Советы и лайфхаки

Арт дизайн это википедия – Дизайн — Википедия

Арт-дизайн — это искусство!

Впервые данный термин появился в Италии в восьмидесятые годы двадцатого века. Его появление было связано с образованием двух дизайнерских групп, носящих названия «Алхимия» и «Мемфис». Участниками первой были Мендини и Гуэррьеро, а второй Соттсасс, которые бросили вызов существующему на тот момент дизайну функционального характера. В современном мире это бы назвали патентом на креативную идею. Произведения искусства, которые все чаще и чаще создавали указанные дизайнеры (а занимались они в самом начале своего творческого развития дизайном интерьеров и созданием дизайна мебели), стали отличаться от распространенных на тот момент прагматичных продуктов дизайнерской работы.

Новый стиль стал выделяться из того, что было раньше, следующими чертами:

  • Оригинальные сочетания цветов и света

  • Создание объектов в разных стилистических направлениях

  • Смешение стилей при разработке одного продукта

  • Использование в работе экзотических направлений, которые ранее вообще не применялись в дизайне

  • Работа с необычными образами

  • Использование в работе необычных материалов

  • Качественное создание композиции в целом

  • Применение ручной работы в большей степени при создании новых объектов

Исходя из вышесказанного можно подумать, что арт-дизайн может прийти по вкусу очень небольшому кругу лиц, в который входя эстеты и рафинированные представители светского общества. Но это совсем не так. Люди приняли этот новый подход к созданию дизайна и полюбили его. Практически всем показались привлекательными объекты созданные человеческими руками, сочетающие в себе тонкие интонации и сильные чувства.  Люди, сталкиваясь с работами дизайнеров, применявших в своей деятельности такое направление, имели дело с искусством как таковым, а значит испытывали неподдельные эмоции. А людям это нравится.

webformula.pro

Арт-дизайн — лекция

                          АРТ-ДИЗАЙН.

Арт-дизайн («дизайн-искусство») — вид дизайна с явным приоритетом эстетического начала, направленный на организацию художественного впечатления, получаемого от воспринимаемого объекта. Это «проектирование эмоций», цели которого сближаются с задачами декоративного или даже изобразительного искусства, удаляясь от задач предметного художественного творчества. Чаще всего объекты арт-дизайна – это демонстрационно-выставочные экспонаты, но представляющие собой не произведения изобразительного или декоративного искусства, а декоративные образы знакомых по визуальным признакам вещей: одежды, головных уборов, посуды, мебели, светильников и т. д., преобразованных фантазией художника. 

В своем большинстве они мало рассчитаны на практическое использование, поскольку их утилитарные функции завуалированы, отстранены или вообще сняты авторами [2]. 
По существу, это – декоративные композиции на тему вольно интерпретированных образов изделий тех или иных групп, видов и типов, часто переплетающихся с образами, заимствованными из других видов искусств. Иногда эти композиции по-настоящему оригинальны, выразительны, красивы, но чаще они просто преследуют цели эпатажа зрителей, ниспровержения общезначимых ценностей и критериев красоты компонентов предметного мира ради самоутверждения художников, стремящихся к любой новизне любыми средствами. 
Практически все материалы, применяемые для создания вещей в других видах дизайна, в разных сочетаниях используются и в объектах арт-дизайна, но прежде всего в декоративных целях. Это – металлы, древесина, стекло, керамика, пластмассы, резина, краски, ткани, трикотаж, кожа, мех, самоцветы, камень и т. д. 
Арт-дизайн целенаправленно отошел от критериев, определяющих сущность промышленного дизайна и стайлинга, пополнив собой разные направления авангардизма в пространственных и пластических искусствах или концептуально особые разновидности выставочного декоративного искусства. Творцы произведений арт-дизайна нередко считают себя художниками особого мира преобразованных их выдумкой вещей, но не дизайнерами, ориентированными на промышленное внедрение практически полезных и одновременно красивых изделий самого разного назначения, необходимых людям в их многообразной жизнедеятельности. 
В связи с этим закономерно встают вопросы. Причем здесь дизайн? Почему за этим видом декоративного предметного творчества закрепилось название арт-дизайн? Почему его включают в систему видов дизайна? Какова его роль в мире материально-художественной культуры, в том числе – дизайна? 
Причины этого, по-видимому, заключаются в следующем. Арт-дизайн (приходится его так называть за неимением более точного термина, соответствующего сути явления) имеет дело с вещами, или их художественно трансформированными образами, являющимися также объектами и промышленного дизайна или стайлинга (только технически простыми). Слово «дизайн» давно стало модным, престижным, оставив позади «декоративно-прикладное искусство». Многозначность английского слова design позволяет в английском языке распространять его значение и на слова: творческий замысел, проект, эскиз, рисунок, узор, композиция, искусство композиции, и даже произведение искусства. 
 
