Основы написания музыки: Создание музыки

Содержание

Создание музыки

Как я уже писал раннее, создание музыки это наиболее сложный вид музыкальной деятельности, который включает в себя множество побочных ( построение формы, голосоведение, гармония и т.д.).

С другой стороны это и самый легкий вид музыкальной деятельности – лишнее подтверждение этому бесчисленные примеры музыкально безграмотных людей которые создали некоторые известнейшие мелодии. Но исключение лишь подтверждает правило. Поэтому если хитовые мелодии не преследуют Вас каждый день, то придется их “вылавливать” самим. А для этого нужно как следует поработать.

В общих чертах создание музыки это такой же процесс как создание здания, картины, книги и т.д.

Что отличает профессионала в любой сфере деятельности?

Умение видеть конечную цель.

Можно подходить к процессу создания музыки, как к процессу неподконтрольному разуму. А можно использовать весь свой потенциал и использовать разум для управления вдохновением.

Как показывает опыт самых разных композиторов – каждый из них в процессе практики вырабатывает определённую схему действий, которая помогает реализовывать свои идеи быстро и максимально качественно.

Попробую набросать примерный план работы над созданием музыки.

До того как мы начнем что-либо записывать, программировать и т.д., очень важно определиться с некоторыми вещами. Например: какой стилистики придерживаться, для какого состава будет писаться музыка, образный строй, возможно, это будет музыка к фильму – тогда необходимо ознакомиться с сюжетными линиями и пожеланиями режиссера. (Существует множество случаев, когда автор музыки не видел или не читал произведения, на которое пишет музыку. В таком случае необходимо сформировать хотя бы общий образный строй произведения)

Условно существует три подхода используемых при сочинении музыки:

сочинение мелодии

сочинение гармонии

сочинение ритма

При использовании первого алгоритм может быть примерно таким:

1)Определяем какой-тип мелодики нам нужен (песенный, речитативный). Очень важно знать в каком направлении двигаться. Мелодия может посетить Вас, а может Вам придётся ее написать. Но и том и другом случае Вам нужно четко знать какую мелодию Вам необходимо создать.

2. Определяемся с формой мелодии, ее ролью в масштабе произведения (монотематизм, сонатное развитие, симфоническое и т.д.).

Поскольку при таком методе композиции мелодия является главным средством для выражения идеи композитора, то необходимо учитывать ее возможности для развития в рамках формы. От того какой будет мелодия зависит 90 % всей остальной работы. Ритмика, гармонические и синтаксические особенности мелодии должны быть продуманы. После того как тема произведения готова можно сказать, что сделано больше 50% работы.

3. Отбор гармонических средств

На выбор гармонии влияют многие факторы, главные из них – это стилистика мелодии, заложенный внутри нее гармонические связи, заранее предопределенная композитором стилистика. Гармония может дополнять мелодию, а может контрастировать-контрапунктировать ей.

4. Выбор фактуры

Зависит от выбранного состава и его возможностей. Также фактура будет зависеть от стилистики гармонии и образного строя мелодии. Сложные виды фактуры, сочетание полифонии с гомофонией хорошо использовать для выражения сложных, пространных образов. В тоже время несложная мелодия может быть изложена в рамках одной простой фактуры.

5. Работа с формой

На данном этапе необходимо логично выстроить отобранные выше приемы. Различные усложнения, нагнетания, уплотнения фактуры должны дополнять и создавать форму. Можно создать некий эскиз, в котором будут отмечены наиболее важные формообразующие элементы.

6. Аранжировка или инструментовка

Если Вы сочиняете сразу для определённого состава, то на этом этапе дорабатываете спорные моменты и вводите недостающие инструменты, если возникла такая необходимость. Если же Вы сочиняли музыку для клавира или она есть только у Вас в голове, тогда необходимо основательно поработать над созданием аранжировки.

При сочинении гармонии алгоритм будет несколько другой.

1)Создание основной последовательности аккордов.

Здесь важно также учитывать потенциал аккордовой последовательности для дальнейшего развития. Многие последовательности настолько замкнуты внутри себя, что с трудом поддаются развитию и после нескольких повторений надоедают слушателю. Лейтгармония (так называется гармония, заменяющая собой мелодию) должна быть очень образной, яркой и запоминающейся. Не используйте заезженные ходы и кадансы. Послушайте Дебюсси и Скрябина в качестве примера.

