Что такое музыкальный ряд: Недопустимое название

Содержание

Музыкальный ряд

В 2017 году в России начала работать некоммерческая организация RUSH, помогающая продвигать молодых отечественных музыкантов на европейский рынок. Она уже провела несколько российских шоукейсов на крупных международных фестивалях. Впрочем, успех зависит не только от маркетинга.

«Продвижение российского музыканта за рубеж — его собственная головная боль, страх и риск», — говорит сооснователь инициативы RUSH Денис Бояринов. В большинстве стран Европы артистам в этом помогают специальные экспортные агентства, которые поддерживает государство. В Швеции, например, этим занимается агентство Export Music Sweden — оно устраивает выступления артистов на зарубежных фестивалях, проводит образовательные семинары, помогает музыкантам получать правительственные гранты. В 2014 году доходы от экспорта составляли 18 % от общего объема музыкальной индустрии в стране. В России системно такой деятельностью пока никто не занимается. Правда, для некоторых частных рекорд-лейблов, продюсерских агентств, букинг-агентств продвижение своих артистов за пределы страны — важная часть бизнес-стратегии.

Но дело это сложное, рискованное и требующее больших инвестиций. «Кроме этого, Министерство культуры выдает гранты на зарубежные гастроли академических музыкантов, — указывает Бояринов. — Но современную российскую музыку, к сожалению, ведомство не считает продуктом, интересным для экспорта».

В этом смысле RUSH — инициатива уникальная, в том числе вследствие своей некоммерческой направленности. «Мы мониторим музыкальный рынок и появляющиеся на нем таланты, — раскрывает Бояринов задачи организации. — Тех, кто обладает наибольшим экспортным потенциалом, отбираем для последующего продвижения за пределами страны». Отбор происходит раз в год: объявляется прием заявок и в результате внутреннего голосования формируется пул интересных проектов — до семи участников. Ограничений по жанру и по возрасту нет, но проект должен быть активно действующим и находиться «на стадии роста» (не более пяти выпущенных альбомов и не более 50 тыс. фолловеров в сети «ВКонтакте» и 15 тыс. в Facebook).

В голосовании участвуют российские и иностранные эксперты, в составе экспертной комиссии — лидер «Мумий Тролль» Илья Лагутенко, критик Артемий Троицкий, букеры европейских фестивалей The Great Escape, Liverpool Sound City, Focus Wales Festival и другие.

«Мы не букинг-агентство, которое организует артистам появление на фестивалях и зарубежные гастроли, и не продюсерское агентство, которое «лепит» звезд, — подчеркивает Денис Бояринов. — Наша цель — помочь музыкантам найти тех заинтересованных европейских профессионалов, которые смогут развить их карьеру дальше. Главное, чем мы хотим и можем поделиться, — ноу-хау, как интегрироваться в эту систему и наиболее эффективно с ней взаимодействовать. Перефразируя известную поговорку, мы не даем артистам рыбу, мы даем им удочки». Нынешняя стратегия RUSH заключается в появлении отобранных музыкантов на ключевых фестивалях для uprising artists («восходящих звезд») — таких как британский The Great Escape, голландский Eurosonic Noorderslag и других.

Для этого агентство устраивает на них шоукейсы со своими музыкантами, организует рекламу и пиар-сопровождение, лоббирует российские таланты профессионалам международной индустрии и ведет направленные на зарубежные рынки промокампании. «Дальше дело за самим артистом, за его музыкой и, что немаловажно, за фортуной», — говорит эксперт.

Музыкальный журнал Европейского Севера

Петрозаводская государственная консерватория имени А. К. Глазунова предлагает отечественным и зарубежным исследователям (докторантам, аспирантам, соискателям учёных степеней, учёным, преподавателям) опубликовать результаты своей научно-исследовательской и научно-практической деятельности в научном электронном журнале «Музыкальный журнал Европейского Севера».

Основной целью данного периодического научного издания является публикация исследований по проблемам истории, теории и исполнительской практики музыкального искусства. Задачи издания:

отразить результаты научно-исследовательской и научно-практической деятельности отечественных и зарубежных учёных, соискателей учёных степеней;
осветить проблемы и тенденции современной музыкальной науки в разных ракурсах: история и теория музыки, социология и психология музыкального восприятия, философия музыки, этномузыкология, музыкальное источниковедение и текстология, музыкальный менеджмент;
организовать открытую научную дискуссию, способствующую повышению качества диссертационных исследований, эффективности экспертизы научных работ;
обеспечить информационное сопровождение научных инновационных проектов в сфере музыкальной культуры;
совершенствовать издательскую деятельность Петрозаводской государственной консерватории имени А. К. Глазунова в научно-исследовательской сфере в соответствии с требованиями, предъявляемыми Высшей аттестационной комиссией Министерства образования и науки РФ, а также международных индексов научного цитирования, в частности Web of science, Web of Knowledge, Scopus.

Редакция журнала принимает научные статьи по тематике:

Современные проблемы музыкознания и композиторского творчества;
Исторические и современные формы музыкальной практики;
Классическая музыка в современном мире;
Музыкознание в контексте гуманитарных наук;
Этномузыкальные культуры финно-угорского мира;
Музыкальная культура Европейского Севера;
Образовательные технологии в творческом вузе.

Редакция также принимает к публикации рецензии на издания (монографию, учебник, учебное пособие) и материалы обзорного характера научной жизни.

Журнал выпускается четыре раза в год. Все материалы проходят процедуру рецензирования, что призвано обеспечить качество публикуемых в журнале научных статей в области музыковедения.

Главные изобретения в классической музыке • Arzamas

Струна Пифагора, гвидонова рука, скрипка, фортепиано, метроном, граммофон и теории, без которых классическая музыка в ее сегодняшнем виде не состоялась бы

V в. до н. э.
1027
1481
1580
1560
1709
1722
1815
1877
1923

Около V века до н. э.

Изобретение монохорда

Гвидо д’Ареццо обучает игре на монохорде епископа Теобальда. Миниатюра из кодекса XI века

Изобретение инструмента для точного построения музыкальных интервалов приписывается Пифагору. Впервые его принцип действия был описан Евклидом полтора столетия спустя, но вплоть до эпохи Возрождения монохорд оставался главным инструментом теоретиков. Он представлял собой одну-единственную струну с подвижным зажимом, который двигался на нижней оси, параллельной струне, вдоль всей ее длины сообразно нанесенной на основании шкале делений. Инструмент часто даже не имел резонатора. В отличие от других музыкальных инструментов античности он никогда не звучал в храмах и на площадях. Однако именно ему было суждено сыграть судьбоносную роль в истории музыки.

Дело в том что с помощью этого нехитрого прибора пифагорейцы впервые установили математические основания музыкальной гармонии. По мнению греков, музыкальная гармония являлась частью всеобщей гармонии мира, в основании которой лежат числа. С помощью этого прибора были рассчитаны математические соотношения музыкальных интервалов в натуральном строе

Натуральный строй — строй, основанный на ряду так называемых обертонов. Обертоны получаются делением звучащего тела, например струны, на равные части в соотношении 1:2 (образуется обертон, звучащий в интервале октавы от основного тона), 3:2 (следующий обертон, звучащий в интервале квинты от предыдущего обертона) и т. д. В результате получается ряд, гармонический по отношению к основному тону. На основе этих интервалов строится диатоническая гамма.

Однако акустически чисто в этом строе будут звучать только те интервалы, которые находятся в непосредственном отношении к избранному основному тону. Другие интервалы диатонической гаммы будут звучать фальшиво. и разработана теория музыкальных ладов Лад — центральное понятие учения о гармонии, музыкальная гамма, основанная на системе интервалов, существующих в том или ином строе (натуральном, чистом, темперированном). Диатонические лады основаны на специфическом чередовании тонов или полутонов и имеют семь ступеней, установленных изначально в результате использования интервалов натурального ряда (см. предыдущую сноску). Диапазон, или ладовый модуль современных ладов, — интервал октавы, то есть при достижении звука, находящегося в соотношении 1:2 по отношению к начальному звуку лада, мы достигаем его границы. На практике в этом можно убедиться, используя, например, только белые клавиши фортепианной клавиатуры. Проигрывая последовательности из семи звуков от любой из белых клавиш, начиная каждый раз от следующей, мы получим семь видов диатонической гаммы, в которых тона и полутона чередуются в разном порядке.

Восьмое перемещение нас вернет к исходной комбинации тонов или полутонов. Впервые эта система была выведена и описана еще Птолемеем. Звук, с которого мы начинаем играть каждую из семиступенных последовательностей, считается (во всяком случае, в русском музыковедении) устоем лада, или его основным тоном.

Диапазон, или ладовый модуль, не обязательно может быть равен октаве. Кроме диатонических ладов существуют еще хроматические (состоящие из равных полутонов), целотоновые (состоящие из равных целых тонов), октотонные (состоящие из равномерного чередования «тон — полутон») и другие, являющиеся плодами композиторских изобретений или заимствованиями композиторов из фольклорной практики, что имело место только во второй половине XIX — ХХ веке. Деление октавы на равные полутона (хроматическая гамма) лежит в основании функциональной гармонии и тональности XVIII–ХХ веков, равномерной темперации, а также дает возможность сочинения музыки вне тональности (см. ниже Додекафония).

1027 год

Появление прообраза современной линейной нотации

Гвидонова рука из итальянского литургического сборника. Кодекс 1450–1499 годов

Создание прообраза современной линейной нотации и сольмизации (сольфеджио) итальянским ученым, композитором и педагогом Гвидо д’Ареццо в первую очередь было шагом к ликвидации разрыва между теорией и практикой того времени. Линейная нотация явилась важнейшим шагом вперед, если сравнивать ее с более старой, так называемой невменной нотацией Невменная нотация — тип вокальной нотации, в которой основным элементом нотной графики служит невма. Невма может соответствовать одной ноте или совокупности разновысотных нот, образующих мелодическую фразу. Точное высотное и ритмическое значение невмы (в отличие от школьной пятилинейной тактовой нотации), как правило, определить невозможно. , использовавшейся в Европе начиная с IX столетия. Новую систему записи дополняла специальная мнемотехническая система, называемая гвидоновой рукой, где порядок следования звуков определялся по костяшкам и кончикам пальцев. Звуки впервые были отделены от слогов пропеваемого текста и получили универсальные названия, взятые, впрочем, тоже из начальных слогов гимна святому Иоанну. Музыкальное обучение, таким образом, встало на научную основу. Оно резко упростилось, покончив с изустной передачей колоссальных объемов информации.