Социально культурные истоки арт-дизайна, обусловившие выделение этого вида предметного художественного творчества в качестве особого направления, отличающегося от архитектонических искусств, можно обнаружить и в чисто декоративных изделиях-предметах, создававшихся искусными мастерами-ремесленниками в доиндустриальную эпоху, и в отдельных художественно изящных или экстравагантно-роскошных, оригинально-декоративных уникальных произведениях стилевых направлений периода арт деко (20 – 30-е гг. ХХ в.) и, наконец, в проявлении принципиального эстетизма творческой личности у многих профессиональных художников прикладного искусства в нашей стране во второй половине 60-х гг. ХХ в. 
Сознательный уход этих прикладников, еще недавно с энтузиазмом работавших на массовое производство под лозунгом «Искусство – в быт!» (так назывались большие выставки декоративно-прикладного искусства конца 50-х – начала 60-х годов) от будней созидания эстетически значимых полезных вещей, предназначенных для их тиражирования промышленностью, к празднику свободного, творчески привлекательного и престижного выполнения уникальных произведений декоративного искусства, рассчитанных чаще всего на любование ими, вызвал общественный резонанс, отразившийся в конце 60-х гг. в бурной дискуссии искусствоведов на страницах журнала «Декоративное искусство СССР». 
В своей статье «Буря в стакане без дна» Ю.Я. Герчук тогда писал (имея в виду такие конкретные произведения, как положенный набок хрустальный стакан без дна, имеющий вогнутые стенки, на котором методом пескоструйной обработки была изображена несущая тройка коней, везущих сани с седоком, – художник Ю. Бяков; или композиция художника Б. Смирнова «Пара чая» – скульптура из цветного стекла горячей лепки – образ трактирной пары чая, включающей условно-обобщенное изображение двух чайников с запаянными носиками), что «стакан теперь уже не стакан, а «образ стакана», чайник – не чайник, а только «тема». Художник обрел этой ценой не стесненную докучными требованиями пользы возможность отдаться «увлекательной игре форм», углубленно работать над выявлением возможностей материала, над его пластикой, цветом, фактурой… Создаваемое таким методом «не функциональное» произведение не может оказаться ничем иным, кроме как изображением чайника, как бы ни был он переосмыслен или стилизован. Создается, значит какой-то новый, особый жанр изобразительного искусства – своего рода объемные натюрморты, к тому же в натуральном материале. Вероятно, такие поиски нужны. Но для плодотворности этих поисков должна быть, думается, ясно осознана их изобразительная, а не прикладная природа. Пока же этого не произошло, осознаны только неутилитарность и «выставочность» новых произведений» [5, с. 46].  
В.Л. Глазычев в статье «Красота и польза декоративного искусства» [6] обращается к проблеме выявления социальной функции декоративного искусства, поскольку неопределенность представления об этой сфере работы художника вносит путаницу как в художественную критику произведений такой области творчества, так и в саму художественную практику. «Одни смешивают декоративное искусство с чистым искусством, другие – с дизайном, третьи отстаивают идею отдельности, а специфичность утверждают все…». «Любой из вопросов относительно декоративного искусства приобретает действительный смысл только после того, как все они сверстываются в один, принципиальный – что является, что может быть функциональной задачей декоративного искусства в конкретно взятом обществе» [6, с. 4]. 
«До становления в мире целостной системы дизайна декоративное* искусство, стихийно, но предельно четко дифференцированное по разрядам  потребителей, полностью выполняло его функцию, придавая бытовым и техническим предметам культурные значения. При этом в высшем разряде узкой потребительской элиты эти значения поднимались на высший уровень, где вещь полностью приравнивалась к произведению искусства. Дизайн резко перестроил систему значений предмета в буржуазной культуре – теперь дизайн работает на дифференцированную массу потребителей, а декоративное искусство и тождественный ему по сути, так называемый «артистический дизайн», обеспечивают потребительской элите выражение ее «инности», обособленности, «антимассовости». В чистом виде современное западное декоративное искусство – это проектирование через индивидуального потребителя, обладающего возможностями и необходимостью выразить свою принадлежность к «элите» через владение уникальностью [6, с. 5].  
В процитированном высказывании В. Л. Глазычева ясно обозначена 
* Автором подразумевается здесь не чисто декоративное, а декоративно-прикладное искусство. 
социально-культурная роль не только декоративного искусства, но и арт- дизайна, которого в конце 60-х – начале 70-х годов прошлого века еще не было в нашей стране, но социальную функцию которого, интуитивно верно- угаданную и принятую на вооружение отечественными художниками-прикладниками («свободными художниками» – членами Союза художников СССР), уже тогда начало выполнять декоративное искусство. А это означало движение к расслоению художественной культуры (в сфере предметного творчества) на «элитарную» и «массовую», т.е. «высокую» культуру для немногих избранных и стандартизованную, нередко примитивную и низкопробную культуру для всех остальных, тиражируемую «индустрией массовой культуры». 
С середины 90-х гг. прошлого века и в начале нового ХХI столетия это явление в культуре, давно существовавшее в странах Запада, в полной мере реализовалось и в России, захватив не только литературу, музыку, кино, театр, телевидение, изобразительное искусство, но и сферу архитектонических искусств, в том числе дизайн, с выделившимся из него арт-дизайном.  
Б.А. Смирнов, архитектор по образованию, преподававший в послевоенные годы в ЛВХПУ им. В.И. Мухиной прикладное искусство и связавший свою творческую деятельность с созданием декоративных изделий из стекла (прославившийся своими чисто декоративными композициями из цветного художественного стекла горячей лепки, в том числе такими, как «Пара чая» и «Праздничный стол»), в своей статье «Кризис? Чего?» [7] оправдывает уход талантливых художников- прикладников в сферу свободного творчества в декоративном искусстве. 
«Трудные условия работы художника в промышленности, техническая отсталость производства, забота лишь о выполнении плана за счет упрощения технологии не стимулируют новаторства в создании новой промышленной вещи. В магазинах продаются товары преимущественно низкого художественного качества. Образцы художников слишком часто остаются на полках заводских музеев и в хранилищах Художественного фонда. Вот почему у художников убит интерес к работе над бытовыми вещами – теми, что должны практически служить человеку ежедневно, всегда» [7, с. 28]. 
Б.А. Смирнов мог бы к этому добавить то, что сам прекрасно знал, как преуспевавший художник декоративного искусства – член Союза художников СССР. 
В Союзе художников СССР, его Художественном фонде, в отличие от промышленных предприятий, НИИ и КБ, была установлена хорошая система заказов выставочных произведений, их оценки, оплаты и поощрения. Работа художника в этом плане зависила только от решения художественных советов, что создавало куда более привлекательные условия для «свободных» авторов, имеющих к тому же полную возможность самим распоряжаться своим творческим временем, в отличие от штатных художников промышленных предприятий. 
Вот почему не только профессиональные художники прикладного искусства, но и многие дизайнеры, вкусив трудного хлеба «пленных» дизайнеров, работавших в разных отраслевых НИИ и КБ, или НПО, и даже в системе ВНИИТЭ за весьма скромную зарплату, стремились стать «свободными художниками», переходя в комбинаты Художественного фонда Союза художников СССР. При этом немалое количество дизайнеров переквалифицировалось в художников декоративно-прикладного или чисто декоративного, а то и каких-либо видов изобразительного искусства. 
В постсоветской России, как ожидалось, должны были создаться самые благоприятные условия для работы дизайнеров по контрактам (договорам) с предприятиями-заказчиками или частными лицами уже в качестве «свободных дизайнеров» (по аналогии с частнопрактикующими дизайнерами в развитых странах мира). Но абсолютно непродуманный волюнтаристский переход к рыночной экономике в наше стране, обвальная приватизация ради скорейшего создания класса собственников, привели к разрушению многих отраслей отечественной промышленности, закрытию множества НПО, НИИ, КБ, что в результате лишило массу профессиональных дизайнеров заказов в сфере промышленного дизайна.  
Из всего разнообразия областей применения методов дизайна в современной России остались и гипертрофированно развились в основном области дизайна рекламы и дизайна интерьеров (жилых и общественных зданий), в какой-то мере и дизайна одежды.  
Эти социально-экономические факторы косвенно обусловили появление и распространение в стране арт-дизайна, ориентированного у нас не столько на узкий слой состоятельной и при этом культурной элиты (основные заказчики дизайна интерьеров загородных вилл и больших городских квартир далеко не всегда высококультурны), сколько на привлечение внимания к проявлению артистического индивидуализма и художественного самовыражения его творцов на периодически организуемых художественных и дизайнерских выставках. 
Увы, в условиях сегодняшней России как с социально-культурных, так и социально-экономических позиций, строго говоря, нет почвы для развития и востребованности арт-дизайна. 
В этом отличие отечественного арт-дизайна от арт-дизайна многих стран Запада, где наиболее талантливые дизайнеры уже несколько десятилетий успешно работают в этой области художественного творчества, а их новаторские поиски и находки, нацеленные на преодоление издержек как функционального, так и коммерческого дизайна (стайлинга), используются некоторыми фирмами, внедряющими разработки «артистических дизайнеров» в целях не столько коммерческих, сколько рекламных, позволяющих выделиться среди конкурентов. 
Ярким примером социально-культурно значимого арт-дизайна, за 
которым стояли серьезные авторские концепции переосмысления роли дизайна в материально-художественной культуре человечества, могут служить экспериментальные работы в этой области предметного художественного творчества, выполнявшиеся многогранным художником и дизайнером Италии Этторе Соттсассом в 70 – 80-е годы ХХ в. В 60 – 70-е гг. его имя было связано  с фирмой Оливетти, для которой он наряду с М. Беллини и М. Ниццоли разрабатывал тогда блестящие образцы дизайна портативных пишущих машинок, настольных электронно-счетных машин, конторской мебели и оборудования офисов. 
В середине 60-х гг. ХХ в. Э.Соттсасс, М. Беллини и Д.Ч. Коломбо занимали неоспоримо лидирующее положение в национальном и отчасти  мировом дизайне. Каждая вещь, созданная кем-либо из них, вызывала и восхищение, и горячие споры в кругах дизайнеров, критиков-искусствоведов. 
Высокая проектная культура была залогом успешного сбыта продукции, сделанной по их проектам [8]. 
Но Э.Соттсасс не удовлетворялся достигнутым. В те же годы, анализируя авангардную живопись и скульптуру, он находил в них идеи, воплощавшиеся за тем в его проектах «поэтической мебели», которую он создавал для фирмы Poltronova. Его «странная» керамика рождалась под влиянием восточных философий, постижению которых он отдавал немало времени. В 1969 – 70 гг. появилась новинка упомянутой фирмы – «серая мебель» (название – символ печали по уходящей молодости).  
Однако называвшаяся так мебель изготавливалась не только серой, но и белой, и черной, и охристой. В ней заметно было влияние его собственной керамики, ацтекской скульптуры и даже радиоприемников 30-х годов (так называемого стиля «небоскреб»). Материалом мебели является окрашенный в массе стеклопластик, а технологией – вакуумное формование. Эти разработки Э.Соттсасса, обладая оригинальностью, ни в коем случае не отрывали красоту вещей от их пользы и не являлись чисто выставочными декоративными экспонатами.  
В созданной вместе с единомышленниками в 1976 г. студии «Алхимия» Э.Соттсасс работал над созданием гобеленов, мебели, посуды, других вещей, желая в результате экспериментов сформировать направление «артистического» дизайна в противовес стандартной нейтральности обычного промышленного дизайна.  
Здесь, однако, следует сделать отступление. Э.Соттсасс, как и все другие арт-дизайнеры, объектами своих экспериментов, поисков выбирали, как правило, простые вещи, традиционные для доиндустриального предметного художественного творчества, для прикладного искусства, но не такие изделия, которые были порождены научно-техническим прогрессом. На этом, весьма ограниченном немногими видами бытовых вещей, поле творческих поисков арт-дизайн оказался близким по своей художественной природе декоративному искусству. Все многообразие технически сложных бытовых изделий хозяйственного и культурно-досугового назначения остается за пределами творческих экспериментов арт-дизайнеров, также как и все виды транспорта, машин, приборов, инструментов производственного и общественного назначения.  
Поэтому-то (при всем уважении к плодотворным поискам и талантливым экспериментам выдающихся творцов арт-дизайна*, к художественному переосмыслению объектов, попавших в поле арт-дизайна) понятийно и терминологически неточно причислять к дизайн-деятельности это качественно особое направление творчества, в котором, превалируют ценности «артистического индивидуализма». 
В 1979 г. Э.Соттсасс в Милане вместе Дж. Понти, И. Гарделлой, М. Беллини, Г. Ауленти, Б. Мунари организует выставку под названием «Что такое дизайн?». Ее концепцией являлся вопрос о месте дизайна в ряду других профессий, чья функция – формирование материально-художественной культуры. В 1980 г. Э.Соттсасс участвовал в разделе выставки в г. Линц (Австрия) «Форум дизайна», носившем название «Что же такое современный дизайн?». Ответом было противопоставление концепций Соттсасса и его единомышленников догмам функционалистского дизайна.  
Эти концепции, отражавшие идеи «эмоционального», «экспериментально-артистического», «концептуально-поэтического» дизайнов, воплотились в деятельности нового предприятия-лаборатории, созданного Э.Соттсассом в 1981 г. и названого «Мемфис». Основатели «Мемфиса» поясняли, что это должна быть  лаборатория поисков новых образцов быта, изменений отношений человека и вещи, новых критериев дизайна. Стиль «Мемфиса» возник не на пустом месте: некоторые его элементы восходят к арт деко, какие-то, – к искусству древних цивилизаций, другие были найдены представителями «банального дизайна» и самим Соттсассом в прежние годы творчества. «Мемфис скоро выйдет из моды, – говорили они, – но это и не мода. Мемфис эклектичен, он банализирует золото и мрамор и облагораживает слоистый пластик, нержавеющую сталь и каучук. Он стремится освободить пространство, демонументализировать архитертуру, сорвать покровы тайны с памяти навсегда». Привлекательность нового направления была в отсутствии догматизма». [8, с. 28]. 
Вещи Соттсасса и его друзей – странные, ироничные, разукрашенные – выражали одновременно ностальгию по прошлому, настоящее и надежду на будущее. Расцвет этой студии был недолгим, но он показал пути выхода из устоявшихся и застоявшихся схем. «Стремление опоэтизировать рабочие и бытовые процессы можно считать главным в творчестве Э.Соттсасса. Он стремился прикоснуться к границам неуловимого, вырваться за пределы  
 
