линии, кружочки и стрелочки. В итоге Браун собрал целый архив наивной картографии Амстердама — каждый листок с каракулями проштампован печатью «This Way Brouwn». Сохранились также забавные фотографии — перформанс исподтишка снимал Инго Кёйперс.
5. Не переживайте

Марина Абрамович и Улай. «Любовники. Прогулка по Великой Китайской стене», 1988

Фото: Marina Abramovic & Ulay; Image: publicdelivery.org

Лучше всего изучать науку расставанья по легендарной работе Марины Абрамович и Улая «Любовники. Прогулка по Великой Китайской стене». Бывшие партнеры в искусстве и жизни, они три месяца — с начала апреля по конец июня 1988 года — шли навстречу друг другу по Великой Китайской стене, он — с запада, от пустыни Гоби, она — с востока, от Желтого моря. Шли, чтобы встретиться посередине и расстаться навсегда. Стараниями Марины Абрамович этот перформанс приобрел малоприятные мелодраматические оттенки: она до сих пор рассказывает, какими мексиканскими страстями и глубокими переживаниями были наполнены ее 2,5 тыс. км пути. Улай же вынес из своих 2,5 тыс. км роскошный концептуалистский проект, начинающийся с бюрократической переписки с китайской компартией и правительством и заканчивающийся картами, фотографиями, дневниками, книгой художника и музыкальным альбомом.
6. Смотрите, слушайте, фантазируйте

Если вы видите на улице странную группу людей в наушниках или с каким-то портативным приемником, но не видите перед ней экскурсовода с флажком, то, скорее всего, это спектакль-променад, мода на который в России утвердилась окончательно и бесповоротно — и во многом благодаря Rimini Protokoll. Создатели Rimini Protokoll говорят, что, изобретая свои экспериментальные формы, находились под сильным впечатлением от «аудиопрогулок» канадской художницы Джанет Кардифф: с начала 1990-х публика, доверившаяся ее голосу, обследует разнообразные территории — леса, парки, городские ландшафты, здания музеев, театры или вокзалы. Зритель и слушатель Джанет Кардифф, получивший цифровой плеер с наушниками и набором фотографий или же планшет с аудио и видео, проходит маршрутом какой-то таинственной пьесы, составленной из шумов, фрагментов исторических записей, обрывков чьих-то фраз и музыки. Сценарий вроде бы имеет самое непосредственное отношение к тому конкретному месту, где происходит прогулка, будь то Центральный парк в Нью-Йорке или поле Йенской битвы, но почему-то не совпадает с ним, образуя лакуны и разрывы. И, замечая, что контрапункт окружающей реальности и аудиовизуального сопровождения распадается, аудиогуляющие начинают что-то понимать о природе памяти и воображения. Прогулка, как известно, отличный способ развития того и другого.
Учимся понимать искусство / Виды искусства. Часть 2. 10–12 лет
Цикл экскурсий по Третьяковской галерее и Новой Третьяковке знакомит школьников с разнообразными коллекциями музея — картинами, иконами, скульптурами, рисунками, произведениями современного искусства, учит понимать язык изобразительного искусства.
1. Живопись: картина, икона, фреска Купить билет
Живопись — «королева искусств». Экскурсия познакомит с различными формами живописи: картиной, иконой, фреской. Чем они отличаются друг от друга? Что такое масляная краска и темпера? Почему древние мастера писали иконы на досках, и когда стал использоваться холст? Ответы на все эти непростые вопросы прозвучат во время занятия.
Экскурсии проходят по адресу: Лаврушинский переулок, 10, Главное здание
Расписание экскурсий:
4 марта, четверг, в 16:30
5 марта, пятница, в 16:30
6 марта, суббота, в 14:30
13 марта, суббота, в 12:30 и 15:30
2. Графика Купить билет
«Графо» — в переводе с греческого означает «пишу, рисую, оставляю след». Чем можно оставить след на листе бумаге? Карандашом, сангиной, углем, кистью… На экскурсии по особым музейным залам можно посмотреть рисунки знаменитых русских художников, поговорить о языке этого вида искусства и специфике различных графических техник.
Экскурсии проходят по адресу: Лаврушинский переулок, 10, Главное здание
Расписание экскурсий:
13 марта, суббота, в 14:30
18 марта, четверг, в 16:30
19 марта, пятница, в 16:30
20 марта, суббота, в 12:30 и 15:30
3. Скульптура Купить билет
На экскурсии по залам Третьяковской галереи можно посмотреть скульптуры из мрамора, дерева, бронзы Ивана Мартоса, Сергея Коненкова, Анны Голубкиной, майолики Михаила Врубеля, обсудить, как правильно рассматривать произведения скульптуры.

Экскурсии проходят по адресу: Лаврушинский переулок, 10, Главное здание
Расписание экскурсий:
1 апреля, четверг, в 16:30
2 апреля, пятница, в 16:30
3 апреля, суббота, в 12:30, 14:30 и 15:30
4. Декоративно-прикладное искусство. Сокровищница Купить билет
Что такое скань, зернь, чернь и канитель? На экскурсии по Сокровищнице можно познакомиться с уникальными произведениями декоративно-прикладного искусства — предметами из христианских храмов, утварью, посудой и украшениями, — узнать о символике благородных металлов, драгоценных камней и сложнейших техниках их обработки.
Экскурсии проходят по адресу: Лаврушинский переулок, 10, Главное здание
Расписание экскурсий:
10 апреля, суббота, в 12:30
15 апреля, четверг, в 16:30
17 апреля, суббота, в 15:30
5. Язык современного искусства Купить билет
Что такое «коллаж», «объект», «инсталляция»? Как общаться с современными художественными произведениями? На экскурсии по залам Новой Третьяковки можно познакомиться с коллекцией новейших течений, поучиться обсуждать произведения «непонятного» искусства.
Экскурсии проходят по адресу: Крымский Вал, 10, Новая Третьяковка
Расписание экскурсий:
24 апреля, суббота, в 14:30
13 мая, четверг, в 16:30
15 мая, суббота, в 15:30
6. Идем на выставку Роберта Фалька! Купить билет
На экскурсии мы познакомимся с творчеством самого загадочного из московских художников прошлого века. Мы посмотрим его картины, поговорим о красках, палитре, языке живописи, мастерской под крышей с видом на Кремль, обсудим, почему он написал так много автопортретов и попробуем понять, каким на самом деле был Роберт Фальк/Клаф Требор.
Экскурсии проходят по адресу: Крымский Вал, 10, Новая Третьяковка
Расписание экскурсий:
15 мая, суббота, в 12:30 и 14:30
20 мая, четверг, в 16:30
22 мая, суббота, в 15:30
Фото: © ГТГ / Юлия Захарова, 2019