2. Мелодия

Здесь можно использовать следующее правило – чем ярче гармония, тем стандартнее мелодия и наоборот. Схематично ваша мелодия может:

а) Более менее соответствовать гармонии (опора на аккордовые звуки, разрешения, арпеджио)

б) Контрастировать (задержания, хроматизм, политональные приемы, полимодальность, остинатность, перегармонизация)

в) Сочетать контраст и подобие Как показывает практика, при наличии яркой гармонии достаточно нескольких интонации для создания образной мелодии.

Следующие шаги повторяются лишь с той разницей, что в качестве формообразующего элемента на первом месте будет лейтгармония.

Если же Вы решили начать с сочинения ритма (или он сам Вас нашел 🙂 ), то возможная последовательность действий такая: 1.Определить: мелодизировать ритм или нет.

2. Если ритм остается в сфере аккомпанемента или ритмических инструментов, то затем ищем необходимую интонацию и работаем с ней.

3. Если ритм мелодизирован, то выстраиваем фактуру и форму исходя из его структуры.

Примеры произведений построеных на ритме: Болеро Равель, Хабанера – Бизе, Take Five Desmond. Обратите внимание, что в композициях такого типа роль интонации играет ритм и изменения в области гармонии и мелодии не существенно влияют на восприятие музыки.

12 советов о создании музыки от профи

Интервью со старым музыкантом-продюсером. Напомним, что последние 10 лет он регулярно появляется в лайнапах крупных фестивалей по всему миру как основной гость. Умничать он особо не любит, но на несколько советов мы его все же разговорили 🙂 Поехали!

Совет #1

Лучше работайте с секциями, нежели чем с лупами. Это даст более естественный поток. Под секциями я имею ввиду большие завершенные музыкальные отрывки-идеи по 32 и более тактов. Это лучше, чем подвиснуть на 8 часов, слушая короткий зацикленный луп из 4 тактов, который еще очень далек от законченной композиции.

Совет #2

Пробуйте делать быстрые мелодические наброски, чтобы оценить, как они вписываются в трек. Часто первая черновая идея мелодии для создания музыки влечет за собой вторую, более интересную. Иногда после 10 скучных мелодий рождается 1 прекрасная. Так же пробуйте наслаивать одну мелодию на другую и в какой-то момент убирать старую и слушать, как работает самостоятельно новая.

Совет #3

В продолжении предыдущего пункта, не пытайтесь казаться «классным» всегда, создавайте мелодии, которые просто приходят от сердца, изнутри, потом вы всегда сможете все откорректировать и убрать лишнее. Множество скучных мелодий как раз и рождаются у тех, кто боится быть «не классным» и никогда не выходит за рамки своих теоретических познаний и стереотипов. Внутри каждого из вас живут 2 типа: создатель и редактор. Второй должен заткнуться и уйти, пока первый творит, и уже потом он может приступить к редактированию.

Совет #4

Для начала сделайте сброс настроек на вашем любимом синтезаторе, что отключит все эффекты и откроет фильтры. С этого начните создание своего собственного звучания.

Совет #5

Потратьте какое-то время на то, чтобы ПРОСТО поиграть со своими синтезаторами и эффектами. Разберитесь с ними. И в дальнейшем используйте только те синты и эффекты, работу которых вы понимаете и знаете. Иначе машина управляет вами, но не вы ей. Пресеты могут звучать неплохо, но они часто вводят в ступор огромным количеством эффектов и модуляций.

Совет #6

Послушайте то, что вы уже сделали, например, барабанный луп, басслинию или лид и почувствуйте, что «просится» дальше. Обычно, ответ очевиден. Затем постарайтесь быстро перенести идею в реальность хотя бы примерно. Проще всего набросать ритм и если надо мелодию с помощью базового простого звука. Пусть «топорный» звук вас не смущает на этом этапе, потому что после наброска можно отдельно поработать с тембром. Если вы не можете накрутить необходимый звук, пришло время сделать паузу в работе над треком и отдохнуть или отдельно поиграть с вашим синтом.