* Имеются в виду немногие, действительно талантливые «артистические дизайнеры», а не масса всяких посредственностей, самоуверенно выступающих под флагом «арт-дизайна». 
повседневности, в каком бы качестве в каждой своей работе он ни выступал: функционалиста, модерниста или сторонника «ретро» [8, с. 29]. 
По-своему работал в арт-дизайне другой известный итальянский художник, архитектор и дизайнер мебели Гаэтано Пеше. В конце 60-х – начале  80-х годов ХХ в. он увлекался созданием надувной мебели из новых материалов (для фирмы C&B Italia), в формообразовании которой проявлялось стремление к биоподобным формам. 
В такой мебели серии «Up» кресло из полиуретана имело стилизованные черты женского тела (модель «Up 5»), другое кресло «Up 7» напоминало человеческую ступню огромных размеров, кресло «Up 2» - отложной воротничок и т.п.  
Многое создавалось этим художником специально для выставок, рекламных компаний, где использовались его оригинальные находки. В 1969 г. для «Центра Цезаре Кассино» он придумал облицовку стен одного из помещений, выполненную из тиражированных горельефных плиток, представляющих собой часть лица: нос и губы. 
Примером арт-дизайна, носящего театрально-декорационный характер, является модель уникального по образу и композиции трехместного дивана, которому автор дал название «Закат солнца над Нью-Йорком» (1980г.).На одну раму здесь был поставлен блок из трех мягких подушек-сидений, двух разновысоких подушек-подлокотников  и двух подушек-спинок (по краям дивана), обтянутых специальной светлой тканью с рисунком, изображающим ряды окон в небоскребах. Центральная большая стеганая подушка полукруглой формы красного цвета символизировала заходящее за дома солнце. 
И если на этом образно-декоративном диване, составленном из трех кресел, можно было сидеть, как и на упомянутых выше креслах из полиуретана серии «Up», а так же на двух креслах серии «Fetri», сделанных из толстого шерстяного фетра (в нижней части кресел пропитанного для устойчивости и прочности резиной), то полихромная раскрашенная скульптура на тему кресла со спинкой, представляющей собой спереди обобщенный рельеф лица человека, опорами-боковинами с откровенно подчеркнутыми следами лепки, но без сиденья, явно демонстрирует только свою художественно-образную значимость вместе с антиутилитарностью [9]. 
Фонд современного искусства Картье в Париже специальную выставку, открытую в октябре 1998 г., посвятил одному из самых изобретательных и неповторимых художников, создающих одежду и арт-композиции на тему одежды, японскому новатору в этой области творчества Иссэй Миякэ [10]. Развивая концепцию японских кимоно, которые так обертывают тело человека, что большая часть ткани остается свободно висящей, И. Миякэ исповедует новый подход к одежде, в котором воображение художника сочетается с комфортом и использованием как традиционных, так и новых материалов, вместе с выявлением возможностей новейших технологий.  
Гладкокрашеные ткани могут встречаться в его произведениях с откровенно изобразительными сюжетами (реалистического или сюрреалистического толка), естественные материалы с синтетическими, а сами образцы одежды быть как вещами, предназначенными для использования по назначению, так и декоративно-выставочными образцами арт-дизайна. Примером последнего является ярко-красное пластмассовое бюстье, задуманное, как элемент верхней одежды, но при этом выше талии представляющее собой пластически стилизованный торс с чашечками, откровенно подчеркивающими женскую грудь [10]. 
Собственное поле арт-дизайна создал французский мастер-мебельщик (краснодеревщик), художник и музыкант Мишель Обри. Его произведения, как правило, уникальные, тщательно продуманные, искусно мастерски выполненные, могут быть предназначены или только для эстетического восприятия в интерьерах, или также и для практического использования (в последних красота и польза органичны). Он увлекался изделиями мебели, плоскими и пространственными конструкциями, а также предметами с музыкальным звучанием (сочетание формы, цвета и звука). В концепции предметного творчества М. Обри явно прослеживается синтез разных проявлений художественной культуры и стремление по-своему переосмыслить отношения вещи – пространства – человека [11]. 
Разумеется, краткое рассмотрение творчества нескольких выдающихся «артистических дизайнеров» Запада не позволяет составить целостного представления о многообразии проявлений художественного самовыражения в этой области созидания материально-художественной культуры, представляющей собой по существу диффузный переход от архитектонических искусств к сугубо декоративным искусствам, граничащим с областью «чистых» искусств ( монофункциональных). 
Опыт арт-дизайна заслуживает специального критического изучения для выявления его роли в поисках путей расширения культурного значения других видов дизайна, как разных слоев предметного художественного творчества. Самый общий анализ проблемы, содержащийся в данной статье, позволяет сделать предварительный вывод о том, что эта роль заключается в противодействии процессам унификации и стандартизации способов удовлетворения человеческих потребностей и тем более запросов, вкусов, взглядов, идеалов, насаждаемых массовым производством и массовым потреблением (точнее, психологией консьюмеризма) с помощью средств массовой информации. Такие процессы противоречат принципу плюрализма – необходимому условию поддержания «избыточности» культуры как результата и источника ее развития.


student.zoomru.ru

Разработка дизайн-проекта в арт-стиле - Energy

Разработка дизайн-проекта в арт-стиле

Арт-дизайн – это направление в разработке дизайна интерьера с преобладанием художественной составляющей, которая опирается на высокое искусство.

Рождение термина «арт-дизайн» берет свое начало во второй половине двадцатого столетия. Страна родоначальник – Италия. Взоры творческих и креативных людей были привлечены в направлении экспрессивного и дерзкого стиля «арт».

Стилевые особенности дизайн-проекта в стиле «арт»:

  • контрастные сочетания цвета и света;
  • комбинирование разных стилей;
  • экзотические акценты, которые ранее не применялись при оформлении интерьеров;
  • нестандартные «кричащие» формы и образы;
  • необычные материалы для отделки;
  • преобладание художественной деталировки с акцентом на хенд-мейд.

Важно!  Арт-дизайн — изящная линия современного дизайна, несмотря на то, что ее реализация требует использования абсурдных, на первый взгляд, предметов домашнего и уличного обихода. Например, шин от машин, из которых делаются оригинальные лампы или светильники для интерьера.

Виды арт-дизайна в интерьере помещений

Дизайн-проект помещения в арт-стиле может быть реализован в двух направлениях:

  • Поп–арт. Стиль популярного искусства. Очень любит использование в интерьере объемных картин и орнаментов, состоящих из оптического обмана. Приемлет в интерьере разработку мини-инсталяций в виде подиумов и сцен, неожиданных возвышенностей и переходов. Приветствует обилие зеркал или светильников необычной формы, из огромнейшего количества предметов. Такой стиль несет в себе откровенную провокацию в цвете стен, потолка и пола. Все они могут быть выкрашены в разные контрастные цвета.
  • Арт-деко. Ответвление первоначального Арт, которое появилось во Франции. Этот стиль соединил в себе модерн, геометрический уклон  и экспрессию. Четкие и выразительные формы, пользующиеся спросом у многих профессионалов в области дизайна. Изначально это направление использовалось в рисовании иллюстраций, но со временем вылилось в создание стиля касающегося разработки мебели и оформления помещения.

Обратите внимание! В этом «дизайн-искусстве» главная роль отводится первому впечатлению от художественного акцента. Дизайнер не просто создает дизайн-проект, он проектирует ваши эмоции с помощью демонстрации своих или ваших воплощенных фантазий в интерьере.

Материалы для разработки дизайн-проекта в арт-стиле

Оригинальные, иногда шокирующие, композиции присущие стилю эпатируют публику, неся в своем выражении обязательный смысл, который демонстрируется необычным образом с применением любых средств.

Материалы, которые будут использоваться при реализации дизайн-проекта в направлении арт:

  • керамика;
  • натуральный и декоративный камень;
  • ткани;
  • мех;
  • кожа;
  • самоцветы;
  • металл;
  • дерево;
  • стекло;
  • пластмасса;
  • резина;
  • краски.