Влияние «правого полушария мозга на левое полушарие» на ст.
Многие люди слышали о теории правого и левого полушарий, и долгое время считалось, что у художников преобладает правое полушарие. Согласно теории, правое полушарие является зрительным и помогает нам в творческих процессах.
Это отличный способ объяснить, почему одни люди более креативны, чем другие. Теория также творит чудеса, обучая искусству более широкую аудиторию и разрабатывая для этого новые методы.Тем не менее, что правда о двух сторонах мозга? Действительно ли один влияет на наши творческие результаты, а другой помогает нам мыслить логически?
Это интересная концепция для размышлений, которая десятилетиями доминировала в дискуссиях об искусстве. Новые доказательства, опровергающие теорию, только добавят к этой дискуссии. Верно это или нет, но концепция правого полушария, безусловно, творит чудеса для мира искусства.
Что такое теория правого полушария левого полушария?
Концепция правого и левого полушарий мозга возникла в результате исследований американского психобиолога Роджера У.Сперри. Он обнаружил, что человеческий мозг имеет два совершенно разных способа мышления.
Правое полушарие является визуальным и обрабатывает информацию одновременно и интуитивно. Сначала он смотрит на всю картину, а затем на детали.
Левое полушарие является вербальным и обрабатывает информацию аналитическим и последовательным образом. Сначала он смотрит на части, а затем складывает их вместе, чтобы получить целое.
В 1981 году Сперри был удостоен Нобелевской премии за свои исследования.Как бы забавно ни было думать о теории правого и левого полушарий, с тех пор она была названа одним из величайших мифов о мозге. На самом деле оба полушария нашего мозга работают вместе для решения множества задач, включая творческое и логическое мышление.
Как теория правого полушария мозга имеет отношение к художникам
Используя теорию Сперри, было сделано предположение, что люди с доминирующим правым полушарием более креативны. Это имеет смысл с точки зрения концепции левого полушария мозга.
Когда вы начинаете рисовать, вам нужно иметь возможность визуализировать финальную картину в своем уме (правое полушарие работает от целого).
Затем вы проявляете рисунок, выбираете элементы, сопоставляете и смешиваете цвета, размещаете тени и блики и т. Д. (Правое полушарие работает над разными вещами одновременно).
В то же время вам необходимо уметь критически оценивать то, что вы делали и делаете (левое полушарие является аналитическим).
Основываясь на этой теории, если вы знаете, что в вашем мышлении преобладает правое или левое полушарие, вы можете сознательно использовать правое полушарие в своих картинах или рисунках. Это конечно лучше, чем работать на автопилоте. Попробовав другую стратегию, вы, вероятно, удивитесь, какие разные результаты вы можете получить.
Тем не менее, если теория — миф, действительно ли вы можете научить свой мозг работать по-другому? Точно так же, как вы можете научиться рисовать, можно изменить определенные привычки мозга, и не имеет значения, какая наука стоит за этим. Это просто происходит, и вы можете это контролировать. Пусть ученые позаботятся о технических деталях; есть картины, которые нужно создать!
Вы можете научиться использовать правополушарный образ мышления, просто изменив поведение и воплотив идеи в жизнь, оставаясь при этом в сознании своего мыслительного процесса.Мы делаем это на протяжении всей нашей жизни (например, бросаем курить, лучше питаемся, встаем с постели, чтобы рисовать и т. Д.), Так что действительно ли имеет значение, что наше мышление не правое полушарие берет на себя? Точно нет.
Тот факт, что ученые обнаружили, что правое полушарие не преобладает, не влияет на то, как на самом деле работает ваш мозг. Мы можем продолжать расти, учиться и творить так же, как мы делали это до того, как познали истину.
«Рисунок на правой стороне мозга» Бетти Эдвардс
Прекрасным примером того, как художники учатся изменять свое мышление и, следовательно, их подход к искусству, является книга Бетти Эдвардс « Рисование по правой стороне мозга». Первое издание было выпущено в 1980 году, а с момента выхода четвертого издания в 2012 году книга стала классикой в мире искусства.
Эдвардс применила концепции правого и левого полушарий мозга для обучения рисованию, и сегодня это так же актуально, как и тогда, когда она ее написала (и теория была принята как факт).
Она предложила методы, с помощью которых вы можете сознательно получить доступ к правой части мозга при рисовании. Это может помочь вам нарисовать или нарисовать то, что вы видите , а не то, что вы знаете.Подход, подобный подходу Эдвардса, действительно работает и помог многим людям, которые раньше считали, что не умеют рисовать.
Художники должны быть благодарны Сперри за то, что он разработал свою теорию. По этой причине такие творческие люди, как Эдвардс, разработали упражнения, способствующие развитию творческой мысли и новые способы обучения художественным техникам.
Это сделало искусство доступным для совершенно новой группы людей, которые исследуют свои творческие стороны, даже если они не стали практикующими художниками.Это также научило художников быть более осознанными в своем мыслительном процессе и подходе к своей работе. В целом правое полушарие прекрасно подходит для искусства.
Есть ли правильный или неправильный способ заниматься искусством?

На днях показала обратную сторону одной из своих вышивальных работ. Когда я поделился им в социальных сетях, кто-то оставил комментарий, который действительно вдохновил меня и заставил задуматься, поэтому сегодня на Artist Strong я хочу поговорить с вами о том факте, истине, которую я вижу, которая состоит в том, что нет правильного или неправильного пути. делать искусство.
В этом комментарии подруга поделилась со мной, что когда она училась вышивать, когда была маленькой, ее мать сказала ей, что тыльная сторона должна быть такой же чистой и такой же красивой, как и лицевая сторона ее работы. Когда она сказала мне об этом, я сразу почувствовал себя возбужденным. Мне сразу стало стыдно за свою работу. Это заставило меня почувствовать, что что-то не так и что качество моей работы каким-то образом ухудшилось в результате этой новой информации. Я поделюсь. Некоторые из них у меня на коленях.Я поделюсь одним из них. Вот лицевая сторона одного. Вы можете увидеть здесь. Они еще не оформлены и не закончены. Вот оборотная сторона. У меня здесь на коленях несколько таких, и сегодня я покажу еще несколько.
Вы знаете, я предполагаю, что часть этого триггера и причина, по которой я им рассказываю, состоит в том, что я хочу, чтобы вы, ребята, поняли, что вы не единственные люди, которые могут чувствовать себя уязвимыми. Многие люди начинают смотреть на меня как на пример идей, мотивации и вдохновения. Я хочу, чтобы вы знали, что я тоже все еще борюсь с этими вещами. Это естественная часть нашего творческого процесса, которую мы должны принять.
Вывод номер один из сегодняшней истории: существуют произвольные правила, которых мы придерживаемся, когда дело касается нашего искусства.

Эти произвольные правила исходят извне. Они исходят от людей в нашей жизни. Они возникают из-за благих намерений или непреднамеренных действий наших родителей. Это просто естественная часть творческой жизни: люди могут передавать идеи, которые вызывают в нас неуверенность или вызывают или напоминают нам об этих произвольных правилах, которые мы придерживаемся для себя.

Сегодня вывод номер два заключается в том, что даже когда мы гордимся работой, которую создаем, у нас могут быть моменты неуверенности в ней.

Я люблю свою вышивку. Это красиво, красочно и весело. Вот еще один. Вы знаете, я считаю, что они милые. Тем не менее, когда кто-то увидел обратную сторону некоторых из них, это меня спровоцировало. Это напомнило им о некоторых представлениях о перфекционизме, в которых они руководствовались, и, поскольку я выздоравливающий перфекционист, это тоже вдохновило меня.

Примите, вы можете быть активированы.Примите, что будут такие моменты. Это поможет вам легче преодолевать их и принять их с немного большей мягкостью и добротой по отношению к себе и людям, которые вызывают эти моменты для вас.

Уберите номер три: я хочу, чтобы мои вышивки спереди и сзади были метафорой жизни.

Член семьи сказал мне, что однажды они использовали это понятие в проповеди, которой они поделились со своей общиной. Идея заключалась в том, что нам всегда нравится в своей жизни быть лучшим.Нам нравится показывать красивую сторону вещей, и это особенно заметно сейчас в социальных сетях. Нам нравится показывать себя с лучшей стороны. Мы курируем лучшие моменты нашей жизни, и это часто может побудить людей почувствовать это «не отставать от Джонсов» или заставить нас чувствовать, что наша жизнь неадекватна или недостаточно наполнена.

Жизнь — это не просто красивая картинка. Это все неровные неровности, узлы, маленькие шаги, которые вы делаете, прыжки, все эти прыжки. Все, что посередине. Противоречивые моменты.Взад и вперед. Все это приводит нас к моментам хорошего качества, к моментам, которыми стоит насладиться.

Я хочу, чтобы вы подумали об этом в следующий раз, когда вы каким-то образом будете увлечены своим искусством. Помните обратную сторону моей вышивки: это так же важно и ценно, чтобы помочь вам пережить хорошие моменты, и это действительно важный урок для всех нас. И это касается не только нашего искусства.

Сегодняшний диалог заставляет меня задаться вопросом, сколько занятий искусством, хобби или других интересов люди могут оставить для себя, которые разрушены из-за произвольных правил, которые они навязывают себе? Из-за историй, подобных той, которой я поделился с вами сегодня?

Я призываю вас быть беспорядочным.Примите это как часть своего творчества, потому что это важная и необходимая часть. Это то, что позволяет нам добиваться хороших результатов. Чем больше мы избегаем этих неприятных моментов или чувствуем стыд вокруг них, тем меньше мы создаем, а значит, тем меньшую ценность мы приносим миру. И / или тем более, что мы чувствуем счастье и удовлетворение. Когда у нас есть моменты удовлетворения, мы можем внести больший вклад. Это действительно важная вещь, о которой вам нужно подумать сегодня.