Также необходимо уточнить, что Гвидо открыл только сам принцип: до создания нотных символов в том виде, к которому мы привыкли, оставалось еще целых шесть столетий. Да и названий нот у Гвидо было всего шесть — седьмая была прибавлена позднее Это была нота си, дополнявшая гамму до полного диапазона октавы; во времена Гвидо использовалась шестиступенная система. .

1481 год

Впервые использован печатный станок для тиражирования нот

Cтраницы сборника «Сто сладкогласных песен» Оттавиано Петруччи. Венеция, 1501 год

Это сделал итальянец Оттавиано Скотто, напечатав миссал Миссал — богослужебная книга Римско-католической церкви, содержащая последования мессы с сопутствующими текстами. с деревянных досок. Ровно 20 лет спустя, в 1501 году, его соотечественник Оттавиано Петруччи (1466–1539) впервые применил наборный шрифт для печати нот и получил от Венецианской республики 20-летнюю монополию на их
издание Имя Оттавиано Петруччи получила в наше время крупнейшая сетевая нотная библиотека (по аналогии с проектом «Гутенберг»).. Первым нотным изданием Петруччи стал сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором были опубликованы светские многоголосные сочинения выдающихся композиторов того времени — Обрехта, Окегема, Депре, Тинкториса и других. Вплоть до изобретения грамзаписи и радио нотная печать стала главным и чуть ли не единственным средством распространения музыки в Европе.

1580–90-е годы

Изобретение равномерной темперации

Со времен Пифагора (см. Монохорд) музыка пользовалась натуральным
строем Натуральный строй — строй, основанный на ряду так называемых обертонов. Обертоны получаются делением звучащего тела, например струны, на равные части в соотношении 1:2 (образуется обертон, звучащий в интервале октавы от основного тона), 3:2 (следующий обертон, звучащий в интервале квинты от предыдущего обертона) и т. д. В результате получается ряд, гармонический по отношению к основному тону. На основе этих интервалов строится диатоническая гамма. Однако акустически чисто в этом строе будут звучать только те интервалы, которые находятся в непосредственном отношении к избранному основному тону. Другие интервалы диатонической гаммы будут звучать фальшиво.. Однако человеческий слух устроен таким образом, что в условиях многоголосия (когда некоторые интервалы берутся певцами или певцом и инструментом совместно) или при переходе из одной тональности в другую мы будем воспринимать некоторые сочетания как фальшивые Ведь все интервалы в ладу будут иметь разные соотношения частот, а самый мелкий — полутон, или малая секунда, — целых три: 15:16, 128:135, 24:25. . Во времена господства вокальной одноголосной музыки все эти перерасчеты в основном оставались на бумаге, но с прибавлением к хору органа, требовавшего точной настройки, начались первые проблемы. С развитием инструментальной музыки в эпоху Возрождения фальшь стала невыносимой. Изобретались различные способы исправления «ошибки природы» — в частности, за счет варьирования ширины основных интервалов. Эта ширина просто-напросто усреднялась до определенного приемлемого значения. Так и родилось понятие темперации, что в переводе с латыни означает «успокоение».

Имелось в виду не столько успокоение как уменьшение числа биений в неприятных на слух диссонансах («как будто воет ужасный волк» — распространенная метафора музыкальных мастеров эпохи Возрождения), сколько успокоение человеческого слуха. Выбирался опорный интервал, чаще всего квинта Квинта — музыкальный интервал шириной в пять ступеней., и для разных квинт (всего их получается двенадцать) рассчитывалось свое соотношение с оптимальным числом биений, а потом к этой системе приспосабливали и все остальные интервалы. Примерно в такой последовательности и по сей день работают настройщики. Однако в конце XVII века сразу несколько крупных ученых поставили вопрос о создании такого строя, в котором бы все интервалы воспринимались слухом как равные между собой, начиная с самого мелкого — полутона (то есть 1/12 части октавы). Нельзя с точностью сказать, кто был автором формулы расчета равномерной темперации, так как мы встречаем ее у разных авторов.

Как и в случае с другими изобретениями, рассчитанными на унификацию той или иной музыкальной технологии, равномерная темперация дала мощный толчок композиторам, которые стали использовать систему равных полутонов для получения самых смелых звукосочетаний. С другой стороны, равномерная темперация вызвала законные возражения музыкантов-исполнителей, в первую очередь струнников, справедливо утверждавших, что естественные тяготения тонов в строе с равномерной темперацией друг к другу в мелодиях звучат беднее и суше.

По последним данным, еще Бах использовал разные системы неравномерной темперации. Однако все конструкции музыкальных инструментов начиная с середины XVIII столетия строились с учетом темперации равномерной, кроме струнных смычковых, конструкция которых в принципе к этому строю не может быть приспособлена. Последними «натуральными» инструментами симфонического оркестра оставались медные (местами до начала ХХ века), но дальнейшее усовершенствование их устройства также не оставило им шанса. Только в вокальной музыке (везде в фольклоре и иногда в церкви) уцелел натуральный строй.

1560-е годы

Инструменты скрипичного семейства

Струнные смычковые инструменты из трактата Афанасия Кирхера «Musurgia universalis». 1650 год

Вопреки еще недавно широко распространенному мнению, скрипка не являлась продуктом спонтанного усовершенствования и гибридизации ранее существовавших смычковых (различных виол, фиделя или ребека), а была сознательным изобретением принципиально нового инструмента, соответствовавшего самым свежим (к середине XVI века) данным из области физики и акустики. Четыре струны, настроенные по квинтам Квинта — музыкальный интервал шириной в пять ступеней., давали возможность быстрой и удобной унификации положения пальцев на грифе. По сравнению с виолой скрипка обладала гораздо более мощным и насыщенным звуком.

Как и в случае с аналогичными изобретениями, у этого было сразу несколько авторов Предположительно, Микели Пеллегрино, Николо Фонтана и Андреа Амати., а развитие и совершенствование скрипичного строительства в XVII веке привело к появлению в первой половине XVIII века знаменитых инструментов Страдивари и Гварнери. Инструменты виольного семейства получили мощный конкурирующий клан, борьба с которым была проиграна как раз к эпохе Гварнери (вторая четверть XVIII века). Все скрипичное семейство было создано сразу целым комплектом, первоначальный состав которого был такой: сопрановая скрипка, альтовая, теноровая, басовая. Диапазон инструментов приблизительно соответствовал диапазонам певческих голосов — абсолютное господство вокальной музыки и аккомпанирующая роль инструментов в XVI веке все еще были суровой реальностью. Позднее тенор выпал из этого комплекта, зато появился контрабас, созданный Микеле Тодини сто лет спустя Правда, об этом изобретении забыли вплоть до времени формирования классического оркестра (1750-е годы).. В отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).

1709 год

Изобретение фортепиано

Большое фортепиано Бартоломео Кристофори. Флоренция, 1720 год

Бартоломео Кристофори изобретает фортепиано, принципиально изменив конструкцию известного с XV века клавесина. В клавесине при нажатии клавиши на струну ее задевало специальное перышко, что не давало возможности управлять силой звука и протяженностью. Единственным выразительным средством клавесинистов была артикуляция Артикуляция — связное или раздельное извлечение звуков, мельчайшие изменения темпа внутри такта или даже одной счетной доли. , а также применение огромного количества мелодических украшений (мелизмов), призванных в первую очередь продлить или акцентировать тот или иной звук (например, трель). Для того чтобы разнообразить динамику и характер звука, подключались другие наборы струн, управлявшиеся с другой клавиатуры (как в органе). В инструменте Кристофори по струне ударял молоточек, сила удара которого зависела от силы нажатия клавиши. Поэтому он и получил название «клавесин с тихим и громким звуком» (по-итальянски di piano e forte, откуда произошло современное название фортепиано). Колебания струны можно было гасить глушителем (демпфером), а можно было оставлять звучать, нажимая на педаль или отпуская ее. Усовершенствования механики и резонансной части начали появляться уже в первое десятилетие существования новинки, а к 1858 году этот инструмент приобрел свой современный вид. За это время фортепиано стало самым массовым инструментом, которым и продолжает оставаться до сих пор, впрочем сдавая свои позиции электропианино.

1722 год

Появление функциональной гармонии

«Трактат о гармонии, сведенной к ее природным принципам» Жана Филиппа Рамо. 1722 год

Первоначально европейская профессиональная музыка была одноголосной и модальной, то есть основанной на том или ином ладу Первичное представление о ладах, которыми пользовались в Средневековье (их также иногда называют церковными), может получить любой, сыграв последовательность из семи звуков подряд от каждой из семи белых клавиш октавы., с единственным устоем, звучащим только в начале и в конце сочинения. С развитием многоголосной музыки независимые линии голосов стали образовывать аккорды, но аккорд еще долго не воспринимался отдельно от голосовых линий, что довольно сложно понять современному слушателю, привыкшему воспринимать музыку как последовательность аккордов. (На отбор устойчивых, эффектных и запоминающихся последовательностей аккордов ушел весь XVII век. ) Более того, четыре из шести наиболее употребительных ладов просто исчезли из обращения и сменили названия. Теперь для нас это мажор и минор.

Французский композитор и теоретик эпохи барокко Жан Филипп Рамо в своем «Трактате о гармонии, сведенной к ее природным принципам» ввел иерархию ступеней, оставшихся в употреблении ладов. Первые три аккорда из этой системы — тоника Тоника — первая ступень мажорного или минорного лада, его главный устой., субдоминанта Субдоминанта — четвертая ступень лада относительно тоники, одна из главных ступеней ладогармонического ряда, находящаяся на тон ниже доминанты. и доминанта Доминанта — пятая ступень лада относительно тоники, одна из главных ступеней музыкального ряда. — «три блатных аккорда», известных любому гитаристу, пробующему свои силы в подворотне. (В галантные времена Рамо они носили название системы «тройной пропорции».) Рамо обосновывает понятие тональности как «систему иерархически централизованных функциональных отношений, где тоника пронизывает всю гармоническую структуру». Кроме того, аккорды, согласно Рамо, теперь должны были расставляться в строго отведенных местах. Таким образом, утверждался новый музыкальный синтаксис, в котором остановка на доминанте означала нечто вроде запятой в сложном предложении, а остановка на тонике — точку. Локализация царства тоники, доминанты или других функций становится неотъемлемой и узнаваемой чертой более крупных разделов форм. Все без исключения формы классиков Основные представители — Гайдн, Моцарт, Бетховен. и романтиков — от маленькой шопеновской прелюдии до колоссальной симфонии Брукнера — основывались на противопоставлении более близких к тонике и более далеких от нее функций. В XIX веке размножение принципа «тройной пропорции» на другие ступени лада привело к отяжелению системы, размыванию границ мажора и минора (например, у Вагнера), созданию крайне протяженных синтаксических структур колоссальной сложности (например, у Брамса). Импрессионист Клод Дебюсси и вовсе стал любоваться отдельными красивыми аккордами, рассыпая их целыми гроздьями по всем группам оркестра или фортепианным регистрам, а эксцентричный композитор и пианист Эрик Сати пошел еще дальше, нарушая все подряд правила гармонии уже из принципа. В последней трети ХХ века массовая музыка под влиянием блюза и фольклора вернулась на модальную основу, и в настоящее время изобретение Рамо реально используют только в учебной практике и для стилизаций.