Важно! Не один стиль не способен настолько вас удивить, как сделает это арт-стиль. Каким он будет арт-деко или поп-арт, конечно, решать вам и вашим близким людям, которые захотят заказать проектной компании именно такие интерьеры квартир, офисов или магазинов.

Дизайн-проект в арт-стиле от Energy-Systems

Команду Energy-Systems не испугать смелыми решениями в разработке дизайн-проектов в стиле поп-арт или арт-деко. Если вы та самая творческая личность, которая собралась с духом и решила «выстрелить» своим предпочтением – позвоните нам по телефону, который указан в шапке сайта.

Внизу страницы есть онлайн-калькулятор, который поможет сделать предварительный расчет стоимости услуг при разработке вашего дизайн-проекта.

Поделитесь ссылкой

 

Дата публикации: 01.11.2017

energy-systems.ru

22 Арт-дизайн на современном этапе

Арт-дизайн — один из видов современного дизайна, который отличается явной художественной и эстетической направленностью. Созданные дизайнерами объекты созданы на принципах высокого искусства и спроектированы на получение эмоционального художественного впечатления. В некотором смысле задачи арт-дизайна напоминают цели декоративного или изобразительного искусства, и в то же время существенно отличаются от художественного творчества (предметного). Другими словами объекты арт-дизайна – это искусственные образы, созданные на визуальной основе таких предметов как мебель, светильники, посуда и одежда, отображаемых фантазией дизайнера.

В новом направлении присутствовали характерные отличительные признаки:

объединение в одном предмете нескольких стилей;непривычные и непредсказуемые сочетания света и цвета; использование незнакомого экзотического стиля; применение нестандартных предметов; высокие качественные показатели композиции; употребление «разностилья»;использование неординарных образов;эстетический подход к деталировке формы, качеству поверхности, колориту; доминирование предметов, созданных вручную (hand made) .

В современном мире арт-дизайн широко применяется практически во всех областях, так или иначе связанных с творчеством, например, внешний и внутренний дизайн помещений, создание интерьера и аксессуаров, полиграфическая продукция, одежда и украшения. Популярный сегодня body-art (дизайн тела), к которому относятся также рисунки на ногтях, татуаж и прически, также считается разновидностью арт-дизайна.

Очевидно, что объекты арт-дизайна обладающие эмоциональными и эстетическими достоинствами всегда будут доминировать над объектами классического дизайна, которым присущи технологичность и осмысленность. При этом функциональность в объектах арт-дизайна обязательно присутствует, пусть и в меньшей степени.

23 Дизайн-икон 20 века в россии и зарубежные дизайнеры

Термин «икона дизайна» или «дизайн-икона» появился в конце XX века в профессиональной среде для обозначения знаковых произведений дизайна.

За каждой «иконой дизайна» стоит новаторское использование новых для того времени материалов и технологий. Многие из них на много лет опередили время, став впоследствии общепризнанными шедеврами, которые занял определенное место в истории дизайна и оказали влияние на его развитие.

Главное, что объединяет эти выдающиеся произведения – это неостывающий интерес, который они вызывают у современных дизайнеров и ценителей прекрасного.

Некоторые из них существуют в единственном экземпляре, найдя свое место среди экспонатов музеев дизайна, другие были выпущены миллионными тиражами, украсив собой великое множество интерьеров.

Ле Корбюзье — один из наиболее заметных зодчих двадцатого века, пионеров современной архитектуры, создатель новаторских сооружений в духе модернизма. Одним из первых использовал в своих зданиях железобетонный каркас, крыши-террасы, большие плоскости остекления на фасаде, открытые опоры в нижних этажах зданий, свободную планировку этажей.

Мировую славу Исаме Ногучи принесли работы, лежащие на стыке ландшафтной архитектуры и пластического искусства. Сам художник называл себя скульптором, но при этом не отделял понятие скульптурного произведения от окружающего пространства и называл этим словом, например, такое явление, как традиционный японский сад. Знаковыми произведениями в его творчестве стали именно ландшафтные объекты: «Водный сад», «Сад мира» «Сад искусств Билли Роуза» «Сад-музей Ногучи».

Филипп Старк (Philippe Starck) — единственный дизайнер, ставший по-настоящему поп-звездой планетарного масштаба: с цитатами из пропагандистских речей на футболках, грандиозными фотосессиями и портретами на предметах мебели. Многие критики современного дизайна считают Старка популистом, не столько дизайнером, сколько шоуменом, бизнесменом и талантливым промоутером. И это правда — отделить Старка-дизайнера от Старка-игрока, Старка-мистификатора и Старка-звезды невозможно, как невозможно отделить созданные им предметы от тех глубинных бессознательных ассоциаций, которые они навеивают.

Коломбо — автор множества проектных разработок: мебели и комплексов жилого оборудования, светильников, фототехники и т. п., в ряду которых как вполне реалистичные и прагматичные объекты массового производства, так и концептуально-футурологические прототипы-инсталляции, выполненные для выставок и крупных международных конкурсов.

Работы Пьеро Форназетти — это смесь иллюзионизма и архитектурных перспектив. Его излюбленные темы — солнце, игральные карты, рыбы, бабочки, книги, архитектура и лицо девушки по имени Лина Кавальери.

Эйлин Грэй никогда не входила в состав творческих гильдий, ремесленных объединений или женских движений (очень популярных в начале XX века). Она всегда работала в одиночку, и это было основой её неповторимости.

studfiles.net

Арт-дизайн в мире дизайна


УДК 7.01: 62 + 7. 02. 4

В. Ю. Медведев
АРТ-ДИЗАЙН В МИРЕ ДИЗАЙНА
В статье рассматриваются место арт-дизайна в системе видов дизайна, его социально-культурные истоки, специфика художественной природы и роль в мире предметного художественного творчества.
Дизайн в месте с архитектурой и прикладным искусством относится к предметному художественному творчеству, являясь одним из видов художественно-ориентированной проектно-творческой деятельности, базирующейся на технике промышленного производства.

Предметное художественное творчество зарождалось, формировалось и развивалось, условно говоря, на пересечении сферы сугубо утилитарного, технико-конструктивного предметного творчества и сферы художественного творчества, относящегося к миру искусств. Одновременно это является пересечением сфер материальной культуры (включающей предметное творчество) и духовной культуры (включающей мир «чистых» искусств).

Виды предметного художественного творчества, в сущности которых сливаются утилитарно-практическое и эстетическое начала (имеющие разную весомость в различных объектах), материальное и духовное, относятся к группе архитектонических искусств [1]. В нее входят прежде всего архитектура, затем прикладное искусство (все его виды), дизайн, крестьянское предметное художественное творчество, городское ремесленное творчество, народные художественные промыслы.

Природа архитектонического творчества характеризуется бифункциональностью (единством красоты и пользы) в отличие от монофункциональности живописи, скульптуры, графики, художественной фотографии, художественной литературы, искусства кино, театра, музыкального искусства.

Монофункциональные искусства свободны от утилитарности , обладая одной лишь художественной функцией и духовной ценностью [1]. По отношению к ним, «чистым искусствам», архитектура, дизайн, прикладное искусство могут рассматриваться как проявление диалектического единства искусства и неискусства в предметном художественном творчестве.

Разнообразные по назначению, конструкции, форме изделия и сооружения (строения), имеющие сугубо утилитарное назначение, равно как и объекты, обладающие сугубо знаково-информационной функцией, не относятся к архитектоническим искусствам. Как объекты практического назначения, не имеющие, по существу, эстетической значимости, они являются продуктами предметного творчества, лишенного художественности.

Изделия, создаваемые исключительно для украшения людей или предметной среды (внутри и вне помещений), т. е. обладающие сугубо декоративной функцией и только эстетической значимостью, гораздо ближе к сфере искусств, чем к предметному художественному творчеству.

Они образуют область декоративного искусства в чистом виде. Многие изделия, относящиеся по своей сущности к прикладным искусствам, эволюционировали в направлении повышения своей декоративности, образовав область декоративно-прикладных искусств, а затем, утратив (часто не по форме, а по существу), функцию практической полезности, сформировали область чисто декоративного искусства.

Изделия-украшения, изделия чисто декоративные создавались не только в сфере профессионального прикладного искусства, но, как известно, еще раньше – в крестьянском и городском ремесленном творчестве, а также в народных художественных промыслах. Эстафету создания чисто декоративных изделий у этих видов предметного художественного творчества подхватил и дизайн, в котором выделилось особое направление творческой деятельности – арт-дизайн, сознательно ориентированный лишь на удовлетворение эстетической потребности.

Прежде, чем обратится к социально-культурным истокам и художественной природе арт-дизайна, следует рассмотреть его в системе видов дизайна, выделяемых по признаку их отношения к категориям «утилитарное» и «эстетическое», имея в виду гармонию их сочетания или превалирование либо утилитарного, либо эстетического начала.

Типологизация дизайн-деятельности возможна и целесообразна по нескольким основаниям, взаимно дополняющим друг друга, – по областям дизайн-деятельности (связанным с определенными субъектами дизайна), по направлениям дизайн-деятельности (существующим и перспективным), по ее специализации в зависимости от классов, групп и видов объектов дизайна, наконец, по отношению к категориям «утилитарное» и «эстетическое» [2].