В конце концов, я хочу, чтобы вы охватили всю свою жизнь.Всю твою творческую жизнь. Беспорядочные и красивые мелочи, потому что это то, что приводит нас к тому, где мы сегодня находимся в нашей работе.

Будьте творчески смелыми: в комментариях ниже расскажите мне произвольное правило, которого вы придерживались в своей творческой работе. Чем больше мы будем делиться этим с другими и чем больше мы будем открыты для того, чтобы пережить моменты незащищенности, тем сильнее и увереннее мы все станем.

Спасибо, ребята, за просмотр, и если вы считаете, что это видео может принести пользу кому-то в вашей жизни, пожалуйста, поделитесь им с ними. Увидимся на следующей неделе. До свидания.

Free Art Challenge: создайте оригинальное произведение искусства за 10 дней

Сыграйте со мной в сеансах Soulbrush: десять дней творческих подсказок, которые помогут вам раскрыть свой уникальный голос художника.

Это опыт, который показывает вам то, что в глубине души вы уже знаете: вы всегда были художником. Дайте волю своему внутреннему художнику -> приступайте к работе сегодня!

(Воспользуйтесь этим бесплатным бонусом при подписке на еженедельную рассылку Artist Strong.)

Мы уважаем вашу конфиденциальность — подробнее здесь.

Успех! Теперь проверьте свою электронную почту, чтобы подтвердить свое членство в сообществе электронной почты Artist Strong и получить доступ к бесплатным ресурсам, разработанным, чтобы помочь вам в вашем творческом пути. Не забудьте зарегистрироваться, указав свое имя пользователя и пароль, когда получите первое электронное письмо для доступа к курсу!

Вы работали с онлайн-уроками или посещали электронные курсы по искусству, но ушли, не получив новых навыков? Что, если бы вы могли взять курс, который поощряет индивидуальное самовыражение и учит конкретным навыкам расти как артист? Добро пожаловать в Soulbrush Sessions: Altered Books: https: // artiststrong. leadpages.co/alteredbooks/

Сила искусства прямо сейчас

Я очень боялся этой колонки. Меня напугала и слегка тошнила перспектива прямо сейчас попытаться писать об искусстве.

Я воздержусь от утомительно составленной литании нашего глобального отчаяния, поскольку я должен предположить, что любой, кто читал художественную колонку в местной печатной газете, вероятно, прошел через все остальное на первых полосах мира.

Итак, приступим к делу. При чем тут искусство? Что дает искусству право бороться за внимание в этот момент?

Предполагать, что эти ответы есть у кого-то лично, для меня слишком самоуверенно.Эта колонка не о том, «почему» искусства в условиях кризиса. И не обо всех выдающихся людях, галереях, театрах и малых предприятиях в сфере искусства, которые оказались в увольнении, закрыты или иным образом искалечены. Я всем сердцем переживаю за них, и меня заверили, что учреждениям искусства предоставляется тот же уровень поддержки и помощи, который федеральное правительство вознаграждает другим «второстепенным» отраслям.

Но, несомненно, есть немного морального диссонанса в мучениях из-за страданий искусства во время такого кризиса, и я действительно не знаю, как возвести этот круг в квадрат.Замечательная цитата Жоржа Брака лучше меня демонстрирует эту идею.

Во время двух мировых войн Брак писал натюрморты с фарфоровыми вазами, ткаными шелковыми скатертями и грудой тарелок со свежими фруктами и рыбой. Ему было совершенно комфортно изображать атрибуты роскоши, в то время как мир вокруг него страдал.

Но он также происходил из семьи рабочего класса — его отец и дед были малярами — и он отказался от плодотворного сотрудничества с Пикассо в начале Первой мировой войны, чтобы поступить на службу во французскую армию, где был тяжело ранен в бою.

В интервью 1939 года французскому литературному журналу Cahiers d’Art он сказал следующее: «Художник живет сквозь века. Но его работа слишком сильно зависит от прошлого, чтобы он мог приспособиться к переменам времени … Давайте категорически различать искусство и текущие дела ».

Искусство — это уникальная форма, способная преуспеть в представлении и исследовании проблемы без четкого решения. Художники всю свою карьеру пытаются взломать фундамент, а не ремонтировать его. Полагаю, это то, что я здесь делаю.Я просто задаю эти вопросы вслух, не собираясь на них отвечать.

Потому что, несмотря на возрастающее экзистенциальное давление нашей коллективной гибели, я много думал об искусстве. За последние два месяца у меня было больше времени, чтобы подумать об искусстве, причем в более чистом виде, чем когда-либо, когда я работаю «в искусстве».

Лауреат Пулитцеровской премии искусствовед Джерри Зальц, кажется, думает так же. Он говорит, что посвящает свое карантинное время написанию глубоких анализов Питера Брейгеля и желтого цвета (или чего-то в этом роде).

Хотя мои размышления не были столь продуктивными, они приносили облегчение. Мне было приятно обнаруживать, что я теряюсь в картинах (в основном Мане и Матисса) и переворачиваю скульптуры (в основном небольшие бронзовые карикатуры, сделанные моим дядей-карикатуристом), пытаясь вспомнить, как они выглядят со спины.

Я много думал о травлении сухой точки (в основном работы Рембрандта и «Сюита Воллара» Пикассо), насколько он прекрасен и почему его больше никто не делает (в основном, я думаю, потому что это заноза в заднице) .

Вкратце — хотя помимо того, чего я не знаю — я хотел бы сказать несколько слов о офорте. В последние годы мне посчастливилось видеть офорты многих величайших рисовальщиков в истории. Интимные репродукции Микеланджело на выставке «Обмен изображениями» в Национальной галерее. «Венецианский сет» Уистлера в галерее Фрир. Около 300 гравюр Рембрандта на нокаут-шоу в Рейксмузеуме в Амстердаме в 350-ю годовщину его смерти.

Из всех средств изобразительного искусства офорт может быть самым вневременным.Между художниками, которых я только что упомянул, проживает 500 лет, но любой из их офортов будет так же комфортно жить в современной студии на чердаке, как и в Frick. Чего нельзя сказать о «Девушке с жемчужной сережкой».

Вероятно, это потому, что основы рисования практически никогда не менялись (если не считать Джона Кейджа). Что составляет предмет живописи и трехмерной формы, эволюционировало на протяжении веков до неузнаваемости. Офорт, однако, как прямой перевод руки художника на бумагу, без каких-либо вариаций материала, цвета или текстуры, лежит в основе всего искусства.

Возможно, это было не так кратко, но в каком-то смысле оно иллюстрирует ценность искусства, выходящую за рамки мимолетного анализа нашего непосредственного настоящего, которое, как я никогда не чувствовал, было величайшей целью искусства.

Искусство — и во многих отношениях всегда было — путешествие за пределы нас самих в царство божественного. С этой целью, я думаю, что искусство может сделать прямо сейчас, так это вывести нас за пределы этого момента, если мы позволим ему это сделать.