1815 год

Изобретение метронома

Метроном Иоганна Непомука Мельцеля

Немецкий механик, пианист и педагог Иоганн Непомук Мельцель получил патент на свое изобретение 5 декабря. Его конструкция метронома завоевала особую популярность, хотя в начале XIX века у Мельцеля было множество конкурентов, так как идея «музыкального хронометра» носилась в воздухе. Это изобретение не только служило учебным целям, отбивая абсолютно ровные доли такта или целые такты, но и было призвано фиксировать авторскую волю в отношении темпа исполняемого сочинения. До изобретения метронома композитор указывал только характер (весело, живо, широко), а примерный темп зависел от длительности долей такта Так, allegro (то есть «весело») на три восьмых полагалось играть быстрее, чем на три четверти. , но к 1815 году темп все чаще зависел от индивидуальных и даже региональных предпочтений, не говоря уже об акустике помещения. Бетховен был горячим пропагандистом нового изобретения, посвятил Мельцелю канон «Та-та-та» и имитировал звучание метронома во второй части Восьмой симфонии. Однако метрономические указания стоят в малой части всего каталога бетховенских сочинений, а в разных источниках — разные метрономические числа. Другим любителем метрономических чисел был Игорь Стравинский, но его собственные записи одних и тех же сочинений, сделанные в разные годы (1925–1965), также демонстрируют совершенно разные числа. Более того, как показывает история исполнительства в грамзаписи, темпы исполнения тех же симфоний Бетховена (а тем более Мендельсона, Шумана и других романтиков) менялись через каждые 20 лет под влиянием моды, новых возможностей акустики концертных залов, звукозаписи и так далее. Но считать метроном бесполезным изобретением нельзя: это лучшее доказательство того, что музыкальное время, как и любое другое, является довольно условной и субъективной категорией.

1877–1900 годы

Изобретения в области механической грамзаписи

(1877 год — изобретение фонографа, 1898 год — граммофона, 1900 год — механического фортепиано)

Акустические исследования 1860-х годов закономерно увенчались изобретением машины, позволявшей не только получать визуальное изображение звука, но и воспроизводить его. Сегодня, в эпоху электронной революции, можно утверждать, что и то и другое оказалось равно важным для музыки будущего, однако именно возможность воспроизводить записанный звук, а также тиражировать его оказалась равновеликой усилиям Петруччи по изобретению нотного набора. Нотный лист утратил свою монополию на право быть единственным носителем музыкальной информации.

Томас Эдисон рядом с фонографом. 1877 год

Французский поэт и изобретатель-любитель Шарль Кро заявляет в 1877 году об изобретении палефона, идея которого ему пришла в голову при работе над созданием цветной мультипликации. Кро не запатентовал это устройство, а Эдисон через месяц патентует свое с формулировкой «усовершенствование инструмента для контролирования и воспроизводства звуков». (Промышленные образцы реально работающих фонографов, записывающих звук на цилиндрические восковые валики, появились только через десять лет после появления экспериментального образца, в котором иголка, создававшая звуковые колебания в прикрепленной к ней мембране, ходила вверх-вниз Ассистент Эдисона Эмиль Берлинер перевернул систему на 45 градусов: его игла совершала колебания влево-вправо. .)

Американский изобретатель Эмиль Берлинер назвал свое устройство граммофоном и наладил их промышленное производство в Великобритании в 1898 году. Парадоксально, но первоначально пластинки и фонографы не рассматривались для фиксации процесса индивидуального музыкального исполнения — на каталогах и этикетках пластинок были только название сочинения и состав инструментов Качество было таким, что это пояснение могло быть необходимым. . Только звукорежиссер и продюсер фирмы «Граммофон» Фред Гайсберг догадался делать записи выдающихся певцов и инструменталистов. Первыми звездами звукозаписи стали Карузо, Шаляпин, Баттистини и Мельба. В 1910 году совокупный тираж пластинки с записью ариозо Канио из оперы Леонкавалло «Паяцы» в исполнении Карузо достиг миллиона.

Эмиль Берлинер с моделью первого изобретенного им граммофона. Фотография 1910–1929 годов

Граммофон перевернул социальную функцию музыки, потеснив домашнее музицирование вместе с пианолой — механическим фортепиано, появившимся в 1900 году. Механическая грамзапись взбудоражила умы изобретателей, резонно решивших, что раз пластинка может воспроизводить записанный звук, то, значит, на ней можно выгравировать звук собственного изобретения. Эта мысль появляется уже в 1907 году у русского футуриста Николая Кульбина, однако она была реализована только 20 лет спустя на основе оптической записи. Повторы этой мысли можно было встретить в авангардистских журналах вплоть до 1926 года, когда идея «рисованного звука» витала в воздухе. Музыка же для механического фортепиано, не исполнимая ни на чем другом, начала создаваться уже в 1910-е годы: самый известный пример — «Механический балет» Мана Рэя и Джорджа Антейла для кинопроекции, ансамбля пианол и шумовых инструментов 1924 года.

1923 год

Изобретение додекафонии

Слева направо: Отто Клемперер, Арнольд Шёнберг, Антон Веберн, Герман Шерхен. Донауэшинген, Германия, 1924 год

После распада функциональной системы композиторы стали искать способы новой тональной организации, способной противостоять хаосу звуков Некоторые композиторы обратились к гармонии высших обертонов натурального ряда (например, Скрябин), но равномерная темперация мешала им довести эти опыты до конца, а выход за ее пределы на тот момент оказался преждевременным. Многие композиторы попробовали вернуться к модальности и стали создавать новые лады на основе числовых закономерностей (Мессиан) или наблюдений над народными ладами (Барток). . Австрийские композиторы стали отталкиваться от важнейших классических принципов, таких как единство материала, возможность его варьирования и его повторность, — на протяжении десяти лет Арнольд Шёнберг и его ученики, Антон Веберн и Альбан Берг, старательно разрабатывали принципы работы с самыми элементарными частями музыкальной речи: мотивом, интервалом, аккордом. Попутно они были вынуждены обратить внимание на существенную роль других акустических параметров музыки, ранее считавшихся просто декоративными: в первую очередь на тембр и динамику. При всей своей изощренности принципы этой так называемой атональной музыки (сами они ее определяли как внетональную) были слишком хрупкими и не давали возможности создавать большие контрасты (исключение составляла вокальная музыка). Нужна была какая-то тотальная система, которая бы заменила функциональную тональность, но была бы более гибкой и всеобъемлющей. И такая система была найдена.

«Музыкальная мысль» Арнольда Шёнберга. Рукопись 1921–1926 годов

Приоритет в открытии додекафонии до сих пор оспаривается, так как поисками такой системы были независимо друг от друга озабочены сразу несколько композиторов в разных странах. Но только Шёнбергу удалось построить стройную и непротиворечивую систему из 12 тонов, в которых каждый следующий тон связан только с предыдущим. Это означает полную ликвидацию понятия устоя и центра, то есть формирование не вертикально, а горизонтально организованной (наподобие интернета или тайных обществ, где каждый участник знает только членов своей ячейки) системы. Последовательность из этих тонов называется серией (Шёнберг писал «ряд»). Внутри серии ни один звук не повторяется. Число 12 (по-гречески «додека») соответствует количеству полутонов в октаве, а следовательно, звуков хроматической гаммы Хроматическая гамма — восходящее или нисходящее мелодическое движение по полутонам.. Серия из 12 звуков становится основным строительным материалом додекафонной музыки. Естественно, что пока в изложении не появятся один за другим все 12 звуков в заданной последовательности, повторять ни один из них нельзя, иначе это станет началом возвращения к прежнему хаосу. Серия не является ни мелодией (хотя вполне может приобрести ее форму), ни аккордом (хотя частями или целиком может быть взята одновременно), а скорее, звуковым полем, то есть принципиально новым состоянием звуковой материи. Ни один из звуков серии, в том числе начальный и конечный, не является центром тяготения, как в модальной или тональной музыке. Ведь все звуки серии являются связанными только друг с другом.

Таблица рядов Третьего струнного квартета, op. 30, Арнольда Шёнберга. 1927 год

www.universaledition.com

У серий есть еще несколько важных свойств. Во-первых, их форма остается неизменной при чтении в зеркальном отражении, при чтении задом наперед, а также в зеркальном отражении задом наперед. Эту игру Шёнберг позаимствовал у авторов эпохи Возрождения, вовсю применявших такие преобразования хоральной мелодии, в последовательности звуков которой нельзя было производить никаких изменений, так как она была освящена папским авторитетом. Во-вторых, количество серий исчерпаемо лишь формально Количество комбинаций из 12 звуков выражается числом 12! (факториал 12), то есть 479 001 600. . «Я обеспечил немецкой музыке приоритет на ближайшие 200 лет», — писал Шёнберг о своем открытии в письме к одному из своих корреспондентов.

Арнольд Шёнберг. Фотография ателье Schlosser & Wenisch. Прага, 1924 год

Надежды Шёнберга тем не менее оправдались лишь отчасти. Напрямую додекафонный метод в чистом виде использовали почти все композиторы в ту или иную пору своего творчества, но редко когда этот принцип становился главенствующим. Классическая додекафония довольно суха и однообразна, несет на себе несмываемую печать своей эпохи и стиля (преимущественно экспрессионизма) и в настоящее время ее «выпуск 1923 года» старомоден.

В Советском Союзе додекафония, несмотря на усилия Николая Рославца, работавшего в том же направлении в 1910–20-е годы по ее пропаганде, была запрещена как техника и превратилась в ругательное слово, которым обозначалась любая музыка, выходящая за рамки неоклассического канона.

В настоящей статье рассмотрены только те важные для истории развития музыки изобретения, которые так или иначе лежат в границах европейской профессиональной письменной традиции, использующей акустические музыкальные инструменты. Поэтому вне рамок обзора останется история электроакустической музыки, которая базируется на основе принципиально новых представлений о фиксации звука и источниках его возникновения. Вместе с тем электроакустическая музыка так или иначе основана на тех знаниях и изобретениях, которые возникли еще в доэлектрическую эпоху.