Для выявления художественной природы арт-дизайна, а так же определения его места и роли в многообразном мире дизайна, необходимо сосредоточить внимание именно на последнем основании типологизации дизайнерской деятельности.

В работах [3] и [4] по этому признаку выделяются и характеризуются следующие виды дизайна: нон-дизайн (non-design), системный дизайн, инженерный дизайн, классический дизайн (industrial design), стайлинг (styling) и арт-дизайн.

Нон-дизайн определяется как исследование и программирование структур отношений между людьми, их действий, разработка стратегий, программ деятельности для различных предприятий, организаций, ориентированных, например, на задачи: реконструкции производства для освоения новой продукции; выработки концепций новых семейств промышленных товаров; проведения длительных рекламных компаний, деловых мероприятий; применения новых методов и средств профессионального обучения; организации и проведения выставок товаров и услуг; повышения эффективности торговли благодаря методам дизайна в системе маркетинга и т. п.

В нон-дизайне превалируют утилитарное начало и деятельностный уровень проектирования. Нон-дизайн – это вербальная, текстовая, словесно-логическая форма проектирования. В отличие от других видов дизайна его продуктом являются не проектно-графические или макетно-модельные результаты разработок, а тексты, содержащие, наример, сценарии, нормы, правила, программы, отражающие определенные стратегии деятельности и позволяющие наиболее эффективными методами добиться желаемых результатов.

Системный дизайн – это целостное структуро- и смыслообразование предметных комплексов, систем, включающих изделия разных видов и типов, совместно обслуживающие в той или иной среде и сфере жизнедеятельности определенную совокупность потребностей людей с учетом вариантности их реализации, обусловленной как утилитарными, так и эстетическими факторами.

Дизайнеры совместно с другими специалистами одновременно и взаимосвязанно разрабатывают предметно-структурные и управляющие элементы системы. На основе решения утилитарных задач и в единстве с ними посредством методики системного дизайна формируется художественно-проектный образ предметно-технической системы. И таким образом, в сложных комплексных предметно-процессуальных объектах системного дизайна достигается гармония утилитарного и эстетического начала.

Инженерный дизайн – это рациональное структурообразование объекта как носителя и выразителя идей взаимодействия физических сил, направленных на выполнение определенной работы, выявляемой в тектонике структуры и формы объекта дизайна.

Эстетическая выразительность таких технических конструкций, как фюзеляж самолета, корпус судна, кузов высокоскоростного поезда, фермы моста, подъемного крана, опоры линий высоковольтных электропередач, обусловлена математическими расчетами, воплощенными в функциональности формы.

Подчеркивая средствами и приемами композиции в объемно-пространственной структуре и тектонике объекта его утилитарно-техническую ценность, дизайнер стремится выявить красоту целесообразности технически обусловленной формы вещи.

Не следует распространять понятие «инженерный дизайн» на объекты чисто инженерного проектирования (отличающиеся рациональностью, оригинальностью, изобретательностью технических решений), в процессе разработки которых эстетические цели, как правило, не преследуются. Сама собой «техноформа» только вследствие ее остроумного и новаторского инженерного решения не преобразуется в «антропоформу», т. е. очеловеченную методами дизайна эстетически значимую форму [2].

Классический индастриал-дизайн – это художественное конструирование отдельных изделий (или их наборов, комплектов, коллекций, ансамблей), рассчитанное на мало-, средне- и крупносерийное производство, при котором дизайнер одновременно и взаимосвязанно разрабатывает все присущие конкретному объекту утилитарные и эстетические аспекты, определяющие его структуро-, формо- и смыслообразование, в целях достижения гармонии утилитарного и эстетического начал в целостной форме объекта дизайнерского творчества.

Разная степень весомости утилитарной и эстетической сторон сущности в различных группах, видах и типах изделий находит отражение в их композиционно-стилевом решении, выборе средств и приемов достижения образности и выразительности, преобладании технического или декоративного начала в художественном образе объекта. Но, несмотря на все различия решения конкретных задач художественного конструирования, этот вид дизайна ориентирован на гармонию утилитарного и эстетического.

Стайлинг – особый тип формально-эстетической модернизации объекта разработки, при которой изменению подвергается исключительно внешний вид изделия, что связано со сменой модели, выпускаемой в продажу вместо прототипа, при незначительном изменении функционально-эксплуатационных характеристик и технологии изготовления (или даже отсутствии таких изменений).

Стайлинг придает изделию формальную новизну, внешнее отличие от прототипов и аналогов, ускоряя моральное устаревание тех изделий, которые новая модель должна заменить, вытесняя с рынков сбыта. Стайлинг, способствующий увеличению сбыта изделий, созданных в первую очередь для успешной продажи, а не для эффективного потребления, всегда ориентирован на моду.

Несмотря на преобладание в стайлинге эстетического начала, все его объекты рассчитаны на реальное использование по назначению, а не только на любование ими (подобно и объектам индастриал-дизайна).

Стайлинг распространяется на очень большое количество групп и видов изделий бытового назначения, к которым относятся не только одежда, ее аксессуары, мебель, светильники, посуда, ткани, украшения, игрушки, часы, очки, средства письма, но и многие изделия, порожденные техническим прогрессом: бытовые машины и приборы хозяйственного назначения, аудиовизуальная аппаратура, телефоны (сетевые и мобильные), фотоаппараты, персональные компьютеры, спортивные изделия, легковые автомобили. Гораздо менее востребован стайлинг в проектировании изделий производственного, а также общественного назначения, что объясняется нецелесообразностью использования в производственной и во многом общественной сферах жизнедеятельности людей механизма ускорения морального устаревания изделий и оборудования (в эстетическом аспекте).

Арт-дизайн («дизайн-искусство») – вид дизайна с явным приоритетом эстетического начала, направленный на организацию художественного впечатления, получаемого от воспринимаемого объекта. Это «проектирование эмоций», цели которого сближаются с задачами декоративного или даже изобразительного искусства, удаляясь от задач предметного художественного творчества. Чаще всего объекты арт-дизайна – это демонстрационно-выставочные экспонаты, но представляющие собой не произведения изобразительного или декоративного искусства, а декоративные образы знакомых по визуальным признакам вещей: одежды, головных уборов, посуды, мебели, светильников и т. д., преобразованных фантазией художника.

В своем большинстве они мало рассчитаны на практическое использование, поскольку их утилитарные функции завуалированы, отстранены или вообще сняты авторами [2].

По существу, это – декоративные композиции на тему вольно интерпретированных образов изделий тех или иных групп, видов и типов, часто переплетающихся с образами, заимствованными из других видов искусств. Иногда эти композиции по-настоящему оригинальны, выразительны, красивы, но чаще они просто преследуют цели эпатажа зрителей, ниспровержения общезначимых ценностей и критериев красоты компонентов предметного мира ради самоутверждения художников, стремящихся к любой новизне любыми средствами.

Практически все материалы, применяемые для создания вещей в других видах дизайна, в разных сочетаниях используются и в объектах арт-дизайна, но прежде всего в декоративных целях. Это – металлы, древесина, стекло, керамика, пластмассы, резина, краски, ткани, трикотаж, кожа, мех, самоцветы, камень и т. д.

Арт-дизайн целенаправленно отошел от критериев, определяющих сущность промышленного дизайна и стайлинга, пополнив собой разные направления авангардизма в пространственных и пластических искусствах или концептуально особые разновидности выставочного декоративного искусства. Творцы произведений арт-дизайна нередко считают себя художниками особого мира преобразованных их выдумкой вещей, но не дизайнерами, ориентированными на промышленное внедрение практически полезных и одновременно красивых изделий самого разного назначения, необходимых людям в их многообразной жизнедеятельности.

В связи с этим закономерно встают вопросы. Причем здесь дизайн? Почему за этим видом декоративного предметного творчества закрепилось название арт-дизайн? Почему его включают в систему видов дизайна? Какова его роль в мире материально-художественной культуры, в том числе – дизайна?

Причины этого, по-видимому, заключаются в следующем. Арт-дизайн (приходится его так называть за неимением более точного термина, соответствующего сути явления) имеет дело с вещами, или их художественно трансформированными образами, являющимися также объектами и промышленного дизайна или стайлинга (только технически простыми). Слово «дизайн» давно стало модным, престижным, оставив позади «декоративно-прикладное искусство». Многозначность английского слова design позволяет в английском языке распространять его значение и на слова: творческий замысел, проект, эскиз, рисунок, узор, композиция, искусство композиции, и даже произведение искусства.
Социально культурные истоки арт-дизайна, обусловившие выделение этого вида предметного художественного творчества в качестве особого направления, отличающегося от архитектонических искусств, можно обнаружить и в чисто декоративных изделиях-предметах, создававшихся искусными мастерами-ремесленниками в доиндустриальную эпоху, и в отдельных художественно изящных или экстравагантно-роскошных, оригинально-декоративных уникальных произведениях стилевых направлений периода арт деко (20 – 30-е гг. ХХ в.) и, наконец, в проявлении принципиального эстетизма творческой личности у многих профессиональных художников прикладного искусства в нашей стране во второй половине 60-х гг. ХХ в.