тегиArtArtswatchfine artнациональная галереяНациональная галерея искусств

Права художника

Закон дает художникам определенные права на свои произведения.Уильям Фишер, «Теории» интеллектуальной собственности », Стивен Мюнцер, изд., Новые эссе в Правовая и политическая теория собственности (Cambridge University Press, 2001) рекомендуется для тех, кто хочет изучить сложное введение почему закон признает имущественные интересы в интеллектуальной продукции. Эти интересы могут быть экономическими или неэкономическими, права личности.
Основы
Наемная работа
Оригинальность
Интернет-права
Статья об изъятии
Рафаэлевский приговор Парижа (c1515) запустил одну из наиболее устойчивых и существенных последовательностей копирования. и контркопирование в западном искусстве.Картина Рафаэля потерялась, но его сотрудник Маркантонио Раймонди сделал гравированную копию из того, что выжило. Через несколько лет после того, как копия была сделана, общий спрос для копий оригинальной работы было настолько велико, что Марко Денте да Равенна сделал рабский копия этого. Три века спустя Мане использовал часть произведений Рафаэля / Раймонди. оригинал в качестве основы для его работы Le Djeuner Sur L’Herbe. Мане использовал группу из трех фигур в правом нижнем углу оригинальные работы как сердце его новой работы, обновляя их одежду до современной облачение и добавление обнаженных женщин.Почти столетие спустя Пикассо перефразировал Работы Мане в обширной серии картин, рисунков, скульптур и линогравюра, которую он выполнил между 1959 и 1961 годами, Les Dejeuners. Насколько оригинальны были подражатели Рафаэля? Увидеть Генри Лидайта обзор Dear Images на Artquest.org.uk.
пародия
Другие пародийные ссылки:
Кант и Гегель дали теоретическое обоснование «моральное право» автора, но отказ Джеймса Макнила Уистлера предоставить сэру Уильяму Идену портрет его жены и последующего иск в 1989 году дал политический импульс для Франции принять закон на предмет.Во Франции сейчас самые строгие законы, поддерживающие права художники. Чтобы узнать о собственном взгляде Уистлера на это дело, см. «Иден против Уистлера: The Баронет и бабочка. Валентинка с приговором, Париж и Нью-Йорк, 1899 г. (перепечатано Библиотекой известных судебных процессов, 1997 г.) Телефонный номер: FRA 996 WHI78 1997.
Франция признает четыре моральных права:
droit de разглашение или право на разглашение;
droit de repentir ou de retrait, или право исправлять или отозвать произведения, ранее опубликованные для публики;
droit de paternite, или право атрибуции, которое включает
право против неправильной атрибуции,
право против nonattributio,
право на анонимную или псевдонимную публикацию,
право аннулировать обещание анонимной публикации или псевдонимно;
и droit au уважение де l’oeuvre, буквально «право на уважение произведения », обычно переводится как право на неприкосновенность.
Насколько неотъемлемыми, неотъемлемыми и бессрочными эти права различаются в зависимости от страны. США признают только последние два, и они слабо.
США попытались гармонизировать свои законы об авторском праве. с европейскими и другими странами, присоединившись к Бернской конвенции и принятие Закона 1990 года о правах художников-художников (VARA). Особенно 17 U.S.C. 106, 106А, и 113. Синтия Эсуорти из офиса главного юрисконсульта NEA кратко введение в закон США о моральных правах в От Монти Пайтона до Леоны Хелмсли: Путеводитель для художников-визуалистов Закон о правах.Также проверьте боковые панели. Однако некоторые утверждают, что США должны будут расширить защиту своих неимущественных прав, чтобы достичь своей предполагаемой цель гармонизации своих законов об интеллектуальной собственности с европейскими Союз. См. Jowita Wysocka, «Навязывание моральных прав аморальной системе»: Анализ дальнейшей законодательной реформы, необходимой для соблюдения требований США с Бернской конвенцией, Suffolk Journal of High Technology Law (Spring 2000). Отрывок видео, показывающий неправильное использование Фредерика Харта скульптура Ex Nihilo от Warner Bros.в фильме Адвокат дьявола может быть нашел здесь. Этот случай использовал требование об авторском праве для решения проблемы неимущественных прав. Уничтожение фрески «Человек» Диего Риверы на Перекрестке, заказанный для Рокфеллер-центра, но наступающий на покровители из-за того, что в них был включен образ Ленина, предшествовали любому эффективному статут о неимущественных правах. Культура сайта PBS У шока есть и другие интересные примеры. Джеффри К. Ву, права на перепродажу произведений искусства и рынок перепродажи произведений искусства: Последующее исследование, 46 J.Copyright Soc’y U.S.A. 531 (1999) [доступно на Westlaw], написано для курса права профессора Мерримена в Стэнфорде, является хорошим аргументом против полезности налогов на перепродажу. для художников. Смотрите также Однако права перепродажи широко распространены в Европе. Директива Европейского парламента и Совета о праве перепродажи в интересах автора оригинального произведения искусства пытается добиться, чтобы все члены ЕС гармонизировали свои законы, законодательно закрепив такие права. Европейская комиссия приветствовала принятие Директивы о правах перепродажи благо авторов оригинальных произведений искусства.Поддержка европейских художников Директива. Торговля и правительство Великобритании выступили против введения такого законодательства, но правительство Великобритании было вынуждено пойти с Европой, хотя и не сразу. Возможно, поддержка droit de suite связано с выразительной функцией закона. Видеть
Лоуренс Лессиг, Регулирование социального значения, 62 У. Чи. L. Rev.943 (1995)
Касс Р.Санштейн, О выразительной функции закона, 144 U. Pa. L. Rev. 2021 (1996)
Что такое специальность «искусство» и подходит ли она мне? | Советы по карьере и собеседованию
Вы любили рисовать в детстве? Вы используете каждый дюйм бумаги для рисования? Вы любите посещать интересные музеи и экспонаты? Вы смотрите на дизайн веб-сайта или графику и задаетесь вопросом, как это было сделано? Если это так, то стать специалистом по искусству в колледже, возможно, будет вам по душе.
Что такое искусство?
Художественный факультет междисциплинарного направления, объединяющий несколько академических предметов, таких как история искусства, живопись, скульптура и фотография. Дополнительные области обучения включают такие предметы, как бизнес изобразительного искусства и арт-терапия.
Подходит ли мне?
Прежде чем вы начнете изучать изобразительное искусство, необходимо подумать о нескольких важных моментах. Специалисты по искусству не обязательно создают искусство все время, и это может иметь финансовые последствия.
Вот несколько ключевых вопросов, которые следует задать себе, прежде чем официально объявить себя специалистом по искусству:
Готов ли я к финансовым затратам, связанным с изучением искусства, включая оплату художественных принадлежностей или поездки в музеи или выставки и оплату этих услуг?
Могу ли я посещать академические или художественные классы?
У меня толстая кожа? Могу ли я принять и учесть конструктивную критику, получаемую от профессоров и коллег?
Готов ли я провести большую часть своего академического курса в одиночестве, работая над своим искусством?
Нравится ли мне проводить много времени, посещая музеи и выставки и ища вдохновение в другом месте?
Что я могу делать со степенью в области искусств?
То, что вы специализируетесь на изобразительном искусстве, не обязательно означает, что вы должны стать «голодающим художником», создавая свои собственные выставки и продавая произведения.Хотя это, безусловно, приемлемый вариант карьеры, есть и другие способы сделать вашу художественную степень применимой.
Некоторые потенциальные карьерные возможности включают:
профессор искусства
арт-терапевт
графический дизайнер
рекламный руководитель
искусствовед
модельер
дизайнер по текстилю
куратор музея, галереи или выставки
Художественный педагог
галерист
кинорежиссер
фотограф
фотокорреспондент
Что зарабатывают художники?
Карьера в изобразительном искусстве не обязательно должна быть прибыльной, а заработная плата сильно различается в зависимости от того, где вы живете, чем занимаетесь и сколько работы выполняете в данный момент.
«Художники изобразительного искусства», такие как художники, скульпторы и иллюстраторы, обычно получают стартовую зарплату от 40 000 до 60 000 долларов, если у них есть постоянная работа, тогда как люди, занятые в других сферах искусства, могут зарабатывать больше или меньше в зависимости от типа работы и ее согласованности ( например, средняя годовая зарплата графического дизайнера составляет 41 000 долларов в год, а средняя зарплата куратора музея — 53 000 долларов).
Затем узнайте больше об этой специальности колледжа, такой как информатика, и получите больше советов по карьере для стажировки и работы начального уровня, например, Как получить рекомендательное письмо.
5 способов, которыми художники могут изменить мир к лучшему прямо сейчас
Создание и созерцание искусства — мощные силы для объединения людей. Как художники, мы знаем, что искусство может быть сильно очищающим и исцеляющим. Мы также знаем, что вокруг нас есть люди с ограниченным доступом к искусству.
Чувствовали ли вы необходимость использовать силу своего искусства, чтобы играть активную роль в построении своего сообщества и возвращении?
Вот пять способов вызвать позитив, поделившись своей страстью с окружающими:
Станьте арт-наставником
Программы наставничества — мощный и прямой способ взаимодействия с учащимися школ с недостаточным уровнем обеспеченности услугами.Сотрудничая со студентом в качестве наставника по искусству, вы сыграете ключевую роль в развитии его творческих способностей и уверенности в себе. Вы даже можете помочь кому-то открыть для себя страсть к искусству на всю жизнь!
Что еще лучше, такие отношения наставника и подопечного взаимовыгодны. Учащиеся, участвующие в программах наставничества, улучшают успеваемость и карьерные перспективы, в то время как обе стороны постоянно сообщают о более высокой самооценке и улучшении психического и физического здоровья.
Программы художественного наставничества, такие как ArtCorps Redline, поощряют студентов подходить к социальной справедливости в своем сообществе с художественной точки зрения.Чтобы найти возможности для наставничества в вашем сообществе, посетите Volunteer Match.
Примите участие в художественном образовании
Многие из нас впервые открыли для себя свою страсть к искусству, когда создавали ожерелья из макарон или картины из мрамора на уроках искусства. Художественное образование имеет решающее значение для академического благополучия студентов. Многочисленные исследования показывают тесную связь между занятиями искусством и улучшением посещаемости, успеваемости, грамотности и математических навыков.
К сожалению, многие школьные художественные программы испытывают затруднения из-за отсутствия финансирования, а сокращение расходов вынуждает учителей копаться в собственных карманах, чтобы оплачивать материалы.
Программы
, такие как Donors Choose, свяжут вас напрямую с нуждающимся классом. Сайт дает вам возможность делать пожертвования на покупку художественных материалов. Вы можете искать по местным или национальным школам и решать конкретные задачи, которые вам больше всего нравятся. В вашем районе могут быть даже школы, которые нуждаются в припасах.
Вы любите керамику? Вот класс в Денвере, нуждающийся в глазури.
Другой вариант — создать свой собственный класс! Общественные центры и местные библиотеки всегда ищут новые семинары и занятия.Если вы предоставите материалы, они помогут заполнить места. Просто не забудьте предоставить им подробную информацию о том, что повлечет за собой занятие, и постарайтесь быть гибкими при планировании.
Волонтер краеведческого музея
Волонтерство в музее в вашем районе дает большой результат — это также означает, что вы окунетесь в невероятное искусство! В зависимости от размера музея ваша работа может варьироваться от помощи с кураторскими обязанностями до подбора персонала.
Музеи могут быть отличным местом, где можно вдохновиться собственными работами. Также нет лучшего места для налаживания связей в местном художественном сообществе.
Пожертвуйте свои художественные принадлежности