«Дозу облучения музыкой» получил первый музей РТ — Галерея современного искусства

(Казань, 28 марта, «Татар-информ», Оксана Романова). В Галерее современного искусства Музея ИЗО РТ прошел первый концерт нового проекта Ольги Скепнер «Камерная музыка в музеях Татарстана. Возрождение. Новый век». Вечер струнный квартет QUATERNION посвятил современной музыке, которая прозвучала среди индустриальных пейзажей Татарстана 60-х и 70-х годов прошлого века, изображенных художником-импрессионистом Николаем Кузнецовым.

«Акустика здесь сложная, мы будем с ней бороться, но она нам также будет помогать. Тем, что вокруг прекрасные картины, мы даже пользоваться будем: и нам играть будет интереснее, и публике воспринимать музыку с этими картинами и с некоторыми сюрпризами сегодняшнего концерта, я думаю, будет дополнительно интересно», — сказал перед стартом музейно-музыкального проекта вторая скрипка коллектива Иван Субботкин.

Музыканты отметили, что на случай гуляющей акустики у квартета есть свои задумки, к тому же они уже встречались с залами, позиционирующими себя как приспособленные к музыкальным мероприятиям, однако на деле подходящими для концертов гораздо меньше, чем Галерея современного искусства.

По словам первой скрипки коллектива Евгения Субботина, прогнозировать успех любого концерта, не только такого экспериментального, проходящего в стенах музея, всегда невозможно. Эффект может быть отложенным и проявиться только спустя какое-то время.

«До человека, который получил эту дозу музыкального облучения, эффект может дойти не сразу, потом. Он уйдет, скажет, хороший был концерт, а через неделю его накроет», — подчеркнул артист.

Главным сюрпризом, синтезировавшим музыку и живопись, стало исполнение финальной композиции Павла Карманова «КваРЕТет». Во время него на две огромные белые стены выставочного зала проецировалась видеоинсталляция по мотивам картин яркого представителя русского авангарда начала ХХ века Павла Филонова. Зрители заметно оживились, поспешив запечатлеть эти мгновения на свои телефоны.

Подобных концертов с мультимедийными трансляциями на основе живописных полотен в Галерее современного искусства предстоит еще три. Тематика этих вечеров будет каждый раз новой, а 29 апреля к джазовому концерту квартета присоединится легендарный валторнист Аркадий Шилкопер (Германия) — по случаю удачно в эти дни находящийся в России. Четвертый концерт в Музее ИЗО РТ пройдет в классической обстановке главного здания — усадьбы Сандецкого. Концерт «Старая и новая Вена» окажется посвящен музыке Гайдна и Штенберга, а мультимедийного сопровождения здесь не будет.

«Снимаю шляпу! — по завершении первого вечера проекта „Камерная музыка в музеях Татарстана“ сказала директор Музея ИЗО РТ Розалия Нургалеева. — Я люблю этот квартет, а слушать его в такой обстановке — с живописью, с мультимедиа — это уникально. Сегодняшнюю видеоинсталляцию мы готовили для выставки Павла Филонова. У нас есть еще несколько наработок. Первоначально они были сделаны для выставок произведений живописи, а теперь соединятся с музыкой. Уже готовим мультимедиа для концерта „Импрессионизм: ракурсы“».

До 2 июня квартет QUATERNION с проектом «Камерная музыка в музеях Татарстана. Возрождение. Новый век» выступит, помимо Галереи современного искусства и главного здания Музея ИЗО РТ, на площадках еще четырех музеев.

«У нас есть концерт национальный с татарскими композиторами — в музее Тукая, русский концерт — в зале Шаляпина музея Горького и Шаляпина. В музее Боратынского хорошо прозвучит европейская тема и Бетховен — там атмосфера соответствующая», — анонсировала Ольга Скепнер.

Пифагорейский музыкальный ряд — это… Что такое Пифагорейский музыкальный ряд?

Пифагорейский музыкальный ряд: Исходя из экспериментально-акустич. исследований, Пифагор и его ученики выводили гармонич. интервалы из пропорционального деления длины струн. Отсюда они получили простейшие созвучия: октаву (2:1), квинту (3:2), кварту (4:3) и определяли интервалы диатонич. тетрахорда соотношением целого тона (9:8, квинта минус кварта) и полутона, или диеза (256:243, кварта минус 2 целых тона). Использованием среднего арифметич. А–М = М–В и средне-гармонич. (A–N): А — (Н–В): В, при помощи чего можно разложить большой интервал на неравные части интервала, они на теоретич. числовой основе высчитывали интервалы различного рода тонов. Среди исчислений тетрахорда, которые привел Птолемей, исторически важно исчисление чистой большой терции 5:4 в энгармонич. гамме Архитом, выявление чистой малой терции 6:5 в хроматич. гамме Эратосфеном и натурально гармонич. разделение диатонич. гаммы Дидимом (с большой терцией из двух полных тонов 9:8 • 10:9 = 5:4).
До введения выравнивающих коммаразличия (разделяющие пифагорейскую комму равномерно на 12 квинт), равнозвучащих темперации и диезно-бемольной функциональной гармонии в 18 в. пифагорейский музыкальный ряд господствовал в музыкальной культуре Европы.

Пифагор
Пифагорейцы

Смотреть что такое «Пифагорейский музыкальный ряд» в других словарях:

Равномерно темперированный строй — Равномерно темперированный строй музыкальный строй, при котором каждая октава делится на математически равные интервалы, чаще всего на двенадцать полутонов ( ). Такой строй господствует в европейской профессиональной музыке приблизительно с … Википедия
Равномеpно темперированный звукоряд — Темперированный строй строй, при котором каждая октава делится на набор одинаковых ступеней. Чаще всего деление происходит на двенадцать ступеней, отстоящих друг от друга на расстоянии хроматического полутона ( ). Такой строй господствует в… … Википедия
Равномерно темперированный звукоряд — Темперированный строй строй, при котором каждая октава делится на набор одинаковых ступеней. Чаще всего деление происходит на двенадцать ступеней, отстоящих друг от друга на расстоянии хроматического полутона ( ). Такой строй господствует в… … Википедия
Равномернотемперированный строй — Темперированный строй строй, при котором каждая октава делится на набор одинаковых ступеней. Чаще всего деление происходит на двенадцать ступеней, отстоящих друг от друга на расстоянии хроматического полутона ( ). Такой строй господствует в… … Википедия
Хроматический строй — Темперированный строй строй, при котором каждая октава делится на набор одинаковых ступеней. Чаще всего деление происходит на двенадцать ступеней, отстоящих друг от друга на расстоянии хроматического полутона ( ). Такой строй господствует в… … Википедия
Хроматический звукоряд — Темперированный строй строй, при котором каждая октава делится на набор одинаковых ступеней. Чаще всего деление происходит на двенадцать ступеней, отстоящих друг от друга на расстоянии хроматического полутона ( ). Такой строй господствует в… … Википедия

Что такое ноты — определение и буквенное обозначение, ноты в музыке

Благодаря условному графическому знаку – ноте – определенные частоты получают не только свое выражение на письме, но и делают процесс создания музыкальной композиции понятным.

Определение

Ноты в музыке – это инструменты для моментальной фиксации на письме звуковой волны конкретной частоты. Такие предопределенные записи формируют целый ряд, из которых составляется музыка. Каждая нота имеет свое название и определенную частоту, диапазон которой составляет 20 Гц – 20 кГц.

Чтобы назвать конкретную частоту, принято использовать не конкретные цифры, поскольку это сложно, а наименование.

История

Идея упорядочить названия нот принадлежит музыканту и монаху из Флоренции Гвидо д’Ареццо. Благодаря его стараниям нотная грамота появилась в XI веке. Причиной стало затрудненное обучение певчих монастыря, от которых монах не мог добиться слаженного исполнения церковных произведений. Чтобы разучивать композиции было проще, Гвидо обозначал звуки специальными квадратиками, которые позже стали называть нотами.

Названия нот

Каждая музыкальная октава состоит из 7 нот – до, ре, ми, фа, соль, ля, си. Идея назвать первые шесть нот принадлежит Гвидо д’Ареццо. Они дошли до наших дней, практически не изменившись: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Монах взял по первому слогу с каждой строки гимна, который католики исполняли в честь Иоанна Крестителя. Гвидо сам создал это произведение, что называется «Ut queant laxis» («Чтобы в полный голос»).

UT QUEANT LAXIS – NATIVITÀ DI SAN GIOVANNI BATTISTA – B

Ut queant laxis resonare fibris

Mira gestorum famuli tuorum,

Solve polluti labiis reatum,

Sancte Joannes.

Nuntius celso veniens Olympo,

te patri magnum fore nasciturum,

nomen, et vitae seriem gerendae,

ordine promit.

Ille promissi dubius superni

perdidit promptae modulos loquelae;

sed reformasti genitus peremptae

organa vocis.

Ventris obstruso recubans cubili,

senseras Regem thalamo manentem:

hinc parens nati, meritis uterque,

abdita pandit.

Sit decus Patri, genitaeque Proli

et tibi, compar utriusque virtus,

Spiritus semper, Deus unus,

omni temporis aevo. Amen

Со временем название первой ноты изменилось с Ut на Do (по-латыни слово «Господь» звучит как «Dominus»). Появилась седьмая нота си – Si от словосочетания Sancte Iohannes.

Откуда это взялось?

Существует буквенное обозначение нот с помощью латинского музыкального алфавита:

Белые и черные

У клавишных музыкальных инструментов есть черные и белые клавиши. Белые клавиши соответствуют семи основным нотам – до, ре, ми, фа, соль, ля, си. Немного выше их находятся черные клавиши, сгруппированные по 2-3 единицы. Их названия повторяют имена белых клавиш, расположенных поблизости, но с добавлением двух слов:

диез – это приставка к наименованию черной клавиши справа от белой;
бемоль – дополнительное имя черной клавиши, которая находится слева от белой.

На две белые клавиши приходится одна черная, поэтому она называется двойным именем. Рассмотрим пример: между белыми до и ре находится черная клавиша. Она будет одновременно и до-диез и ре-бемоль.

Ответы на вопросы

1. Что такое ноты?	Нотами называется обозначение звуковой волны конкретной частоты.
2. Какой диапазон частот у нот?	Он составляет 20 Гц – 20 кГц.
3. Кто придумал ноты?	Флорентийский монах Гвидо д’Ареццо, который занимался музыкой и обучением певчих церковным песнопениям.
4. Что означают названия нот?	Наименования современных нот – это первые слоги каждой строчки гимна в честь святого Иоанна, придуманного Гвидо д’Ареццо.
5. Когда появились ноты?	В XI веке.
6. Есть ли разница между черными и белыми клавишами?	Да. Если белые клавиши обозначают тона, то черные – полутона.
7. Как называются белые клавиши?	Они именуются как семь нот.
8. Как называются черные клавиши?	Так же, как белые, но в зависимости от расположения относительно белых клавиш, они носят приставку «диез» или «бемоль».