Сознательный уход этих прикладников, еще недавно с энтузиазмом работавших на массовое производство под лозунгом «Искусство – в быт!» (так назывались большие выставки декоративно-прикладного искусства конца 50-х – начала 60-х годов) от будней созидания эстетически значимых полезных вещей, предназначенных для их тиражирования промышленностью, к празднику свободного, творчески привлекательного и престижного выполнения уникальных произведений декоративного искусства, рассчитанных чаще всего на любование ими, вызвал общественный резонанс, отразившийся в конце 60-х гг. в бурной дискуссии искусствоведов на страницах журнала «Декоративное искусство СССР».

В своей статье «Буря в стакане без дна» Ю.Я. Герчук тогда писал (имея в виду такие конкретные произведения, как положенный набок хрустальный стакан без дна, имеющий вогнутые стенки, на котором методом пескоструйной обработки была изображена несущая тройка коней, везущих сани с седоком, – художник Ю. Бяков; или композиция художника Б. Смирнова «Пара чая» – скульптура из цветного стекла горячей лепки – образ трактирной пары чая, включающей условно-обобщенное изображение двух чайников с запаянными носиками), что «стакан теперь уже не стакан, а «образ стакана», чайник – не чайник, а только «тема». Художник обрел этой ценой не стесненную докучными требованиями пользы возможность отдаться «увлекательной игре форм», углубленно работать над выявлением возможностей материала, над его пластикой, цветом, фактурой… Создаваемое таким методом «не функциональное» произведение не может оказаться ничем иным, кроме как изображением чайника, как бы ни был он переосмыслен или стилизован. Создается, значит какой-то новый, особый жанр изобразительного искусства – своего рода объемные натюрморты, к тому же в натуральном материале. Вероятно, такие поиски нужны. Но для плодотворности этих поисков должна быть, думается, ясно осознана их изобразительная, а не прикладная природа. Пока же этого не произошло, осознаны только неутилитарность и «выставочность» новых произведений» [5, с. 46].

В.Л. Глазычев в статье «Красота и польза декоративного искусства» [6] обращается к проблеме выявления социальной функции декоративного искусства, поскольку неопределенность представления об этой сфере работы художника вносит путаницу как в художественную критику произведений такой области творчества, так и в саму художественную практику. «Одни смешивают декоративное искусство с чистым искусством, другие – с дизайном, третьи отстаивают идею отдельности, а специфичность утверждают все…». «Любой из вопросов относительно декоративного искусства приобретает действительный смысл только после того, как все они сверстываются в один, принципиальный – что является, что может быть функциональной задачей декоративного искусства в конкретно взятом обществе» [6, с. 4].

«До становления в мире целостной системы дизайна декоративное* искусство, стихийно, но предельно четко дифференцированное по разрядам потребителей, полностью выполняло его функцию, придавая бытовым и техническим предметам культурные значения. При этом в высшем разряде узкой потребительской элиты эти значения поднимались на высший уровень, где вещь полностью приравнивалась к произведению искусства. Дизайн резко перестроил систему значений предмета в буржуазной культуре – теперь дизайн работает на дифференцированную массу потребителей, а декоративное искусство и тождественный ему по сути, так называемый «артистический дизайн», обеспечивают потребительской элите выражение ее «инности», обособленности, «антимассовости». В чистом виде современное западное декоративное искусство – это проектирование через индивидуального потребителя, обладающего возможностями и необходимостью выразить свою принадлежность к «элите» через владение уникальностью [6, с. 5].

В процитированном высказывании В. Л. Глазычева ясно обозначена

* Автором подразумевается здесь не чисто декоративное, а декоративно-прикладное искусство.

социально-культурная роль не только декоративного искусства, но и арт- дизайна, которого в конце 60-х – начале 70-х годов прошлого века еще не было в нашей стране, но социальную функцию которого, интуитивно верно- угаданную и принятую на вооружение отечественными художниками-прикладниками («свободными художниками» – членами Союза художников СССР), уже тогда начало выполнять декоративное искусство. А это означало движение к расслоению художественной культуры (в сфере предметного творчества) на «элитарную» и «массовую», т.е. «высокую» культуру для немногих избранных и стандартизованную, нередко примитивную и низкопробную культуру для всех остальных, тиражируемую «индустрией массовой культуры».

С середины 90-х гг. прошлого века и в начале нового ХХI столетия это явление в культуре, давно существовавшее в странах Запада, в полной мере реализовалось и в России, захватив не только литературу, музыку, кино, театр, телевидение, изобразительное искусство, но и сферу архитектонических искусств, в том числе дизайн, с выделившимся из него арт-дизайном.

Б.А. Смирнов, архитектор по образованию, преподававший в послевоенные годы в ЛВХПУ им. В.И. Мухиной прикладное искусство и связавший свою творческую деятельность с созданием декоративных изделий из стекла (прославившийся своими чисто декоративными композициями из цветного художественного стекла горячей лепки, в том числе такими, как «Пара чая» и «Праздничный стол»), в своей статье «Кризис? Чего?» [7] оправдывает уход талантливых художников- прикладников в сферу свободного творчества в декоративном искусстве.

«Трудные условия работы художника в промышленности, техническая отсталость производства, забота лишь о выполнении плана за счет упрощения технологии не стимулируют новаторства в создании новой промышленной вещи. В магазинах продаются товары преимущественно низкого художественного качества. Образцы художников слишком часто остаются на полках заводских музеев и в хранилищах Художественного фонда. Вот почему у художников убит интерес к работе над бытовыми вещами – теми, что должны практически служить человеку ежедневно, всегда» [7, с. 28].

Б.А. Смирнов мог бы к этому добавить то, что сам прекрасно знал, как преуспевавший художник декоративного искусства – член Союза художников СССР.

В Союзе художников СССР, его Художественном фонде, в отличие от промышленных предприятий, НИИ и КБ, была установлена хорошая система заказов выставочных произведений, их оценки, оплаты и поощрения. Работа художника в этом плане зависила только от решения художественных советов, что создавало куда более привлекательные условия для «свободных» авторов, имеющих к тому же полную возможность самим распоряжаться своим творческим временем, в отличие от штатных художников промышленных предприятий.

Вот почему не только профессиональные художники прикладного искусства, но и многие дизайнеры, вкусив трудного хлеба «пленных» дизайнеров, работавших в разных отраслевых НИИ и КБ, или НПО, и даже в системе ВНИИТЭ за весьма скромную зарплату, стремились стать «свободными художниками», переходя в комбинаты Художественного фонда Союза художников СССР. При этом немалое количество дизайнеров переквалифицировалось в художников декоративно-прикладного или чисто декоративного, а то и каких-либо видов изобразительного искусства.

В постсоветской России, как ожидалось, должны были создаться самые благоприятные условия для работы дизайнеров по контрактам (договорам) с предприятиями-заказчиками или частными лицами уже в качестве «свободных дизайнеров» (по аналогии с частнопрактикующими дизайнерами в развитых странах мира). Но абсолютно непродуманный волюнтаристский переход к рыночной экономике в наше стране, обвальная приватизация ради скорейшего создания класса собственников, привели к разрушению многих отраслей отечественной промышленности, закрытию множества НПО, НИИ, КБ, что в результате лишило массу профессиональных дизайнеров заказов в сфере промышленного дизайна.

Из всего разнообразия областей применения методов дизайна в современной России остались и гипертрофированно развились в основном области дизайна рекламы и дизайна интерьеров (жилых и общественных зданий), в какой-то мере и дизайна одежды.

Эти социально-экономические факторы косвенно обусловили появление и распространение в стране арт-дизайна, ориентированного у нас не столько на узкий слой состоятельной и при этом культурной элиты (основные заказчики дизайна интерьеров загородных вилл и больших городских квартир далеко не всегда высококультурны), сколько на привлечение внимания к проявлению артистического индивидуализма и художественного самовыражения его творцов на периодически организуемых художественных и дизайнерских выставках.

Увы, в условиях сегодняшней России как с социально-культурных, так и социально-экономических позиций, строго говоря, нет почвы для развития и востребованности арт-дизайна.

В этом отличие отечественного арт-дизайна от арт-дизайна многих стран Запада, где наиболее талантливые дизайнеры уже несколько десятилетий успешно работают в этой области художественного творчества, а их новаторские поиски и находки, нацеленные на преодоление издержек как функционального, так и коммерческого дизайна (стайлинга), используются некоторыми фирмами, внедряющими разработки «артистических дизайнеров» в целях не столько коммерческих, сколько рекламных, позволяющих выделиться среди конкурентов.

Ярким примером социально-культурно значимого арт-дизайна, за

которым стояли серьезные авторские концепции переосмысления роли дизайна в материально-художественной культуре человечества, могут служить экспериментальные работы в этой области предметного художественного творчества, выполнявшиеся многогранным художником и дизайнером Италии Этторе Соттсассом в 70 – 80-е годы ХХ в. В 60 – 70-е гг. его имя было связано с фирмой Оливетти, для которой он наряду с М. Беллини и М. Ниццоли разрабатывал тогда блестящие образцы дизайна портативных пишущих машинок, настольных электронно-счетных машин, конторской мебели и оборудования офисов.