Есть ли у вас в студии материалы, которые годами валяются и собирают пыль и загромождают ваше пространство? Местные художественные программы, школы и больницы отчаянно нуждаются в материалах — ваши мало использованные художественные принадлежности могут иметь огромное значение.
В блоге
CreativeLive есть отличный список мест, где можно пожертвовать использованные художественные принадлежности.Одним из примеров организаций в этом списке является A Little Something из Денвера. Они используют подаренные предметы искусства, чтобы предоставить женщинам-беженкам инструменты, необходимые для творческой работы и построения сообщества.
Некоторые организации также творчески подходят к тому, как они жертвуют расходными материалами. Apple Pie Painting предлагает передвижные уроки рисования и жертвует свои дополнительные материалы в фонд Dreaming Zebra Foundation — фонд, который поставляет художественные принадлежности школам с низким доходом.
Подумайте обо всех шедеврах, которые будут созданы из вашего старого пастельного набора и будут гордо выставляться на холодильниках долгие годы!
Поддержка программ арт-терапии
Искусство может иметь сильное терапевтическое действие.Это позволяет нам общаться и обрабатывать вещи, которые мы обычно не можем озвучить в повседневной жизни. Арт-терапевты полагаются на искусство, чтобы помочь людям, страдающим от физических и психических травм, не только работать над выздоровлением, но и работать над тем, что вызывает у них чувство гордости.
Арт-терапия также удивительно универсальна и может принести комфорт людям в самых разных обстоятельствах. Вы увлечены проблемами ветеранов? Рассмотрите возможность внесения вклада в Фонд американского исцеляющего искусства за их работу с ветеранами, страдающими боевыми травмами и посттравматическим стрессовым расстройством.
Другие арт-терапевтические организации работают специально с беженцами или хронически больными детьми. Пожертвования на подобные программы приносят искусство непосредственно людям, которые в нем больше всего нуждаются.
На местном уровне следите за арт-выставками или аукционами, на которых представлены произведения искусства, созданные в рамках программ арт-терапии. Эти произведения прекрасны, сильны и поддерживают великое дело.
Архив произведений искусства предназначен для предоставления вам инструментов, необходимых для управления вашими произведениями искусства, чтобы у вас было больше времени для того, что важно. — создание произведений искусства .
Заинтересованы в том, чтобы подарить свое искусство? Узнайте больше о том, как лучше всего пожертвовать здесь.
Об искусстве — Что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine
Марк Ротко, американский художник, описавший себя как художник-абстракционист , однажды сказал, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета и т. . Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее.Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?
Марк Ротко, американский художник, назвавший себя «художником-абстракционистом», однажды сказал об искусстве, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета и т. Д. Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?
Эта статья представляет собой исследование значения искусства и попытку понять отношения между искусством и художниками, с некоторыми полезными идеями через интервью как с традиционными, так и с цифровыми художниками.
Дополнительная информация о SmashingMag:
1. Об искусстве — что это такое?
Этот вопрос возникает часто и имеет множество ответов. Многие утверждают, что искусство не может быть определено. Мы можем сделать это несколькими способами. Искусство часто считается процессом или продуктом преднамеренного расположения элементов таким образом, чтобы они обращались к чувствам или эмоциям. Он охватывает широкий спектр человеческой деятельности, творчества и способов выражения, включая музыку, литературу, кино, скульптуру и живопись.Смысл искусства исследуется в области философии, известной как эстетика. По крайней мере, так утверждает Википедия.
Искусство обычно понимается как любая деятельность или продукт, выполняемый людьми с коммуникативной или эстетической целью — что-то, что выражает идею, эмоцию или, в более общем смысле, мировоззрение .
Это компонент культуры, отражающий в своем дизайне экономические и социальные основы. Он передает идеи и ценности, присущие каждой культуре, в пространстве и времени.Его роль со временем меняется, приобретая здесь эстетический компонент, а там — социально-образовательную функцию.
Скотт Марр
Все, что мы сказали до сих пор, содержит элементы правды, но в основном это мнение. Согласно Википедии, «искусствоведы и философы искусства давно ведут классификационные споры об искусстве относительно того, следует ли классифицировать определенную культурную форму или произведение как искусство».
Определение искусства открыто, субъективно, спорно. Между историками и художниками нет единого мнения, поэтому у нас остается так много определений искусства. Сама концепция изменилась за столетия.
Само понятие искусства и сегодня продолжает вызывать споры, поскольку оно открыто для множества интерпретаций. Это может быть просто означать любую человеческую деятельность или любой набор правил, необходимых для развития деятельности. Это расширило бы концепцию за пределы того, что обычно понимается как изобразительное искусство, теперь оно расширено, чтобы охватить академические области. У этого слова есть много других разговорных значений.
В этой статье мы имеем в виду искусство как форму человеческого выражения творческой природы .
2. Эволюция концепции искусства
Хотя определение искусства изменилось с годами, область истории искусства развивалась, чтобы позволить нам классифицировать изменения в искусстве с течением времени и лучше понять, как искусство формируется и как сформированный творческими порывами художников.
В таком случае важно иметь твердое представление об истории искусства. Я поговорил с Александром Даниловым и Джонатаном Боллом о концепции искусства через историю и о том, возможно ли проследить линию через традиционное и современное искусство.
Александр Данилов — русский художник, живущий и работающий в Италии. Он специализируется на живописи, хотя работал в нескольких медиа. В последнее время работал над детскими иллюстрациями. Он участвовал в различных мероприятиях и конкурсах иллюстраций и иллюстрировал три книги. Он провел множество индивидуальных и групповых выставок в Италии, России, Голландии, Испании, Финляндии и США.
Джонатан Болл является творцом Poked Studio, инновационной компании, стремящейся разрабатывать креативные визуальные решения.И это еще не все: среди своих услуг Poked Studio предлагает иллюстрации; Веб-дизайн, графический и блог-дизайн; 3-D рендеринг и визуализация; графики движения; детская книжная иллюстрация; Flash-сайты; и игры.
Вопрос: Можем ли мы проследить линию от традиционного искусства к современному?
Александр Данилов: Я не думаю, что мы можем что-либо сказать, не впадая в полемику, даже я. Я придерживаюсь традиционного взгляда и предпочитаю произведения искусства, которые говорят о художнике или периоде.Я не могу объяснить, что такое современное искусство или, по крайней мере, чем оно должно быть. Да, вы можете провести линию от традиционного искусства к современному, но не прямую. Возможно, это парабола, которая идет вверх, а затем вниз, или спираль. Мы не знаем. Все, что мы можем сказать, это то, что рынок искусства развился, что влияет на само искусство. В том, что мы называем современным искусством, слова и объяснения всегда имеют большее значение.
Изобразительное искусство трансформировалось статьями и критическими эссе; Между тем сами произведения немели.В театре кураторы и критики заняли первые ряды. Это мой взгляд на разницу между современным искусством и традиционным.
Лично я предпочитаю искусство, измеряемое в человеческих измерениях: искусство, которое шепчет и не кричит, искусство, которое покрывает меня и заставляет летать, но не сокрушает. Но должен признаться, некоторые из этих современных вещей меня привлекают; например, настенная живопись (граффити) и абстрактные вещи.
Путешествие в реальные и мифологические эпохи, смена театральных костюмов и декора — часть стиля Александра Данилова.Стиль придает его картинам особую грацию, показывая как праздничную, так и драматическую стороны жизни на сцене. Стиль также пронизан сладкой иронией, которая встряхивает картину. Точность, гибкость в дизайне и тонкая цветовая гармония позволяют художнику перемещаться между различными художественными условностями, играя со светом и тенью, линией и цветом.
Джонатан Болл: Да, определенно [мы можем провести черту от традиционного искусства к современному]. Используются многие из тех же техник, только немного по-разному и с разными инструментами.Те же принципы применимы, как бы вы ни создавали искусство.
Я вижу линию, которая проходит через стилизованные формы японского искусства, такие как Хокусай, и современные стилизованные графические иллюстрации.
Вопрос: По сравнению с эволюцией традиционного искусства, как бы вы описали развитие цифрового (или новых медиа) искусства?
Джонатан Болл: Цифровое искусство, очевидно, развивалось намного быстрее, чем тысячи лет ручной работы.Целое поколение воспитывалось на «Фотошопе» и других инструментах, тогда как предыдущие поколения использовали ручку и карандаш.
Тем не менее, я считаю, что цифровое искусство все еще находится в зачаточном состоянии. Несмотря на то, что кажется огромным прогрессом в компьютерном оборудовании, общие вычисления и даже вычисления, доступные большинству дизайнерских студий, просто недостаточно быстры, чтобы легко воспроизводить искусство в масштабе и уровне детализации, возможном с помощью традиционных носителей. Сходите в любую национальную галерею, и вы увидите работы огромного масштаба.Попробуйте воспроизвести 10-футовый холст с разрешением нарисованного вручную произведения искусства в трехмерной программе, и вы обнаружите, что это не справляется. Фактически, большинству программ будет сложно отобразить детальное изображение, скажем, с разрешением 300 точек на дюйм и размером всего A4.
Хотя картина может показаться просто пятнами и пятнами, когда вы подойдете к ней поближе, узоры сами по себе красивы, полны цвета, интенсивности, насыщенности и текстуры. Подойдите ближе к цифровому искусству или к экрану телевизора, и вы увидите беспорядок искажений и артефактов.
Когда разрешение экрана сравняется с разрешением печатных носителей, и когда компьютерные технологии позволят нам легко создавать большие, высокодетализированные работы на высокой скорости, тогда цифровые технологии догонят традиционные носители.
Большая часть цифрового искусства начала 21 века предназначена для просмотра на устройствах с низким разрешением. Большая часть этого искусства устареет, когда в следующем столетии будут разработаны экраны и устройства с более высоким разрешением. И многое из того, что хранилось только на жестких дисках, будет потеряно навсегда, поскольку диски выходят из строя, а веб-сайты закрываются или разрабатываются заново.
Мне жаль, что так много великих произведений воспроизводится с таким ограниченным разрешением и масштабом и не сохраняется таким образом, чтобы сохранить их в безопасности для будущих поколений.
Джонатан Болл
Вопрос: Расскажите об искусстве и вашем любимом художественном движении.
Джонатан Болл: Сложно, потому что мне нравится очень много стилей. Но я считаю, что если я нахожусь в художественной галерее, я люблю современную живопись, потому что она таит в себе так много сюрпризов и менее предсказуема, чем предыдущие эпохи.
Мне нравятся необычные современные иллюстрации, особенно неброские художественные формы и смеси готики и мифологии.
3. Эстетика в цифровом искусстве
В середине 20-го века концептуальные преобразования, возникшие в результате новых подходов к искусству, привели к кризису эстетики, что проявилось в новых художественных медиа.
Альберто Черритеньо
Заимствуя многие условности традиционных медиа, цифровое искусство может опираться на эстетику из многих других областей. Но против него были высказаны различные критические замечания: например, учитывая разнообразие имеющихся в их распоряжении инструментов, сколько усилий на самом деле нужно прикладывать цифровым художникам к своей работе?