Совет #7

Потратьте некоторое время на то, чтобы выучить свои синты. Узнаете их действительно хорошо. Начните с простейших синтов. Намного лучше использовать синт, который вы знаете хорошо, чем самый свежий и навороченный, но без понимания процесса формирования звука с нуля. Я повторюсь: вопреки той ерунде, которую пишут в музыкальных журналах, пресеты — это плохая идея. Их использование сделает вас слабым в синтезе своего звучания. Делайте звуки с нуля, изучайте синтезатор быстро, по модулям: осциляторы, огибающие, ADSR, LFO, …

Совет #8

Только плохой создатель обвиняет свои инструменты. Конечно вы не можете сделать «шелковый кошелек из свиного уха» (дословный перевод поговорки), но вы можете получить звучание высокого класса с помощью любого современного аудио-редактора, а отличные звуки могут быть сделаны из чего угодно, даже из звуков кухни. Последние 10 лет нет такой большой нужны в железных синтезаторах. Многие эмуляции звучат довольно неплохо. Хоть я и не сомневаюсь, что многие любят своё железное оборудование, но звук на выходе мало чем отличается от софта. Сегодня существует множество тех, кто делает ужасный звук, используя дорогое аналоговое оборудование.

Совет #9

Важнее не то, ЧТО вы используйте, а то, КАК вы это используйте. Обычно секрет любого узнаваемого звучания — это не сами инструменты, а то, как они использованы. Конечно есть исключения, например, звучание многих «экспериментальных» проектов заключается в использовании конкретных эффектов типа DB Glitch, Effectrix. Да, эти эффекты дают впролне конкретный звук, но почему вы хотите делать еще один такой же глитч-экспериментальный звук с помощью этих же эффектов? Почему бы не сделать глитч вручную, получив уникальный звук?

Совет #10

Уважайте труд разработчиков софта. Для них первичны технические задачи, нежели красивый дизайн. Поэтому лучший способ разобраться с софтом — думать с позиции разработчиков. Разберитесь в вопросах битрейта, частот семплинга, алиасинга, оверсемплинга и не будьте частью тех, кто боготворит теплый ламповый звук, но при этом использует все цифровое. Оставьте эту звуковую эзотерику для своей любимой электрогитары, звукосниматели которой ловят инопланетные радиоволны. Большинство любителей потрещать в интернете о «теплом ламповом звучании» на деле плохие композиторы и являются скорее собирателями оборудования.

Совет #11

Делайте музыку вместе с артистами разных напра

Научим вас создавать классные треки с нуля и поможем разобраться с творчеством в наших бесплатных курсах:
Треки как по маслу
Карта создания электронной музыки
Твой первый Deep-грув: снимаем ритм с ТОП-Beatport трека

Более PROдвинутым поможем значительно ускориться при помощи подписки на все материалы нашего сайта. Если хочешь сэкономить годы на обучении, тебе сюда:
Узнать больше о PRO-разделе

Основы создания музыки — блог HunterX на RealMusic

Здравствуйте. Прежде всего, мне хочется начать с маленького объяснения, что же все такое музыка. Прежде всего, хочется сказать, что между электронной и классической очень много общего. Что же, спросите Вы? Все дело в том, что любая музыка создается по одним и тем же принципам, а наибольшим эталоном всех времен и народов являлась классическая музыка. Итак, перейдем к основам.

Итак, музыка составляется из 6 основных, и самое главное взаимосвязных частей — мелодия, контрапункт, гармония, фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах произведения. Все они неотъемлемая часть хорошего саунда, и чем больше они раскрыты в треке, тем трек качественней.

Перейдем к структуре трека. Электронной музыке характерна квадратичная структура. Это значит, что все составляющие части должны быть кратны 4, или быть использованы кратное число раз. В последнее время, многие авторы электронной музыки (в том числе и я) стали экспериментировать с этой структурой, и квадратичная структура становиться кратной 6, а порой 10. Но всем приходиться сохранять основное – любой ключевой момент должен приходиться на четвертый такт, а если она кратна не 4, то на ключевую фразу. Только таким образом, другие диджеи смогут без особых проблем свести трек в миксе, ориентируясь на ключевой момент.