Интересные факты

История музыки накопила немало информации о развитии нотной грамоты, использовании нот, написании с их помощью музыкальных произведений. Ознакомимся с некоторыми из них:

До изобретения Гвидо д’Ареццо нот музыканты пользовались невмами – специальными знаками, напоминающими точки и черточки, которые записывались на папирусе. Черточки служили прототипом нот, а точки обозначали ударения. Невмы использовались вместе с каталогами, куда заносились пояснения. Эта система была очень неудобной, поэтому при разучивании песен церковные хористы запутывались.
Самой низкой частотой, воспроизведенной человеческим голосом, является 0,189 Гц. Это нота соль на 8 октав ниже, чем у фортепиано. Обычный человек воспринимает звуки на минимальной частоте 16 Гц. Чтобы зафиксировать этот рекорд, пришлось использовать специальные приборы. Звук воспроизвел американец Тим Стормс.
Клавесин – это инструмент, у которого на месте черных клавиш находятся белые.
У первого клавишного инструмента, изобретенного в Греции, были только белые клавиши, а черные отсутствовали вовсе.
Черные клавиши появились в XIII веке. Их устройство постепенно совершенствовалось, благодаря чему в западноевропейской музыке появилось множество аккордов и тональностей.

Вместо вывода

Ноты – основная составляющая любой музыки. Всего существует 7 нот, которые на клавишных инструментах распределяются на черные и белые.

Подробнее про ноты

27 апреля — Музыкальный спектакль «Приключения Тома Сойера» с песочной анимацией.

«Приключения Тома Сойера» – музыкальный моноспектакль для детей, а также их родителей.

В новом спектакле о приключениях самых знаменитых мальчиков американской литературы – Тома Сойера и Гекльберри Финна – объединены литературное слово, песочная анимация и музыка, которая поможет юным зрителям перенестись в воображении на берега Миссисипи, пробежаться по пыльным дорожкам города Сент-Питерсберга (придуманного Марком Твеном) и заглянуть на плантации, где трудятся и поют свои песни чернокожие рабы.

Музыкальный ряд спектакля – американский фольклор в гитарных блюзовых и кантри-аранжировках (в том числе и в стиле fingerstyle guitar), трудовые песни, полевые холлеры (архаические трудовые песни-переклички) и спиричуэлс.

В числе песен, которые прозвучат:
– Deep River Blues,
– Down To The River To Pray,
– Sixteen tons,
– Ring of fire (из репертуара Джонни Кэша),
– Ain’t no grave (из репертуара Джонни Кэша),
– Amazin grace,
– I’ll fly away,
– Keep on the sunny side,
– и хитовая Man of Constant Sorrow, известная всем поклонникам фильма «О, где же ты брат?» братьев Коэнов.
Все песни будут исполняться на английском языке.

Участники спектакля:

Светлана Тимофеева-Летуновская – чтец, рассказчик, актриса театра и кино. Окончила ВГИК имени С.А. Герасимова (мастерская Алексея Баталова). Лауреат молодежной премии «Триумф», лауреат I премии Всероссийского конкурса чтецов. Участвовала в постановках Театра на Малой Бронной, Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина. Фильмография насчитывает более 40 российских и зарубежных кинокартин и телесериалов, в числе которых «Антикиллер-2», «Петя по дороге в Царствие небесное» и другие.

Дарья Новикова – акустическая фолк-гитара, вокал. Окончила РАМ имени Гнесиных и ассистентуру-стажировку РАМ. Лауреат всероссийских и международных конкурсов. Выступала как солистка с Академическим оркестром русских народных инструментов имени Н.Н. Некрасова, ведущая солистка шоу-оркестра «Русский стиль».

Владимир Смирнов – акустическая фолк-гитара, электронные ударные, вокал. Аранжировщик, продюсер. Окончил эстрадно-джазовый колледж при МПГУ. Выступал в проектах с группой Ирины Богушевской, в проектах с актерами Екатериной Гусевой, Даниилом Спиваковским, Александром Олешко и другими.

Анна Иванова – песочная анимация (цветные и монохромные иллюстрации)
Мастер песочной анимации с 2013 года, окончила МГАХИ им. Сурикова со специальностью художник-график. Куратор I Международной выставки песочной графики «Вне времени» в Москве, участница российских и международных конкурсов и фестивалей, лауреат выставки «UN SEUL GRAIN DE RIZ» в парижской галерее Métanoïa, лауреат номинации «За вклад в развитие изобразительного искусства» МОСХа, руководитель студии песочной анимации «Алхимия песка».

«Row» Новый вдохновляющий мюзикл, который также интересен и интересен

Нечасто вы можете написать обзор, который одновременно является превью. Однако, поскольку мировая премьера мюзикла «Row» на Уильямстаунском театральном фестивале только что была выпущена Audible Theater, и почти одновременно с выпуском было объявлено, что этим летом на фестивале будет проходить живая постановка. -одна рекомендация к шоу.

«Ряд» — одна из самых приятных работ, с которыми я сталкивался за очень долгое время, поскольку материал работает на многих уровнях.Он эффективно передает волнение Тори Мёрден, пытающейся стать первой женщиной, которая в одиночестве гребет через Атлантический океан. Что еще более важно, он захватывает душу человека, который, несмотря на удивительные личные достижения, нуждается в монашеском путешествии, чтобы обрести покой и удовлетворение своей жизнью.

Это история, которая предлагает глубокое понимание, но рассказывается с критическим юмором и поддерживается партитурой, которая по своему очарованию почти подсознательна. Музыка Dawn Landes идеальна для поддержания настроения, поскольку она находит момент, который нуждается в счастливой мелодии, чтобы снять напряжение.Она также предлагает запоминающиеся песни, которые придают еще большую глубину острым ощущениям. Книга Даниэля Гольдштейна дает нам силу женского опыта, в то время как тексты Ландеса добавляют философское понимание того, почему так важна самоанализирующаяся жизнь.

«Row» настолько хорош для стимулирования воображения, что есть основания задаться вопросом, как живое выступление может его улучшить.

Воображение может воспроизвести 40-футовые волны при скорости ветра 110 миль в час или подчеркнуть пытки нахождения на солнце более 80 дней, большинство из которых тратятся на перемещение весел в океане всего на пару часов сна.Лично добиться того и другого сложно.

Тем не менее, решение провести шоу у отражающего бассейна в музее Кларка в Уильямстауне предполагает, что шоу само по себе будет захватывающим событием. Билеты на забег с 13 июля по 8 августа можно приобрести заранее. И я предлагаю вам это сделать. Судя по презентации Audible, я верю, что режиссер Тайн Рафаэли окажется на высоте.

Тори Мёрден — 35-летняя женщина, которая уже прожила достойную жизнь. Она получила степень бакалавра психологии у Смита, где играла главную роль на баскетбольной площадке.Позже она получила степень магистра богословия и степень магистра письменных наук в Гарварде. В конце концов она также получает диплом юриста.

Однако ее научные достижения не используются для создания богатства или власти. Ее детство было посвящено защите ее брата-инвалида Ламара. В 1990-х годах она работала капелланом в городской больнице Бостона для бедных, а позже была директором регионального центра для бездомных. Некоторое время она жила в Кении, пытаясь помочь облегчить бедность этой страны.

Тори тоже жаждала приключений. Она поднялась в горы на пяти континентах и поднялась по льду на Брукс на Аляске и ледник Малдроу. Опять же, это было сделано не для славы или славы. В пьесе она просит человека назвать первую женщину, взошедшую на вершину горы. Эверест. Нет ответа. Затем она спрашивает, кто была первой женщиной, покорившей географический Южный полюс на лыжах? Опять нет ответа. Она признает, что последнее было вопросом с подвохом, потому что она была тем человеком. Ее точка зрения заключалась в анонимности женских достижений.

В «Роу» мы изучаем эти вещи как воспоминания, потому что в этом суть пьесы. Гребля — прекрасная метафора для понимания жизни. Как гребец, вы смотрите назад на то, что уезжаете, вместо того, чтобы смотреть вперед, туда, куда идете. Прошлое позади, будущее неизвестно. Все, что осталось, — это настоящее.

Тори узнает, бросая вызов океану, насколько она маленькая и беспомощная, и что даже хорошо прожитая жизнь и преданность наиболее уязвимым из нас не всегда приносят удовлетворение.Она должна понять, что даже самый сострадательный, целеустремленный и образованный человек мало что может контролировать, кроме своей собственной жизни.

Это раскрывается через воспоминания наставников в ее жизненном путешествии. Возможно, самым влиятельным из них был священник-иезуит, умерший от рака в городской больнице Бостона. Он говорит ей: «Ты не сможешь пройти путь к мудрости на перине».

Тори мало знала о перинах. В самом деле, ее диссертация в школе богословия была «Теология приключений». Однако в своем ряду она узнает, что приключение — это не только преодоление трудностей, но и внутренний опыт.

Однако это его другой совет, который находит отклик на протяжении всей пьесы. Он пытается успокоить ее чувство неспособности изменить мир, говоря ей: «Пусть ваше сердце будет разбито тем, что разбивает сердце Бога». Ее трудный путь учит, что преодоление невзгод и устойчивость после неудач так же важны, как и победа.

«Строка» наполнена многими важными жизненными уроками, но это далеко не дидактический театр. Есть прихоть и юмор.

Учтите, что многие в пьесе, придающие Тори силу, мудрость и стойкость для совершения невозможного, — это Тина Тернер, Бетт Мидлер, Шер, Амелия Эрхарт и Мухаммед Али. Есть даже романтика, поскольку Тори, полное имя которой сейчас Тори Мёрден МакКлюр, делает предложение своему будущему мужу с середины Атлантического океана. Его ответ? «Конечно. Почему нет.»

Почему нет? Это ответ на вопрос, почему люди находят в себе мужество достигать невозможного.

«Гребля» вдохновляет, но в то же время доставляет массу удовольствия.Послушайте и посмотрите. Теперь это доступно на Audible. Театр и спектакли в Clark в Уильямстауне с 13 июля по 8 августа. Для получения дополнительной информации посетите wtfestival.org

Боб Гепферт — театральный обозреватель Troy Record.

Мнения, выраженные комментаторами, принадлежат исключительно авторам. Они не обязательно отражают точку зрения этой станции или ее руководства.