Я спросил Яна Виллема Веннекеса, также известного как Цептонн, высказать свое мнение по этому поводу.Он фрилансер, специализирующийся на иллюстративном дизайне и художественном руководстве, с акцентом на экологически чистые и экологические проекты.
Ян Виллем Веннекес: Вопрос кажется несколько двусмысленным. С одной стороны, возникает вопрос об усилиях, необходимых для создания цифрового искусства. То есть некоторые люди могут подумать, что использовать цифровые медиа для создания произведений искусства проще, чем традиционные медиа. С другой стороны, кажется, возникает вопрос, является ли цифровое искусство формой искусства само по себе (или, может быть, вообще?).
Что касается первого вопроса, я думаю, что работа с цифровыми носителями (в основном компьютер, мышь, Wacom, сканер, программное обеспечение и т. Д.) Не должна отличаться от создания произведений искусства на других носителях. Компьютер и все инструменты, созданные программным обеспечением, остаются тем, чем они являются: инструментами! Вы должны овладеть этими инструментами так же, как и любыми другими инструментами. Например, если вы не понимаете, как работает свет, вы не сможете создавать изображения с правильным освещением и т. Д. Если вы не знаете, как работает инструмент «Перо» в Illustrator, вы не сможете создавать хорошие иллюстрации, как традиционный художник, не умеющий пользоваться карандашом.Вам все еще нужно овладеть теорией цвета и всем остальным, что необходимо для создания хорошего или потрясающего произведения искусства. В этом смысле не имеет значения, картина это или гравюра. Проще говоря, вы должны овладеть всеми инструментами и теорией так же, как вам приходилось осваивать их раньше. И чем лучше вы их освоите, тем лучше будут ваши работы.
Ян Виллем Веннекес
Ян Виллем Веннекес: Теперь можно задаться вопросом, является ли цифровое искусство отдельной формой искусства. Это сложный вопрос, на который нелегко ответить.Я думаю, что разница здесь в том, что «цифровое искусство» — это скорее групповой термин, чем просто одна форма искусства. Существует много видов цифрового искусства: некоторые очень похожи на картины, некоторые — на фотографии, некоторые — на рисунки, а другие выглядят совершенно новыми и уникальными (например, произведения искусства, созданные компьютером). Таким образом, в некотором смысле цифровое искусство состоит как из пересекающихся, так и из новых видов искусства.
Фотография когда-то рассматривалась как конкурент портретной живописи, но в конце концов она стала самостоятельной формой искусства с множеством направлений и сфер интересов.Фактически, живопись выиграла от развития фотографии, и каждая из них добавляла друг друга и возобновляла интерес к искусству в целом. В настоящее время мы не рассматриваем фотографию как конкурента живописи; мы рассматриваем их как разные средства массовой информации с разными преимуществами и недостатками. Я думаю, что то же самое можно сказать и о новых формах цифрового искусства. Работу
Zeptonn можно охарактеризовать как позитивную, экологичную, простую, дурацкую, красочную, фантастическую и иллюстративную. Он отличается нарисованными вручную элементами, милыми узорами и пышными линиями.И вы можете обнаружить, что тут и там появляются какие-то существа. Чтобы узнать больше, посетите его веб-сайт или подпишитесь на него в Twitter.
4. Искусство в том виде, в каком мы его знаем сегодня
ХХ век стал поворотным моментом в нашей концепции искусства, поэтому современные художники часто тянутся к новым концепциям, ломают традиции и отвергают классические представления о прекрасном. Все эти факторы породили абстрактное искусство. Художник больше не пытается отражать реальность, а пытается выразить свой внутренний мир и чувства.
Старые определения искусства устарели. Сегодня искусство — это развивающаяся и глобальная концепция , открытая для новой интерпретации, слишком изменчивая, чтобы ее можно было определить.
Дэн Май
Я взял интервью у Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы исследовать новые элементы современного искусства и ответить на вопрос, какие новые элементы и принципы очевидны в современном искусстве.
Нейт Уильямс, также известный как Александр Блю, — художник, иллюстратор и дизайнер из США. У него большой опыт работы в различных сферах индустрии иллюстрации, и у него есть множество клиентов.Его иллюстрации ориентированы как на взрослых, так и на детей. Он также работал в сфере рекламы и издательского дела, музыки, моды, текстиля, домашнего декора, мерчендайзинга, плакатов, прессы и социального самовыражения.
Трэвис Лампе — иллюстратор, который в настоящее время живет и работает в Чикаго. Работал арт-директором в рекламе. После двухлетнего пребывания в Варшаве он вернулся в Чикаго и попробовал свои силы в области искусства и иллюстрации. Ему нравится создавать произведения искусства и игрушки, и он выставлялся в прекрасных галереях США и Европы.
Вопрос: Какое влияние на вашу работу оказывают новые медиа? Как вы относитесь к цифровому искусству? Вы считаете себя традиционным художником?
Джонатан Болл: Он имеет большое влияние. Я думаю, что благодаря моим познаниям в программировании это влияет на мою работу. Я думаю в терминах модульных частей и переменных.
Нейт Уильямс: «Мое определение искусства — играть, проявлять любопытство, открывать, выражать».
Трэвис Лампе: Я традиционный художник — я работаю акрилом, но я бы не смог работать без компьютеров.Например, когда я разрабатываю игрушки, я использую компьютеры для сканирования и создания векторной графики из моих оригинальных картин. Однако я не создаю цифровое искусство само по себе. Чисто цифровая работа может быть красивой, но для меня есть ценность в наличии осязаемого и уникального продукта, а не набора данных.
Однако, несомненно, в моем традиционном искусстве на меня повлияло знакомство с идеями, которые я обнаружил в Интернете. Это отличное место, например, для поиска старинных мультфильмов.
Вопрос: Трэвис, если когда-то целью искусства было создание красоты и подражание природе, то сегодня концепция динамично развивается и постоянно меняется.На ваш взгляд, как Интернет и новые способы общения повлияли на развитие изобразительного искусства, его концептуальные предпосылки и его физическое исполнение?
Трэвис Лампе: Интернет больше всего влияет на развитие искусства, просто открывая большему количеству людей больше искусства. К сожалению, многие из них действительно ужасны, как и следовало ожидать. Любой, у кого есть шариковая ручка и цифровой фотоаппарат, может выложить свои работы на всеобщее обозрение. И это нормально. Я думаю, что крем просто естественно поднимается наверх.Идеи по-прежнему важны, гораздо важнее, чем технические навыки, и Интернет нисколько этого не изменил. Я видел много рисунков с шариковой ручкой, которые мне действительно нравятся.
Что касается физического исполнения, то оно развивалось так же, как и всегда: как только появляется новый носитель, возникает борьба за его использование по-новому и творчески. Я не знаю, повлиял ли Интернет на физическое исполнение произведений искусства так сильно, как сами компьютеры. Это просто упростило распространение.
Трэвис Лампе
Больше общения — отличный способ PR и в этом смысле большой подспорье для художников.И больше общения должно означать больше идей, возникающих вокруг, что в идеале должно привести к лучшему концептуальному мышлению. Но большая часть «общения» — пустяк. И я думаю, что есть порог, за которым постоянная связь перестает быть полезной. Художникам нужно какое-то разрозненное время, чтобы творческие идеи слились воедино. Думаю, успешные художники — это те, кто дисциплинирован и способен уравновесить все это.
Вопрос: Можно ли сказать, что искусство и новая социальная сеть связаны? Являются ли социальные сети эффективным способом улучшения творческих сообществ?
Джонатан Болл: Конечно.Искусство связано со всем в нашей среде, что влияет на его создателей. Что касается социальных сетей, я думаю, что возможность лучше общаться — это всегда улучшение.
Трэвис Лампе: Социальные сети отлично подходят для обмена результатами; Это позволило мне постоянно общаться и видеть работы других художников, которыми я восхищаюсь. И это делает долгую работу в подвале немного менее уединенным занятием, когда вы можете показать миру, что вы сделали, сразу после того, как закончили.С другой стороны, социальные сети постоянно отвлекают. Когда я хочу закончить работу, я отключаюсь. Так что я люблю это и ненавижу одинаково.
5. Революция новых медиа и ее отношение к художникам
Изобразительное искусство включает в себя множество форм искусства, наиболее широко признанными являются живопись, рисунок, скульптура, музыка, литература и исполнительское искусство. Однако с технологической революцией появились и другие формы.
Леандро Лима
Итак, каковы именно отношения между этими новыми формами выражения и современными художниками? Макс Костенко и Пино Ламанна любезно ответили на мои вопросы, что позволило нам разобраться в теме.
Макс Костенко — российский иллюстратор. Он специализируется на трехмерной цифровой иллюстрации и дизайне персонажей. Он работает фрилансером во многих российских студиях и агентствах по всему миру, таких как «Котеткат» и «Лимонад».
Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.
Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?
Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко.Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.
Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.
В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей.На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.
Первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.
Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства.Позже я переключился на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.
Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?
Макс Костенко: В своей работе я использую только Photoshop. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.
Макс Костенко
Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным делом для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.
Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.
Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.
Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.
Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?
Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.
Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.
Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?
Макс Костенко: Самое главное — это основная идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.
Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.
Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.
Пино Ламанна
При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.
Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.
Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.
Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.
Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)
Позже у меня появился некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако так и не попал в All City Kings.
Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.
Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?
Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковке и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.
Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.
6. Общение и самореклама в новой сети
Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.
Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэн, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.
Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.
Алекс Дукал — иллюстратор, родился и вырос в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.
Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.
Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.
Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?
Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.
Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком большом количестве мест, хотя, безусловно, существует порог рассудка. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.
Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с вашими коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.
Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.
Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.
Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.
Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.
Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?
Боб Флинн: Я регулярно размещаю иллюстрации в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию во время работы, и это сделает публикации более интересными.
Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.
Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.
Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал в своем блоге сообщение о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.
Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?
Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).
Алекс Дукал: Да, конечно, как художник-фрилансер, самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.
Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.
Я думаю, что такую стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).
Alex Dukal
Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.
Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они будут следовать за вами, если им понравится то, что они видят.
Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?
Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галереи (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.
Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.
Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?
Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы.Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.
Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.
В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю.Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.
Первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.
Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключился на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.
Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?
Макс Костенко: В своей работе я использую только Photoshop. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.
Макс Костенко
Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным делом для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.
Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.
Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.
Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.
Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?
Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.
Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.
Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?
Макс Костенко: Самое главное — это основная идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.
Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.
Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.
Пино Ламанна
При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.
Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.
Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.
Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.
Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)
Позже у меня появился некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако так и не попал в All City Kings.
Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.
Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?
Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковке и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.
Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.
6. Общение и самореклама в новой сети
Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.
Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэн, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.
Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.
Алекс Дукал — иллюстратор, родился и вырос в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.
Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.
Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.
Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?
Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.
Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком большом количестве мест, хотя, безусловно, существует порог рассудка. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.
Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с вашими коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.
Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.
Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.
Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.
Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.
Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?
Боб Флинн: Я регулярно размещаю иллюстрации в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию во время работы, и это сделает публикации более интересными.
Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.
Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.
Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал в своем блоге сообщение о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.
Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?
Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).
Алекс Дукал: Да, конечно, как художник-фрилансер, самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.
Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.
Я думаю, что такую стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).
Alex Dukal
Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.
Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они будут следовать за вами, если им понравится то, что они видят.
Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?
Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галереи (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.
Алекс Дукал: Вовсе не на оба вопроса. Десять лет назад, если кто-то предлагал вам показать некоторые из ваших работ в онлайн-галерее, это было мило и лестно. Сегодня я думаю, что нам нужно быть осторожными, потому что критерии отбора часто не так хороши, и на эти детали также нужно обращать внимание. Если вы разместите свою работу не в том месте, это может иметь отрицательный результат. В принципе, доверие должно исходить от самой работы.
Jayme McGowan: У меня есть профиль на Illustration Mundo, отличном веб-сайте, который функционирует в основном как каталог иллюстраторов, а не как галерея как таковая. Честно говоря, я не участвую ни в каких онлайн-галереях. Я уверен, что это отличный способ получить обратную связь от коллег, но не уверен, что это повысит доверие к вам как к профессионалу. Я сам могу поддерживать только определенное количество веб-страниц, поэтому стараюсь ограничить их теми, от которых я получаю наибольшую выгоду, теми, где, как мне кажется, меня могут найти арт-директора и покупатели.
Джейми МакГоуэн
Крис Пьяскик — внештатный дизайнер и иллюстратор, который активно участвует в дизайнерском сообществе. Обладая шестилетним профессиональным опытом в отмеченных наградами фирмах Новой Англии, он опубликовал работы в многочисленных книгах и публикациях, включая серию Logo Lounge , Typography Essentials и Lettering: Beyond Computer Graphics . В настоящее время он ежедневно размещает рисунки на своем веб-сайте.
Ирма Грюнхольц — испанский иллюстратор, специализирующаяся на глине и других материалах, что позволяет ей работать с объемами.Ее работы используются в книгах, журналах, рекламе и интернет-маркетинге.
Вопрос: Принимаете ли вы активное участие во всех социальных сообществах, к которым вы присоединились? Сколько времени вы выделяете для общения в социальных сетях? Обязуетесь ли вы регулярно публиковать новые работы и личные обновления?
Chris Piascik: Я остаюсь активным во многих социальных сообществах. Признаюсь, я присоединился к некоторым, но не успевал за ними! Я не особо выделяю время для общения в социальных сетях, хотя, вероятно, это хорошая идея.Вместо этого я разбрасываю его в течение дня, будь то просмотр Twitter на моем iPhone при экспорте большого файла на моем компьютере или откладывание начала нового проекта. Все дело в многозадачности! Я думаю, что самое большое, что помогло мне в социальных сетях, — это мои ежедневные рисунки. Я размещаю новый рисунок с понедельника по пятницу на Flickr, а затем размещаю его на своем личном веб-сайте, и эти обновления поступают в мои учетные записи Twitter и Facebook.
Chris Piascik
Irma Gruenholz: Да, у меня есть блог, и я участвую в некоторых социальных сообществах, таких как Flickr и Behance.К сожалению, у меня не так много времени для очень активного присутствия. Я хотел бы посвятить больше времени, потому что это хороший способ не отставать и видеть работы других художников.
Вопрос: В настоящее время какое сообщество является наиболее ценным для поиска работы?
Chris Piascik: Я думаю, что большинство существующих сетей имеют ценность. Я действительно думаю, что Flickr работает действительно хорошо. Моя страница Flickr, похоже, привлекает больше всего трафика из всех моих веб-сайтов.Flickr настолько обширен, что многие люди используют его для исследования изображений. Я думаю, что мои ежедневные обновления помогают мне не потеряться в работе.
Ирма Грюнхольц: Судя по личному опыту, Behance — хорошая платформа для демонстрации ваших работ арт-директорам и покупателям произведений искусства. Я немного поработал над этим.
Вопрос: Насколько важно создавать сообщения, которые вы отправляете, и поддерживать профессиональный вид вашего веб-сайта?
Крис Пяскик: Я не подвергаю себя цензуре так часто.Я считаю, что сохранять честность — это хорошо. Моя работа имеет некоторую индивидуальность; многое из этого имеет нечеткое качество — сочетание этого с холодным или профессиональным присутствием в сети могло бы показаться странным. Расширение ваших социальных сетей требует, чтобы вы были собой… до тех пор, пока «самим собой» интересно!
Ирма Грюнхольц: Для художника очень важно присутствие в Интернете. Это лучший способ показать свою работу остальному миру. Так что обновляйте свой веб-сайт и упростите общение с людьми, которые хотят следить за вашей работой.
Ирма Грюнхольц
Вопрос: Как вы находите время для социальных сетей? Вы привержены только тем веб-сайтам, от которых вы можете получить какую-то профессиональную выгоду?
Крис Пяскик: Я полностью перестал спать. Я просто поливаю его в течение дня. Это хороший способ начать свой день за чашкой кофе или за обедом. Я бы не сказал, что ограничиваю себя только веб-сайтами, которые приносят мне пользу, хотя я считаю, что все сети помогают. Видимость — это видимость.Я использую социальные сети, чтобы оставаться на связи с друзьями, так что это не совсем мое дело.
Ирма Грюнхольц: У меня мало времени для социальных сетей, поэтому я предпочитаю сосредоточиться на сообществах, связанных с моей профессией.
Избранные художники
Чтобы понять значение искусства и его эволюцию с течением времени, я взял интервью у Александра Данилова и Джонатана Болла. Чтобы изучить эстетику цифрового искусства, я поговорил с Яном Виллемом Веннекесом, который затронул некоторые важные моменты, связанные с различиями между цифровыми художниками и другими художниками, а также с природой самого цифрового искусства.
Я также представляю Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы узнать больше об их работе и их отношении к технологиям, включая инструменты цифрового искусства и социальные сети, а также изучить, как Интернет влияет на развитие искусства.
Чтобы лучше понять взаимосвязь между современными художниками и новыми методами и инструментами для создания искусства, я взял интервью у Макса Костенко и Пино Ламанны. Я сосредоточился на их творческом процессе и профессиональном опыте, от их начала работы до их нынешних источников вдохновения.
Наконец, я взял интервью у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяскика и Ирмы Грюнхольц, спросив их мнение о проблемах, с которыми сталкиваются художники при продвижении себя и своей работы в новой сети, пытаясь запечатлеть свой опыт общения в социальных сетях онлайн-арт-сообщества.