В середине 60-х гг. ХХ в. Э.Соттсасс, М. Беллини и Д.Ч. Коломбо занимали неоспоримо лидирующее положение в национальном и отчасти мировом дизайне. Каждая вещь, созданная кем-либо из них, вызывала и восхищение, и горячие споры в кругах дизайнеров, критиков-искусствоведов.

Высокая проектная культура была залогом успешного сбыта продукции, сделанной по их проектам [8].

Но Э.Соттсасс не удовлетворялся достигнутым. В те же годы, анализируя авангардную живопись и скульптуру, он находил в них идеи, воплощавшиеся за тем в его проектах «поэтической мебели», которую он создавал для фирмы Poltronova. Его «странная» керамика рождалась под влиянием восточных философий, постижению которых он отдавал немало времени. В 1969 – 70 гг. появилась новинка упомянутой фирмы – «серая мебель» (название – символ печали по уходящей молодости).

Однако называвшаяся так мебель изготавливалась не только серой, но и белой, и черной, и охристой. В ней заметно было влияние его собственной керамики, ацтекской скульптуры и даже радиоприемников 30-х годов (так называемого стиля «небоскреб»). Материалом мебели является окрашенный в массе стеклопластик, а технологией – вакуумное формование. Эти разработки Э.Соттсасса, обладая оригинальностью, ни в коем случае не отрывали красоту вещей от их пользы и не являлись чисто выставочными декоративными экспонатами.

В созданной вместе с единомышленниками в 1976 г. студии «Алхимия» Э.Соттсасс работал над созданием гобеленов, мебели, посуды, других вещей, желая в результате экспериментов сформировать направление «артистического» дизайна в противовес стандартной нейтральности обычного промышленного дизайна.

Здесь, однако, следует сделать отступление. Э.Соттсасс, как и все другие арт-дизайнеры, объектами своих экспериментов, поисков выбирали, как правило, простые вещи, традиционные для доиндустриального предметного художественного творчества, для прикладного искусства, но не такие изделия, которые были порождены научно-техническим прогрессом. На этом, весьма ограниченном немногими видами бытовых вещей, поле творческих поисков арт-дизайн оказался близким по своей художественной природе декоративному искусству. Все многообразие технически сложных бытовых изделий хозяйственного и культурно-досугового назначения остается за пределами творческих экспериментов арт-дизайнеров, также как и все виды транспорта, машин, приборов, инструментов производственного и общественного назначения.

Поэтому-то (при всем уважении к плодотворным поискам и талантливым экспериментам выдающихся творцов арт-дизайна*, к художественному переосмыслению объектов, попавших в поле арт-дизайна) понятийно и терминологически неточно причислять к дизайн-деятельности это качественно особое направление творчества, в котором, превалируют ценности «артистического индивидуализма».

В 1979 г. Э.Соттсасс в Милане вместе Дж. Понти, И. Гарделлой, М. Беллини, Г. Ауленти, Б. Мунари организует выставку под названием «Что такое дизайн?». Ее концепцией являлся вопрос о месте дизайна в ряду других профессий, чья функция – формирование материально-художественной культуры. В 1980 г. Э.Соттсасс участвовал в разделе выставки в г. Линц (Австрия) «Форум дизайна», носившем название «Что же такое современный дизайн?». Ответом было противопоставление концепций Соттсасса и его единомышленников догмам функционалистского дизайна.

Эти концепции, отражавшие идеи «эмоционального», «экспериментально-артистического», «концептуально-поэтического» дизайнов, воплотились в деятельности нового предприятия-лаборатории, созданного Э.Соттсассом в 1981 г. и названого «Мемфис». Основатели «Мемфиса» поясняли, что это должна быть лаборатория поисков новых образцов быта, изменений отношений человека и вещи, новых критериев дизайна. Стиль «Мемфиса» возник не на пустом месте: некоторые его элементы восходят к арт деко, какие-то, – к искусству древних цивилизаций, другие были найдены представителями «банального дизайна» и самим Соттсассом в прежние годы творчества. «Мемфис скоро выйдет из моды, – говорили они, – но это и не мода. Мемфис эклектичен, он банализирует золото и мрамор и облагораживает слоистый пластик, нержавеющую сталь и каучук. Он стремится освободить пространство, демонументализировать архитертуру, сорвать покровы тайны с памяти навсегда». Привлекательность нового направления была в отсутствии догматизма». [8, с. 28].

Вещи Соттсасса и его друзей – странные, ироничные, разукрашенные – выражали одновременно ностальгию по прошлому, настоящее и надежду на будущее. Расцвет этой студии был недолгим, но он показал пути выхода из устоявшихся и застоявшихся схем. «Стремление опоэтизировать рабочие и бытовые процессы можно считать главным в творчестве Э.Соттсасса. Он

стремился прикоснуться к границам неуловимого, вырваться за пределы
* Имеются в виду немногие, действительно талантливые «артистические дизайнеры», а не масса всяких посредственностей, самоуверенно выступающих под флагом «арт-дизайна».

повседневности, в каком бы качестве в каждой своей работе он ни выступал: функционалиста, модерниста или сторонника «ретро» [8, с. 29].

По-своему работал в арт-дизайне другой известный итальянский художник, архитектор и дизайнер мебели Гаэтано Пеше. В конце 60-х – начале 80-х годов ХХ в. он увлекался созданием надувной мебели из новых материалов (для фирмы C&B Italia), в формообразовании которой проявлялось стремление к биоподобным формам.

В такой мебели серии «Up» кресло из полиуретана имело стилизованные черты женского тела (модель «Up 5»), другое кресло «Up 7» напоминало человеческую ступню огромных размеров, кресло «Up 2» - отложной воротничок и т.п.

Многое создавалось этим художником специально для выставок, рекламных компаний, где использовались его оригинальные находки. В 1969 г. для «Центра Цезаре Кассино» он придумал облицовку стен одного из помещений, выполненную из тиражированных горельефных плиток, представляющих собой часть лица: нос и губы.

Примером арт-дизайна, носящего театрально-декорационный характер, является модель уникального по образу и композиции трехместного дивана, которому автор дал название «Закат солнца над Нью-Йорком» (1980г.).На одну раму здесь был поставлен блок из трех мягких подушек-сидений, двух разновысоких подушек-подлокотников и двух подушек-спинок (по краям дивана), обтянутых специальной светлой тканью с рисунком, изображающим ряды окон в небоскребах. Центральная большая стеганая подушка полукруглой формы красного цвета символизировала заходящее за дома солнце.

И если на этом образно-декоративном диване, составленном из трех кресел, можно было сидеть, как и на упомянутых выше креслах из полиуретана серии «Up», а так же на двух креслах серии «Fetri», сделанных из толстого шерстяного фетра (в нижней части кресел пропитанного для устойчивости и прочности резиной), то полихромная раскрашенная скульптура на тему кресла со спинкой, представляющей собой спереди обобщенный рельеф лица человека, опорами-боковинами с откровенно подчеркнутыми следами лепки, но без сиденья, явно демонстрирует только свою художественно-образную значимость вместе с антиутилитарностью [9].

Фонд современного искусства Картье в Париже специальную выставку, открытую в октябре 1998 г., посвятил одному из самых изобретательных и неповторимых художников, создающих одежду и арт-композиции на тему одежды, японскому новатору в этой области творчества Иссэй Миякэ [10]. Развивая концепцию японских кимоно, которые так обертывают тело человека, что большая часть ткани остается свободно висящей, И. Миякэ исповедует новый подход к одежде, в котором воображение художника сочетается с комфортом и использованием как традиционных, так и новых материалов, вместе с выявлением возможностей новейших технологий.

Гладкокрашеные ткани могут встречаться в его произведениях с откровенно изобразительными сюжетами (реалистического или сюрреалистического толка), естественные материалы с синтетическими, а сами образцы одежды быть как вещами, предназначенными для использования по назначению, так и декоративно-выставочными образцами арт-дизайна. Примером последнего является ярко-красное пластмассовое бюстье, задуманное, как элемент верхней одежды, но при этом выше талии представляющее собой пластически стилизованный торс с чашечками, откровенно подчеркивающими женскую грудь [10].

Собственное поле арт-дизайна создал французский мастер-мебельщик (краснодеревщик), художник и музыкант Мишель Обри. Его произведения, как правило, уникальные, тщательно продуманные, искусно мастерски выполненные, могут быть предназначены или только для эстетического восприятия в интерьерах, или также и для практического использования (в последних красота и польза органичны). Он увлекался изделиями мебели, плоскими и пространственными конструкциями, а также предметами с музыкальным звучанием (сочетание формы, цвета и звука). В концепции предметного творчества М. Обри явно прослеживается синтез разных проявлений художественной культуры и стремление по-своему переосмыслить отношения вещи – пространства – человека [11].

Разумеется, краткое рассмотрение творчества нескольких выдающихся «артистических дизайнеров» Запада не позволяет составить целостного представления о многообразии проявлений художественного самовыражения в этой области созидания материально-художественной культуры, представляющей собой по существу диффузный переход от архитектонических искусств к сугубо декоративным искусствам, граничащим с областью «чистых» искусств ( монофункциональных).