Пандемия не могла остановить мюзикл о первом американце, пересекшем Атлантику

Марк Кеннеди | State Journal-Register

НЬЮ-ЙОРК — Огромные волны не могли помешать Тори Мёрден МакКлюр стать первой американкой, которая в одиночку пересекла Атлантический океан в 1999 году.Так что вполне уместно, что глобальная пандемия не смогла помешать мюзиклу о ее подвиге добраться до аудитории — только не так, как это было задумано изначально.

«Row», который должен был дебютировать на театральном фестивале в Уильямстауне в Массачусетсе летом 2020 года, вместо этого делает свою мировую премьеру в этом месяце в виде записи, доступной на Audible.

«Весь этот процесс был подобен медленному расцвету», — сказал Дон Лэндс, написавший песни и тексты песен. «Это действительно стало совершенно уникальным произведением искусства, которое я даже представить себе не мог.»

Когда в четверг вышел« Row », он стал редкостью — мировой премьерный мюзикл, в котором никогда не было никакой сценической постановки. Без визуальных эффектов команде приходилось создавать пространство и время с помощью звуковых сигналов.

«Объем работы и технических вещей, с которыми вам придется иметь дело, чтобы создать новый мюзикл на этом носителе, экспоненциально больше, чем когда вы находитесь в комнате и можете просто попробовать что-то», — сказал автор книги Дэниел. Гольдштейн.

Что еще больше усложняет ситуацию, все 10 актеров и 9 музыкантов никогда не находились вместе в одной комнате из-за ограничений COVID-19.И ни одна музыка не была записана до блокировки.

Никогда не более чем трем актерам разрешалось одновременно записывать свои партии в студии Audible на Манхэттене, и каждый находился в изоляционных кабинах и слушал друг друга в наушниках. Также на месте присутствовали инженер, музыкальный руководитель Мэри-Митчелл Кэмпбелл и режиссер Тайн Рафаэли.

Музыканты — за исключением струнного квартета, который объединился во время пандемии — были удаленными друг от друга и смешали свои партии в конечном продукте.Репетиции проводил Zoom. Даже писатели были отстраненными.

«Вы не могли придумать это: шоу об изоляции, где каждый участник команды находится в реальной изоляции во время работы над ним», — сказал Ландес.

Из-за страха передачи вируса актеры были им каждый день давали страницы сценария, завернутые в пластик, и им не разрешалось приносить их на следующий день. Автосервис доставил их домой на обед, чтобы им не пришлось ехать в ресторан и рисковать заражением.

«Ряд» — последнее предложение фестиваля в этом сезоне. Это первый традиционный книжный мюзикл для крупнейшего в мире производителя аудиокниг и устных развлечений.

«Мы как бы вошли в это в том же духе:« Ага, а почему бы и нет? Мы разберемся », — сказала Кейт Навин, исполнительный продюсер Theater Audible. «Мы собираемся делать больше мюзиклов. Так что я как бы полагаю, что с этого момента им станет только проще ».

Когда пандемия угрожала летним предложениям фестиваля, художественный руководитель Театрального фестиваля Уильямстауна Мэнди Гринфилд обратилась к Навину с амбициозной просьбой: запишут ли они весь сезон из семи спектаклей — шесть пьес и «Роу»? Навин уже обдумывал, как Аудибл может заполнить пробел, и согласился оттолкнуться в неизвестность.

«Если вы окостенеете, вы умрете», — сказал Гринфилд. «Это восходит к истории« Роу »- он напоминает вам о стойкости и исключительной способности человеческого духа упорствовать».

Музыкальные кадры, плывущие по океану, как попытка МакКлюра признать — и победить — беспомощность. Один из ее братьев, Ламар, был инвалидом, и Тори была его защитницей в детстве, всегда защищая его от хулиганов.

Во время своего морского путешествия МакКлюр, которую играет Грейс Маклин, читает «Моби Дик» и цитаты из Ф.Скотт Фицджеральд и Аристотель. Она общается с духом Амелии Эрхарт, и слушатели узнают о ее жизни из воспоминаний.

Другие актеры играют Ламара, журналистов и друзей, а также ее будущего мужа, Мак МакКлюра. Есть даже появление культового Мухаммеда Али, который вдохновил МакКлюра. Повсюду слышен шум воды, морских птиц и весел, плывущих по океану.

«Звуковой дизайн становится гораздо более важной частью истории, потому что мы должны быть уверены, что всегда понимаем, когда она в лодке, а когда у нее возникают воспоминания и воспоминания, которые заполняют историю », — сказал Навин.

Создатели уже запланировали и поставили мюзикл, набрав настолько большой импульс, что искали способ продолжить, несмотря на пандемию. Если бы они могли, это означало, что актерам и музыкантам можно было бы платить и заниматься искусством.

«Это дало мне сообщество в то время, и я действительно цеплялся за него. Для меня это был своего рода спасательный плот, — сказал Ландес. «Я был так счастлив, что мне есть на что надеяться и чем заняться».

Ландес считает, что за эти годы она написала для шоу 35 песен, изначально задуманных восемь лет назад.Финальный микс захватывающе переходит от фолка к хору, пауэр-балладам и гимнам.

История «Рядка» не закончена. Театральный фестиваль в Уильямстауне планирует провести его перед публикой этим летом — на открытом воздухе и через дорогу от места, где он должен был дебютировать годом ранее.

«Нам придется разобрать его и придумать, как снова охватить визуальное восприятие», — сказал Гринфилд. «Я думаю, что многие варианты, которые мы сделали для этого в аудио, были действительно специально спроектированы.

И если небо темнеет во время шоу-вечеров, пусть будет так. Мюзикл пережил хуже. «Продолжайте кидать его в нас, — смеясь, сказал Ландес. «Все равно все происходит снаружи. Что еще у тебя есть? Проливной дождь? Мы собираемся это использовать «.

ROW плывет по Audible — Review

Итак, первый набег Williamstown Theater Festival в мир Audible подошел к концу, и они выбрали Row , новый мюзикл, основанный на усилиях Тори Мёрден МакКлюр 1998 года. стать первой женщиной, которая пересекла Атлантику в одиночку, в качестве их финала.С книгой Дэниела Гольдштейна, а также музыкой и стихами певицы и автора песен Доун Лэндс это прекрасное завершение отличного сезона.

Вдохновленный автобиографией МакКлюра, Жемчужина в шторме , он — опять же для Уильямстауна — подходящая пьеса для аудиоспектакля. Тори (Грейс Маклин) проводит нас через свои приготовления и колебания перед выходом в море, где изоляция и неуверенность являются постоянными угрозами ее бодрому поведению. Маклин впечатляюще хорошо проявляет себя в роли, которая, как написано, часто кажется принцессой Диснея, застрявшей в режиме «Я хочу».Ее голос достаточно уверенный и спортивный для незавидной задачи гребли через то, что по сути является аудиопроизводством одной женщины.

Музыка и тексты Dawn Landes достаточно приятны, хотя отдельные номера становятся неотличимо заглушенными теми же кульминационными струнами и далекими барабанами, которые играют в каждой песне. Музыка, наряду с сообразительностью Тори, изначально очаровательна и, осмелюсь сказать, воодушевляет, пока сентиментальный дух христианского рока не начинает преобладать по мере приближения гребца к Богу.Хотя этот богословский поворот обеспечивает приятную беседу с умирающим от рака пациентом в больнице, в которой Тори работает капелланом, он превращает замечательную историю о личной стойкости в забавное упражнение в эрзац-духовности.

Я говорю эрзац, потому что, как и защитные отношения Тори с ее братом Ламаром (Джон МакГинти), ее духовность не исследуется каким-либо значимым или удовлетворительным образом. Вы могли бы подумать, что второстепенные сюжеты истории «одна женщина одна в лодке» были бы желанным развлечением, но они занимают лишь место, которое можно было бы потратить на изучение потенциально сложных мотивов и внутреннего характера Тори.Без этого необходимого эмоционального ядра или сильной режиссерской руки Тайна Рафаэли она остается в основном сосудом смутных устремлений и вдохновения (исполнители, имитирующие Тину Тернер, Долли Партон, Шер и Барбру Стрейзанд, иногда предоставляют свой вокал — еще одна деталь, которая кажется двойной черновики далеко от завершения).

А вот с этой постановкой сложно быть слишком жестким; Сладость его намерений и самоотверженность актеров создают жизнерадостное впечатление от прослушивания. Год, когда музыкальный театр не оставил нам жажды.И, само собой разумеется, — и, Боже, я надеюсь, что эти сравнения скоро закончатся — малоизвестная история о храбрости перед лицом длительного одиночества приветствуется. В связи с недавним объявлением о том, что на фестивале 2021 года лично будет представлена постановочная постановка в отражательном бассейне Института искусств Кларка, я надеюсь, что эти изгибы будут устранены, и что Row благополучно дойдет до берега.

«Ряд» теперь доступен в Audible. Для получения дополнительной информации посетите здесь.

Мюзикл Тори Мёрден МакКлюр через Атлантику превратился в мюзикл

МакКлюр известен в Луисвилле большими и смелыми подвигами.

Она первая женщина и первая американка, которая гребла в одиночку через Атлантический океан, что она совершила в 1999 году. МакКлюр, которая провела часть своего детства в Луисвилле, гребла в одиночку почти 3000 миль на 23-футовой лодке; она также пересекла Южный полюс.

Но что заставляет МакКлюра нервничать в наши дни, так это перспектива сидеть в зале — на мюзикле.

МакКлюр задокументировала свое путешествие в своих мемуарах «Жемчужина бури». Теперь ее историю можно увидеть на сцене Нью-Йорка в музыкальной адаптации, написанной уроженцем Луисвилля.

«У меня были друзья, которые спрашивали, почему ты нервничаешь?» МакКлюр, ныне президент Луисвиллского университета в Сполдинге. «И я сказал, ну, вот эта часть, где женщина по имени Тори танцует по сцене и начинает петь. В остальном все в порядке.

МакКлюр, называя себя интровертом, не знала, посетит ли она в эти выходные представление «Роу» в Общественном театре Нью-Йорка.Когда два года назад певица и автор песен Доун Лэндс и драматург Дэниел Гольдштейн посетили Луисвилл, чтобы попросить права на ее рассказ, она с радостью согласилась.

«Знаешь, большая часть моей психики говорила:« Все в порядке, шансы на то, что мюзикл сделает это »очень мал. Все будет хорошо. Моя интровертная сторона совершенно безопасна. Но я недооценил способность Доун Лэндс и Дэниела Гольдштейна осуществить это на самом деле », — сказал МакКлюр.