Как правильно пишется слово «искусство»

Значение слова «искусство»

Происхождение слова «искусство»

Морфологические и синтаксические свойства

Примеры предложений со словом «искусство»

«Искусство», «искуство» или «исскуство»: как пишется слово?

Как правильно пишется слово?

Значение слова «искусство»

Примеры предложений

Как правильно: «искусственный», «искуственный» или «исскуственный»?

Примеры предложений

Ошибочное написание слов «искусство» и «искусственный»

Как правильно пишется слово «искусство»?

Как правильно пишется

Какое правило применяем

Примеры предложений

Неправильно пишется

Значение слова

Заключение

Как правильно начать выступление на публике? Актерские техники в публичных выступлениях.

Где и как правильно расположить искусство. | Искусство для интерьера

Человек гуляющий – Weekend – Коммерсантъ

Ричард Лонг. «Протоптанная линия», 1967

Хэмиш Фултон. «Прогулка 2: морской бассейн в Маргейте», 2010

Марина Абрамович и Улай. «Любовники. Прогулка по Великой Китайской стене», 1988

Учимся понимать искусство / Виды искусства. Часть 2. 10–12 лет

Влияние «правого полушария мозга на левое полушарие» на ст.

Что такое теория правого полушария левого полушария?

Как теория правого полушария мозга имеет отношение к художникам

«Рисунок на правой стороне мозга» Бетти Эдвардс

Есть ли правильный или неправильный способ заниматься искусством?

Вывод номер один из сегодняшней истории: существуют произвольные правила, которых мы придерживаемся, когда дело касается нашего искусства.

Сегодня вывод номер два заключается в том, что даже когда мы гордимся работой, которую создаем, у нас могут быть моменты неуверенности в ней.

Уберите номер три: я хочу, чтобы мои вышивки спереди и сзади были метафорой жизни.

Free Art Challenge: создайте оригинальное произведение искусства за 10 дней

Сила искусства прямо сейчас

тегиArtArtswatchfine artнациональная галереяНациональная галерея искусств

Права художника

Основы

Наемная работа

Оригинальность

Интернет-права

Статья об изъятии

пародия

Что такое специальность «искусство» и подходит ли она мне? | Советы по карьере и собеседованию

5 способов, которыми художники могут изменить мир к лучшему прямо сейчас

Об искусстве — Что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine

Дополнительная информация о SmashingMag:

1. Об искусстве — что это такое?

2. Эволюция концепции искусства

3. Эстетика в цифровом искусстве

4. Искусство в том виде, в каком мы его знаем сегодня

5. Революция новых медиа и ее отношение к художникам

6. Общение и самореклама в новой сети

6. Общение и самореклама в новой сети

Избранные художники

Добавить комментарий Отменить ответ