Начнем со вступления трека. Здесь квадратичная структура особенно четко прослеживается, чтобы сведение сделать наиболее удобным. К основному ритму ударных в течение всего трека постепенно добавляются новые и новые ударные партии, но обязательно через каждые 4 или 8 такта.

Основная схема построении трека выглядит следующим образом: мелодия, гармония, ритм, бас. Причем основу трека все таки задает основная мелодия, или Lead. Самое главное придумать мелодию, далее она обрабатывается, обретает стройный вид, и в конце концов превращается в трек. Но до того как она станет новым треком, над мелодией идет кропотливая работа создания аранжировки, выбор инструментов, ударной части, ее звуков, щелчки, фоновый шум и так далее. Включая еще немаловажную часть, и самую сложную, такую как эквилизация. Но о ней позже.

Структурируем все вместе в одной схеме.

1. Сперва ритм. Ритм штука простая, и сложная одновременно. Для примера, классический кик будет звучать сухо в квадратичной структуре, пока нему не добавишь хэт или шейкер. Одним словом составить грамотную, а самое главное гармоничную перкуссию. Голый квадратичный ритм в электронной музыке должен идти не менее минуты, чтобы был возможен свод трека, и незначительно меняться до начала основной мелодии. А наиболее красивые треки это те треки, которые добавляют в голый квадратичный ритм поочередно элементы перкуссии, тем самым создавая эффект нарастания мелодии.

2. Итак вступление. От него порой зависит самое главное – будут ли слушать ваш «хит», кто-нибудь еще, роме Вас. Стандартно вступление это участок с упрощенной мелодией, или самое ее начало. Присутствие разнообразных шумовых фоновых эффектов во вступление это дело вкуса, но все же, лучше их не использовать. По части эквалайзера – то во вступление это срез низких частот, и постепенное их нарастание.

3. Основная мелодия или тема трека – повторяется четное количество раз. Тут написать я могу немного, ведь фантазия и умение делать музыку у каждого своя. Но для примера возьму свой, пусть и безнадежный, но, на мой взгляд отличный способ создать основу трека. Все начинается с того что в голову приходит идея трека и пара нот. Перед тем как сесть писать новый трек я мысленно пытаюсь мелодию развить , если это удается – то мелодия сразу записывается, и проблем не возникает. Но если мелодия не придумана, а идея и пара нот не выходят из головы, я обычно подбираю сразу на записи развитие мелодии, и в конце концов добиваюсь результата.

4. Яма или затишье. Тут все просто – отсутствие ударной части, приглушенная тема. Самое большое заблуждение новичков это то, что яма это почти как вступление. Вот они и начинают выкручивать низкие, а некоторые дарования даже высокие и средние. Простите за выражение, но такое трек, даже с очень крутой мелодией превращается в ……. Сами понял что. Значение ямы очень весомо. Многие спорят о продолжительности ямы, о ее нагрузки со стороны мелодии, но никто и никогда не станет спорить о целесообразности и необходимости ямы.

5. Развитие мелодии. Небольшой по времени, но очень ответственный кусок трека, с нарастающей громкостью и шумами. Неправильно составишь так называемое «зависание» – и все. Трек в топку. Развитие необходимо прежде всего для того чтобы вывести слушателя к основной партии мелодии (в жаргоне Dj-ев она называется «расколбас» «мясо» и т.д.). Если не сделать это грамотно, то основная часть вылетит из ямы, а растерянный танцпол поймет о начале основной партии, дай бог, к ее середине. И прогонит такой трек со свистом и тухлыми овощами.

6. Основная партия. Повторять, как звучит эта часть на жаргоне, не буду. И так понятно, что должно быть в этом треке. Если все предыдущие части составляли своеобразное «рождение», «младенчество» и «детство» трека, то это часть может смело называться «юностью» и «молодостью». Это душа трека, в ней каждый должен выложиться на все 100%, а самый крутой трек, это на все 200%. В общем, старайтесь сделать эту часть как можно веселей, активней, в ней должен быть драйв, кураж, энергия и сила.

7. Финал трека и его конец. Минута простого ритма, общее постепенное затишье мелодии, снижение количества ударных и перкуссии.