Спектакль в эти выходные не является полностью поставленной постановкой — это скорее концерт на небольшой музыкальной площадке, которая является частью Общественного театра, который стал важным инкубатором для новых мюзиклов.Процесс начался несколько лет назад, когда Ландес, уроженец Луисвилля, получил книгу МакКлюра от друга. Но она не думала о том, чтобы сделать из него мюзикл, пока не заговорила с Гольдштейном о возможном сотрудничестве. Он думал, что драматизм, присущий этой истории, хорошо разыграется на сцене, хотя было бы сложно поставить рассказ об одной женщине в лодке.

«Вещи, которые относительно невозможно представить, меня волнуют, потому что тогда возникает проблема: каковы правила, как вы их создаете?» — сказал Гольдштейн.

Гольдштейн и Ландес работали вместе, чтобы сформировать историю, используя ретроспективные кадры, чтобы передать личную историю МакКлюра вместе с путешествием через океан. Во время выступлений в эти выходные Ландес поет роль Тори и рассказывает шоу, а небольшой состав актеров исполняет разговорные роли.

Как певица и автор песен, которая обычно пишет больше личных материалов, Ландес пришлось отказаться от своего обычного режима работы.

«Было здорово работать над чем-то таким совместным.Я никогда раньше не работал с актерами, — сказал Ландес.

Ландес сказал, что МакКлюр очень сотрудничал в этом процессе, но никогда не пытался направлять их или контролировать готовый продукт.

«Я думаю, что ее участие было идеальным для нас, чтобы просто взять ее историю и продолжить ее», — сказал Ландес. «Она дала нам свое благословение, которое было огромным, и позволила нам пойти и сделать это».

Ландес вспоминает, как читала в газете, что МакКлюр тренировалась на реке Огайо, и она хотела включить в шоу свой родной город.

«Прошлым летом я жил в Луисвилле, чтобы работать над этим специально и быть в Луисвилле, потому что многие из них происходят в Луисвилле. Я не жил там со школы. Я ходил с ней на прогулку и провел с ней немного времени, и это было прекрасно », — сказал Ландес.

МакКлюр сказала, что надеется, что мюзикл вдохновит на более широком уровне.

«Это не моя история, которую нужно рассказать, но в« Жемчужине бури »есть элементы универсальности, и в той мере, в какой они звучат правдоподобно с другими, это элементы, о которых должна быть рассказана пьеса. , — сказал МакКлюр.

МакКлюр будет среди публики на концерте в эти выходные, хотя она и создатели мюзикла надеются, что это будет не последний раз, когда он будет выступать. Гольдштейн будет вносить изменения для возможного полноценного производства.

«Шоу действительно вдохновило многих людей, и реакция на него была просто потрясающей, поэтому я очень уверен, что у него будет будущее», — сказал Гольдштейн.

Ландес и Гольдштейн говорят, что им бы хотелось, чтобы «Роу» в конечном итоге прозвучало в Луисвилле.

ROW | Рассвет Ландес

ROW — концептуальный альбом о реальном путешествии Тори Мёрден МакКлюр, первой женщины, которая соло пересекла Атлантический океан.

Landes объединились с ветеранами Бродвея Дэниелом Голдстайном, Мэри-Митчелл Кэмпбелл и Тайном Рафаэли для создания ROW, пьесы музыкального театра, создание которой было запланировано на лето 2020 года на театральном фестивале в Уильямстауне, но было отложено из-за пандемии.В концептуальном альбоме ROW, основанном на бестселлере мемуаров Тори Мёрден МакКлюр «Жемчужина бури», представлены восемь певцов из Луисвилля, штат Кентукки (Уилл Олдхэм, Бен Соли и другие) — родного города Ландеса и МакКлюра.

выпущено 2 октября 2020 г.

Dawn Landes с участием Уилла Олдхэма, Бена Соли, Тайрона Коттона, Бриджит Кэлин, Карли Джонсон, Киммет Кэнтуэлл, Шерил Роуз и хора SONUS.

Произведено Dawn Landes
Вокальные аранжировки Мэри-Митчелл Кэмпбелл
Аранжировки Скотта Мура для струнных инструментов

Записано Джорданом Ленингом в The Duck (Нэшвилл, Теннесси)
Дополнительная запись: Брэндон Белл в Саутерн Граунд, Джастин Голден в Лала Ленд (Луисвилл, Кентукки), Мэтт Дуглас, Дон Лэндс, Скотт Мур, Роуди, Бен Соли, Марк Коупли и Марк Чарльз Хейдингер дома

Смешано Пэт Диллет
Сделано UE в Sterling Sound

Обложка Уэйна Брезинки
Дизайн альбома Дженни Ледерер

Музыканты:
Рэйчел Граймс — фортепиано (8,9,12,15)
Оуэн Биддл — бас
Скотт Мур — струны
Роб Бергер — фортепиано, клавиши, аккордеон
Джейми Дик — барабаны
Марк Копели — гитара
Рэй Риццо — вокал и перкуссия
Кирстен Агреста Копели- арфа
Roadie — педальная сталь
Dawn Landes — вокал, акустическая гитара и т. Д.
Creighton Irons- ключи (7,13)
Сэм Смит — барабаны (8,9,12,15)
Аарон Шафер-Хайсс- барабаны (1,2,4,14)
Джеймс Хаггерти — бас (15)
Мэтт Дуглас — фортепиано (5)
Тембр Черпке- сопрано СОНУС
Сэди Данн- сопрано СОНУС
Кэтлин Даннальто SONUS
Мара Миллер- альт СОНУС
Тайлер Эвиктенор СОНУС
Джеймс Ричардсон- тенор SONUS
Билли Блэкман- баритон СОНУС
Devon Halliburton- баритон SONUS

	1.
	2.
	Зачем вам подниматься на Эверест? Почему ты гребешь по морю Зачем мне подниматься на Эверест Потому что это передо мной Спроси меня, спроси меня, дорогой инквизитор Что ты не видишь Зачем мне подниматься на Эверест Потому что это для меня Спроси меня, спроси меня, дорогой инквизитор Зачем терпеть всю боль Мой ответ, мой ответ о, инквизитор Всегда будет таким же Дело не в переходе из точки А в точку Б. Через одиночество и всю неопределенность Я столкнусь с моими демонами, прежде чем они доберутся до меня Зачем гусенице запереться в коконе Просто чтобы он мог летать бесплатно Я сейчас сяду в свою гребную лодку, и скоро Посмотри, что со мной станет Я смотрю, как чайки и крачки возвращаются на берег Тот, кто летает выше всех, видит больше всего Я хочу знать, что он знает Дело не в переходе из точки А в точку Б. Через одиночество и всю неопределенность Я встречу свои мечты и выйду чистым
	3.
	4.
	5.
	6.
	7.
	8.
	Кому принадлежит море? Кому принадлежит небо? Здесь, под звездами Мы взяли курс и летим Конечно мы летаем О, Амелия Я примерно столько же, сколько ты Когда вы совершили одиночный полет в 1932 году О, Амелия Может быть, наши пути пересеклись Когда ты спустился с облаков, чтобы избежать мороза Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Даже если ты проиграл приключение Стоило ли оно того? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Даже если ты проиграл приключение Стоило ли это вашего времени? Кому принадлежит море? Кому принадлежит небо? Здесь, под звездами Мы будем дома некоторое время Ты и я О, Амелия Вы сомневались Падение с высоты 3000 футов в тот раз, когда вы развернулись? О, Амелия Ты поймал себя хорошо И показал миру, что место женщины иногда бывает первым в полете Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Даже если ты проиграл приключение Стоило ли оно того? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Как ты хотел, чтобы тебя запомнили? Распространяйте свои серебряные знаки приключений И выходить стильно Лучшие вещи человечества так же бесполезны, как приключения Амелии Эрхарт.Это то, что предпринимается не для достижения какого-то измеримого результата, а потому, что кого-то, не считая затрат или просчитывающих последствия, движет любопытство, любовь к совершенству, вопрос чести, принуждение сделать или понять. В них есть свободная и бесполезная энергия, с помощью которой они превосходят самих себя. Это дико и бесплатно! Но в нем участвуют все герои, святые и провидцы, исследователи и творцы. Они не знают, что открывают. Они не знают, куда их ведет порыв.Они не могут заранее отчитаться о том, куда они идут, или полностью объяснить, где они были. Они совершают бесполезные, храбрые, благородные, божественно глупые и самые мудрые поступки, совершаемые людьми. И они доказывают себе и другим, что мы не просто порождения привычки. В нашем распорядке нет простых автоматов. Не просто винтики в коллективной машине. Но то, что в пыли, из которой мы созданы, также есть огонь, время от времени освещаемый сильными ветрами с неба. * Как вы хотите, чтобы вас запомнили? Как вы хотите, чтобы вас запомнили? Даже если ты проиграешь приключение Это того стоит? Как вы хотите, чтобы вас запомнили? * текст из колонки Уолтера Липпмана «NY Herald Tribune» 8 июля 1937 г.
	9.
	10.
	11.
	12.
	13.
	14.
	15.
	16.
	17.
	18.

Эпизод # 55: Dawn Landes Интервью: певица и автор песен, мюзикл «ROW», вдохновленный Тори Мёрден МакКлюр, первой женщиной, которая соло пересекла Атлантический океан

В этом эпизоде сериала Baring It All with Call Me Adam в сети подкастов Broadway я болтаю с певицей / автором песен Доун Лэндс о:

Ее оригинальная музыка
Сочиняет свой первый мюзикл ROW
Ее корни в Кентукки
Гребля — спорт
Rapid Fire questions
End with Dawn «Baring It All» с тем, о чем она никогда не говорила до

Dawn готовится выпустить музыку из своего первого мюзикла, ROW (написанного Дэниелом Голдштейном) и вдохновленного Тори Мерден МакКлюр, первой женщиной, которая соло пересекла Атлантический океан.Премьера ROW должна была состояться летом 2020 года на театральном фестивале в Уильямстауне, но из-за глобальной пандемии она была отложена. Однако Audible приступила к записи шоу осенью 2020 года. У Dawn есть пять предыдущих альбомов, в том числе один на французском. Ее альбомы: Meet Me At The River , Bluebird , Sweetheart Radio , Fireproof и Mal Habillée (французский EP).

Row будет доступен на всех платформах потоковой передачи музыки в пятницу, 2 октября. Найдите здесь!

После того, как вы прослушаете наше интервью, посмотрите выступление Dawn Ted Talk о ROW и Тори Мерден МакКлюр.

Связаться с Dawn:

Нравится то, что вы слышите?