Опыт арт-дизайна заслуживает специального критического изучения для выявления его роли в поисках путей расширения культурного значения других видов дизайна, как разных слоев предметного художественного творчества.

Самый общий анализ проблемы, содержащийся в данной статье, позволяет сделать предварительный вывод о том, что эта роль заключается в противодействии процессам унификации и стандартизации способов удовлетворения человеческих потребностей и тем более запросов, вкусов, взглядов, идеалов, насаждаемых массовым производством и массовым потреблением (точнее, психологией консьюмеризма) с помощью средств массовой информации.

Такие процессы противоречат принципу плюрализма – необходимому условию поддержания «избыточности» культуры как результата и источника ее развития.

Литература


  1. Каган М. С. Морфология искусства / М. С. Каган. – Л.: Искусство, 1972 – 440 с.

  2. Медведев В.Ю. Сущность дизайна: учеб. пособие / В. Ю. Медведев. – СПб.: СПГУТД , 2004. – 79 с.

  3. Дизайн: очерки теории системного проектирования / Н. П. Валькова, Ю.А. Грабовенко, Е. Н. Лазарев, В. И. Михайленко. – Л.: ЛГУ, 1983. – 185 с.

  4. Коськов М. А. Предметное творчество. ч. I, II, III. / М. А. Коськов. – СПб. ТОО фирма Икар, 1996. – 172 с.

  5. Герчук Ю. Я. Буря в стакане без дна / Ю.Я. Герчук // Декоративное искусство СССР, 1969, №2. – С. 45 – 47.

  6. Глазычев В. Л. Красота и польза декоративного искусства / В. Л. Глазычев// Декоративное искусство СССР, 1969, №8. – С. 4 – 9.

  7. Смирнов Б.А. Кризис? Чего? / Б. А. Смирнов // Декоративное искусство СССР, 1969, №12. – С.27 – 29 .

  8. Шатин Ю. В. Этторе Соттсасс / Ю. В.Шатин // Техническая эстетика, 1989, №9. – С. 25 – 29.

  9. Яловенко А. А. Гаэтано Пеше. Между искусством и архитектурой / А. А. Яловенко // Частная архитектура, 1999, №2. – С. 46 – 51

  10. Немкова Е. В. Иссэй Миякэ: новая концепция одежды / Е. В. Немкова // Мир дизайна, 1998, №4. – С. 56 – 59

  11. Файф Г. Мишель Обри: собственное поле дизайна / Г. Файф // Мир дизайна, 1999, №3. – С. 66 – 71.

shikardos.ru

АДВЕКОН / Словарь / Арт-дизайн

Термин арт-дизайн возник в 80-е годы 20 века в Италии, с появлением там двух дизайнерских групп - «Алхимия» (А.Мендини, А.Гуэррьеро) и «Мемфис» (Э.Соттсасс), которые бросили вызов ортодоксальному миру функционального дизайна. Сегодня, про них бы сказали, что они запатентовали отличную креативную идею. Художественные находки, в разработках этих дизайнеров, а изначально они занимались дизайном мебели и интерьеров, стали преобладать над поднадоевшей прагматикой общеупотребимых дизайн-продуктов.

Отличительными чертами нового направления стали:

  • неожиданные комбинации цвета и света;
  • использование разностилья
  • смешение стилей в одном объекте;
  • применение экзотических стилей, ранее в дизайне не применявшихся;
  • использование нестандартных образов;
  • использование нестандартных материалов;
  • высокое качество композиции;
  • художественная деталировка формы, качества поверхности, общего колорита;
  • преобладание принципа hand made (сделано вручную) при создании объекта дизайна;

Арт-дизайн с его «высоколобостью», казалось бы должен иметь успех только у ограниченного круга людей – эстетов и рафинированного хай-класса, что оказалось вовсе не так. Рядовой потребитель на «ура» воспринял новое направление. Всем пришелся по вкусу дизайн, в котором заложены тонкие интонации, глубокие чувства, теплота человеческих рук. Рядовой потребитель, как всегда и бывает при соприкосновении с подлинным искусством, испытывал сильные эмоции, вступал в душевный контакт с объектом арт-дизайна.

Арт-дизайн неразрывно связан с концептуальным искусством. Художники-концептуалисты (Арнатт, Лонг, Диббетс и др.) ставили во главу угла идеи, которые заложены в произведении искусства. Своими произведениями они выражали протест против коммерциализации искусства.

Сегодня, арт-дизайн распространен во многих сферах, связанных с дизайном предметов и окружающей среды: от интерьеров ночных баров и квартир, до арт-дизайна собственного тела (body-art),включающего дизайн кожи, ногтей, причесок. Арт-дизайн широко применяется при создании разных видов полиграфии. Не удивительно, если арт-дизайнеры будут консультировать при художественном конструировании даже кулинарных блюд (чем не объект для арт-дизайна).

Таким образом, при арт-дизайне художественные и эмоционально-образные достоинства созданного объекта будут преобладать над традициями классического дизайна, такими как рациональность или технологичность, но при этом естественно, функциональность будет обязательно присутствовать, пусть и не на основных позициях.

www.advecon.ru

Виды дизайна - статья о дизайне на сайте студии интерьера

 

   Слово «дизайн» сегодня употребляется очень часто. Мы слышим его повсюду. Но структура этой деятельности несколько сложнее, чем может показаться на первый взгляд.
   Само понятие «design» имеет два значения. С одной стороны, мы можем перевести это как «вещь»: проект, рисунок, эскиз, замысел; с другой, как «процесс»: проектировать, конструировать, задумывать, замышлять.
Большая ошибка, когда мы говорим о дизайне, понимать его как «украшательство». Хотя, безусловно, красота, которая заключена также и в логичности, и в функциональности, является целью дизайна.

 

Что такое дизайн?


   В литературе не существует единого мнения по поводу определения дизайна. Существует также несколько точек зрения на время возникновения такого рода деятельности. В некотором смысле, конструированием человек занимался еще с древних времен, когда изобретал первые орудия труда. Ведь этим он пытался адаптировать окружающую действительность для своих нужд. Но фактически о формировании профессии дизайнера в его нынешней форме можно говорить начиная с конца XIX века. В то время промышленное производство предметов быта сменило ручное. Появилась необходимость преобразовывать грубые механизмы, которые создавались для выполнения определенных функций в предметы удобные для использования потребителем. По сути это был мостик соединяющий производство и потребление.   Кроме, собственно, затронутого выше промышленного дизайна, существует еще несколько видов и подвидов: графический дизайн; дизайн интерьера; дизайн ландшафта; дизайн одежды; веб-дизайн; арт-дизайн.


 Индустриальный (промышленный) дизайн - область художественно-технической деятельности, целью которой является определение формальных качеств промышленно производимых изделий, а именно, их структурных и функциональных особенностей и внешнего вида. Индустриальный дизайн находится на стыке нескольких дисциплин. Кроме художественного замысла специалист учитывает технологию производства, экономическую и маркетинговую составляющие. В компетенции промышленного дизайнера находится множество направлений: проектирование производственного оборудования, средств транспорта, предметов мебели, бытовой техники, посуды и так далее.

 Графический дизайн – область творчества, решающая задачи проектирования визуальных структур. Графический дизайнер занимается разработкой фирменного стиля, рекламой продукции, упаковки. Особое место занимает книжный дизайн. Графика очень активно используется при создании городской среды, правильный подход к этому вопросы может существенно облегчить жизнь горожанам. Графический дизайнер, как живописец, передает эмоции и информацию через форму и цвет. Поэтому для создания качественного продукта необходимо учитывать множество аспектов: законы композиции, психологию восприятия, значение символов и цветов в данной культуре и так далее.

   Дизайн среды – деятельность по формированию среды, окружающей человека. Дизайн среды можно разделить на две составляющих: проектирование внутреннего пространства (интерьеров помещений) и проектирование внешнего пространства (ландшафтный дизайн, дизайн городской среды). В компетенцию специалиста этой сферы входит разработка оптимальных (с эргономической, функциональной, эстетической точек зрения) способов взаимодействия человека с его окружением. 

 


 

см. также:

 


  Дизайн одежды – разновидность дизайна целью которого является проектирование одежды как одного из элементов предметной среды, удовлетворяющей соответствующие материальные и духовные потребности человека.


   Веб-дизайн – деятельность по созданию веб-интерфейсов для сайтов или приложений. Наиболее близко веб-дизайн связан с графическим дизайном, но кроме этого присутствует и еще одна важная составляющая этого процесса – веб-программирование. Веб-дизайнер занимается проектированием структуры страниц сайта, поиском наиболее удобных для пользователя способов подачи информации и художественным оформлением. По сути он создает «упаковку» для информации с целью повышения на нее спроса в сети.

   Арт-дизайн – область деятельности на стыке предметного дизайна и современного искусства. Предметы арт-дизайна скорее носят декоративный характер, нежели функциональный. Такие арт-объекты, отличающиеся от живописи и скульптуры в привычном понимании, художественно организуют пространство, оживляют его, становятся яркими акцентами.

sun-interiors.ru

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о