Все эти части неотъемлемая часть трека любой стилистики электронной музыки. Из нее нельзя вырвать что-либо, трек потеряет всякий смысл, и все вышеописанные части трека – обязательное условие трека. Конечно, построение может сильно варьироваться, в зависимости от стиля. И количество частей тоже. Экспериментируйте.

Теперь о звучании трека в целом, а именно его тембр. При выборе инструментов, необходимо учитывать что тональность у них должна либо быть одинаковой, либо сочетаться по звучанию. Тут и понадобиться эквалайзер, чтобы сделать тембр громче, тише, звонче, глуше и т.д. Наличие музыкального слуха просто необходимо, и тут уже ничего не сделаешь, если его нет. Потому что неправильно подобранный тембр – это каша звуков. Понимание тембра, а соответственно и наличие слуха, также необходим и при своде треков в миксе. Наверное замечали, что у самых профессиональных Dj-ев сам факт перехода вообще не заметен, и весь микс звучит как один трек. Все дело в правильном подборе треков в плане тональности. Но об этом в следующих статьях.

Перейдем к следующей части это эффекты и их использование. Фантазия безгранична, так же, как и количество всевозможных эффектов. Затрону самые основные. Прежде всего одинаковые уровень звука и инструмента. Он не должен «перекрикивать» или не быть слышен вообще. В этом здорово помогают лимиттеры и компрессоры в аналоговых программах для написания музыки. Методом проб и ошибок многие учатся работать с ними, и определенного алгоритма для работы с ними нет. Все должно быть на усмотрение автора. Часто используется фильтрование (например, срезать частоты), и на помощь автору приходит эквалайзер, лучше параметрический. Можно сделать волну звуковых шумов, мелодии, бита, по-разному перемещая фильтр частот.

Реверб – эффект пришедший к электронной музыки из вокала. Это своеобразное растекание звука по помещению, создающее эффект объемности и живости звучание. Обычно его используют для солирующего инструмента (например, при использовании в яме), для основной мелодии. Я использую реверб еще и для басс-линии. Поверьте – звучание просто отличное.

Хорус – чем-то мне всегда напоминал реверб, даже используют его так же, с одним лишь «но». Хорус «теплее». Создает необычный дополнительный звук для инструмента, на тембр выше или ниже. Не советую использовать вместе хорус и реверб – звучание просто тошнотворное.

Дэлей, или задержка. Самый сложный эффект. Не могу сказать, что он не нужный, однако его значение преувеличивается многими авторами. С помощью дэлея конечно можно создать причудливый и завораживающий звук нарастания звука. Начинающим лишь посоветую использовать его разделив на микшере инструмент на два канала. В одном и попробуйте использовать дэлей. Так звук, или нота закончив звучание, будет рождаться заново изменяя свое звучание.

Фоновый шум. Новички порой не видят в нем смысла. Noise Fx, сам по себе звук без смысла. Но если его использовать в ключевых моментах трека, в переходах между частями трека, а также чтобы добавить таинственности, этот звук обретает смысл. Но им надо уметь пользоваться. И самое главное он не должен звучать с одинаковым уровнем звука на его канале. Пусть он постоянно меняется, западает, метается.

На последок хочется написать про сам процесс написания. У меня на один трек уходит 4-5 суток. У кого-то неделя и больше. Но никогда нельзя работать над треком больше 2 часов подряд, и 6 часов в день. Просто начинает бесить звучание, ты привыкаешь к звукам и нотам, теряешься в них. А ведь процесс создание трека это многоуровневый и кропотливый труд, а утомляемость после такой работы – как после разгрузки вагона. А еще берегите уши, берегите слух. Он портиться от слишком долгой нагрузки, а ведь его порой приходится слушать на приличной громкости не только на мониторах, но и в наушниках.

Вот и все. Это всего лишь поверхностная и очень облегченная информация по созданию музыки. Это, прежде всего совет, а не правило написания музыки. Это мой опыт, мои знания, и прислушиваться или нет к ней – это ваше дело. Ведь лучший талант – это яркая индивидуальность. Стремитесь к лучшему и у вас все получится.