Особые благодарности:

Подробнее на Dawn:

Dawn Landes наиболее известна своим точным написанием песен и текстурированным вокалом, в котором сочетаются элементы инди-рока, альт-кантри и фолка.Такие песни, как «Try to Make a Fire Burn Again», «Bodyguard» и «Straight Lines» заработали ей репутацию одного из наших лучших независимых певцов и авторов песен, демонстрируя способность рассказывать истории, которые делают ее идеальным выбором для написания. песни для мюзикла типа ROW .

Песни шоу не только находят отклик в эти тяжелые времена, они также составляют альбом, который представляет собой замечательную постановку и сборник трогательных, мощных песен, которые отправляют нас в путешествие с неудержимой женщиной.Это воодушевляющее шоу «Независимый дух», в котором говорится о том, чтобы собрать всю нашу храбрость перед лицом невероятных препятствий, подкрепленную воркующим припевом и лирикой, которые освещают давнее наследие пионеров, которые отказывались преодолевать устрашающие препятствия.

Dawn удалось создать саундтрек, одновременно последовательный и эклектичный. Плачущая скрипка управляет мечтательным вальсом «Дорогое сердце», в то время как еврейская музыкальная традиция руководит молитвенным «Авину Малкейну, звезда моря» и элементами шекспировского шекспировского романа «Король Лир» , вызывающего бурю «Третья буря, король Лир».«Second Storm, Hamlet» демонстрирует Sonus Choir, классический хор а капелла из Нэшвилла, в сотрудничестве, которое, по словам Даун, было изюминкой проекта. Есть также шоу-стоппер «Роу», в котором духи Долли Партон, Тины Тернер и Шер (озвученные певицами Карли Джонсон, Шерил Роуз и Киммет Кэнтуэлл соответственно) действуют как сирены ободрения для героини шоу.

Среди других гостей Уилл Олдхэм, предлагающий трогательное чтение нежной песни о любви «Second Time Around»; Бриджид Келин, исполняющая потрясающий вокал в дуэте с Dawn «Oh Amelia»; Тайрон Коттон поет в роли Мухаммеда Али в песне «Что бы сделал Одиссей?» и Бен Соли в роли милого школьника Тори, влюбленного в «Оду Эрику Фи».Список приглашенных читается как кто есть кто из музыкантов из Луисвилля, потому что это также родной город Дон и героиня пьесы Тори Малден МакКлюр.

Узнайте больше о выборе рекламы. Посетите megaphone.fm/adchoices

Music Row Nashville Information Guide

Известный как Музыкальный город, Нэшвилл может похвастаться многочисленными захватывающими достопримечательностями и закусочными, а также знаменитыми хонки-тонками, танцевальными клубами и другими развлекательными заведениями.Он превратился из небольшого торгового поста в мировую столицу музыки кантри. Яркая атмосфера города и южное гостеприимство всегда проявляются в полной мере.

История музыкального ряда

Построенный в 1950-х годах, Music Row считается центром индустрии развлечений города. Район привлек внимание фирм музыкальной индустрии после того, как диктор WSM Дэвид Кобб во время трансляции в 1950 году назвал Нэшвилл «Музыкальным городом, США». Когда это прозвище стало широко распространенным, город быстро превратился в один из ведущих национальных центров записи и публикации музыки. .После подписания контракта с Элвисом Пресли RCA Victor осознала необходимость в филиале на юго-востоке. Они выбрали Нэшвилл и построили историческую RCA Studio B, которая сыграла роль в карьере многих легендарных исполнителей. Оуэн Брэдли, штатный пианист WSM, и исполнительный директор студии RCA Чет Аткинс сыграли важную роль в разработке «Нэшвиллского звука», плавного и утонченного кроссоверного стиля кантри-музыки на Music Row в середине 1950-х годов, который превратился в сплав музыки. кантри и софт-рок, известный как кантри-поп.

Наряду с радиостанциями и сетями, этот район является местом для студий звукозаписи, издательств, фирм по лицензированию музыки и других организаций, таких как дома по производству видео, которые обслуживают музыкальную индустрию. В результате Music Row является синонимом индустрии музыки в стиле кантри, так же как Madison Avenue используется для обозначения рекламной индустрии, а Голливуд — для обозначения фильмов и телевидения. Многие офисы расположены в красивых старинных домах 19 века и офисных зданиях середины 20 века.Когда-то в этом районе располагался Зал славы музыки кантри, а также несколько других небольших музеев, посвященных отдельным звездам музыкального жанра. После того, как в 2001 году Зал славы переехал на свое нынешнее место, музеи были заменены высококлассными магазинами, клубами и ресторанами.

Достопримечательности, которые стоит посетить

RCA Студия B

Открытый для общественных туров, RCA Studio B внесен в Национальный реестр исторических мест. Сеттинг для сотен хитов, записанных легендарными артистами, такими как Элвис Пресли, Долли Партон и Уилли Нельсон, сыграл важную роль в развитии Нэшвиллского звука.В июле, когда Пресли записывал рождественский альбом, съемочная группа подвесила к потолку гирлянду разноцветных огней, чтобы помочь королю проникнуться праздничным настроением. Свет все еще присутствует в студии звукозаписи.

Quonset Hut

Оуэн Брэдли открыл Columbia’s Historic Quonset Hut, первую студию звукозаписи на Music Row, в 1954 году. Они присоединили хижину для армейских излишков к дому, который он купил на 16th Avenue South, 804, который был преобразован в помещение для записи музыки и видео.Это была установка для таких хитов, как Crazy Пэтси Клайн и Blue Velvet Бобби Винтона. Среди других музыкальных исполнителей, которые будут записаны здесь, — Боб Дилан, Джонни Кэш, Саймон и Гарфанкел. Здание было преобразовано в офисные помещения в 1982 году. Филантроп Майк Керб приобрел здание 24 года спустя и восстановил его для использования в качестве студии звукозаписи и учебной аудитории для Университета Бельмона.

Оуэн Брэдли Парк

Парк Оуэна Брэдли — небольшое городское открытое пространство, посвященное этому влиятельному музыканту и продюсеру.Расположенный на 16-й авеню Юг, недалеко от пересечения с Дивизион-стрит, парк открылся в 1997 году. В зоне отдыха есть бронзовое изображение Брэдли в натуральную величину, сидящего за пианино. Это произведение искусства, созданное Гэри Смитом, было представлено в 1999 году. Вы можете сесть на скамейку рядом со статуей продюсера кантри-музыки и получить уникальную возможность сфотографироваться.

«Музыка»

Открытая в 2003 году, Musica представляет собой большую бронзовую статую, созданную уроженцем Нашвилла Аланом ЛеКуайром. Скульптура высотой 40 футов является центральным элементом кольцевой развязки Music Row, где 17-я авеню Юг пересекает улицу Дивизион.Изображая девять раздетых мужских и женских фигур, танцующих по кругу на основании из известняковых валунов, это самая большая бронзовая групповая статуя в стране.

ASCAP

Американское общество композиторов, авторов и издателей (ASCAP), представляющее сотни певцов и авторов песен со всего мира, было создано для защиты авторских прав музыкальных исполнителей. ASCAP лицензирует, собирает и распределяет роялти за материалы, защищенные авторским правом своих членов. Организация также чествует своих лучших членов, проводя серию ежегодных премий в музыкальных жанрах, от поп-музыки и соула до христианских.Штаб-квартира организации находится на Music Square West.

ИМТ

Компания Broadcast Music, Inc. (BMI), основанная в 1939 году, является крупнейшей в мире организацией по защите прав на музыку. Он собирает и распределяет лицензионные сборы и роялти для защиты авторских прав членов организации. Из своей штаб-квартиры на Music Square East BMI отслеживает более 10 миллионов выступлений своих лицензионных произведений по всему миру радиостанциями, ночными клубами и поставщиками цифровой музыки. Организация спонсирует ежегодную церемонию вручения наград своим высшим членам.

Маленькие сестры бедных

Little Sisters of the Poor for the Aged — E-образное здание в стиле эпохи Возрождения, построенное в 1916 году. Комплекс занимает территорию площадью более 2 акров на Хортон-стрит, ограниченную 17-й и 18-й южными авеню. Главное четырехэтажное здание внесено в Национальный реестр исторических мест как выдающийся образец архитектуры начала 20 века. Католическое агентство по оказанию помощи «Маленькие сестры бедных» управляло домом в течение пяти десятилетий.В перестроенных зданиях разместились офисы BMG Music Publishing. Живая музыка и видео-представления проходят в бывшей часовне, которая была отреставрирована и превращена в концертный зал.

Curb Records

Основанный Майком Кербом в 1964 году, Curb Records — крупный независимый музыкальный лейбл со штаб-квартирой на Music Square East. Среди хитов лейбла — песни таких известных исполнителей, как Рой Орбисон, Тим Макгроу, Лиэнн Раймс и Джаддс. Помимо восстановления исторической хижины Quonset в Колумбии, Curb сыграл важную роль в создании музея Джонни Кэша.Работа Керб была отмечена звездой на Аллее славы Music City.

Tour Music Row

Посещение нового ночного тура тележки

Оставьте детей, расслабьтесь и отправляйтесь в круиз по Музыкальному городу, наслаждаясь живописными ночными видами и классическими мелодиями Нэшвилла. В этом туре вы не только познакомитесь с популярными достопримечательностями, но и талантливые гиды поразят вас своими музыкальными талантами и обширными историческими знаниями города. Во время тура вы остановитесь во всемирно известном хонки-тонке и насладитесь напитком с новыми друзьями.Это идеальный выбор для свидания или групповой прогулки и, безусловно, обязательный к посещению в Нэшвилле!

Развлечения поблизости

Особняк Бельмонт

Отель Belmont Mansion расположен на территории кампуса университета Бельмонт. Он представляет собой особняк в стиле итальянской виллы, построенный в середине 1800-х годов. Дом был построен Аделисией Хейс Франклин по проекту архитектора Уильяма Стрикленда, который также спроектировал Капитолий штата Теннесси. Самый большой дом-музей в Теннесси, богато украшенный особняк со старинной мебелью, венецианским стеклом и разнообразными произведениями искусства.Он был добавлен в Национальный реестр исторических мест в 1971 году.

Бельмонт Карильон

Созданный под влиянием архитектуры древнего Александрийского маяка, отель Belmont Carillon изначально был водонапорной башней поместья Бельмонт. Знаменитая колокольня, в которой находится карильон с 43 колоколами, занимает видное место на логотипе Бельмонтского университета.

Театр Белкорт

Открытый в 1925 году как кинотеатр немого кино, Belcourt Theater когда-то служил домом для Grand Ole Opry и Детского театра в Нэшвилле.В этом историческом месте для представлений проводятся живые выступления, а также ежегодно проводится кинофестиваль.