8 шагов к обучению основам написания песен

Написание песен — это музыкальная сверхспособность. Способность писать и создавать востребованные песни может изменить вашу карьеру. В то время как оригинальные, аутентичные песни могут стать катализатором вашего роста как начинающего сольного музыканта или участника группы, написание песен также является местом встречи для тех, кто уклоняется от публичности или славы, предпочитая зарабатывать на жизнь за кулисами.

Большинство успешных авторов песен говорят, что они были рождены, чтобы писать, и не могли бы перестать писать песни, даже если бы захотели. Тем не менее, написание песен — это набор навыков, и его необходимо практиковать и развивать, чтобы перейти на профессиональный и коммерческий уровни. И в то время как некоторые авторы песен начинают свою карьеру в молодом возрасте (вспомните Рэнди Ньюмана), другие перерастают в свою страсть, когда становятся более искусными в игре на своем инструменте (инструментах).

Следующие советы помогут начинающим композиторам найти, отточить и развить свой артистический голос.

1. Продолжайте развиваться как музыкант

Не прекращайте брать уроки музыки или развивать свои навыки игры только потому, что начали писать музыку. Это может на самом деле отвлечь вас от вашего писательского потенциала, потому что мелодии и гармонии могут застрять на том уровне, на котором вы перестали учиться и расти как музыкант. Возможно, пришло время найти учителей музыки, которые также обучают написанию песен, адаптируя уроки к вашим конкретным интересам. Таким образом, повышение музыкальности отразится на вашем будущем написании песен.

Также не забывайте о силе импровизации. Ваши импровизационные сессии, такие как музыкальное рисование, могут стать сокровищницей, из которой появятся некоторые из ваших лучших мелодий или риффов.

2. Начните с заголовка и зацепки

Написание заголовка (или зацепки) поможет процессу пройти гладко. Если вы начинаете работать с аккордов или части мелодии, потом будет сложно дописать текст. Личные идеи и опыт дают понимание, необходимое для вашей музыки, поэтому начните с названия, которое привлекает внимание слушателей и вызывает эмоции.

Рассмотрим песню Blues Traveller «The Hook». Поначалу сложно понять соответствующие тексты стихов, но отличная губная гармошка и увлекательный припев сделали эту песню главным хитом в середине 90-х. Итак, сначала начните со своей идеи. Ищите названия, которые привлекут и заинтригуют слушателей. Песня даст ответы, которые они хотят.

3. Разработайте свою тему

После того, как вы определились с заголовком, пришло время конкретизировать его. Например, если вы выбрали «Разрушенная лачуга» в качестве зацепки/названия, подумайте о словах/фразах, которые дополняют и контрастируют с идеей. Мозговой штурм на бумаге. Не все слова и фразы, которые вы запишете, войдут в вашу песню, но этот шаг поможет дать волю творчеству.

Например, слова, дополняющие название, включают ржавый, ветхий, ветхий, шаткий, ветхий и подобные прилагательные. Противоположными фразами могут быть что-то вроде: сильный против ветра, безопасная крепость, удобный, чистый или незагрязненный. Не зацикливайтесь на этой части. Это должна быть техника свободных ассоциаций, которая поддерживает ваши идеи и чувства по поводу названия. Слова и фразы, которые вы разработаете, станут основой для вашего припева, куплетов и бриджа.

4. Задайте себе вопросы о заголовке/хуке

Следующим этапом обучения является написание текстов песен. Это можно сделать, отвечая на вопросы о названии. С воображаемой «Разрушенной лачугой» рассмотрите следующие идеи:

Что для вас значит это название?
Действие происходит?
Как вы относитесь к смыслу или действию?
Почему произошло действие? Кто участвует?
Есть ли у вас надежды или опасения по поводу того, что может произойти дальше?
Могут ли другие люди относиться к словесным образам, которые вы создаете?

Последний вопрос не так важен, как другие, потому что иногда артисты пишут песни, которые дарят другим новый опыт. Кроме того, отвечая на вопросы, сгруппируйте фразы в восемь или десять слов. Это облегчит преобразование их в тексты, но не беспокойтесь о рифмовании слишком много. Это придет позже.

5. Найдите свою мелодию и аккорды

Последовательности аккордов не защищены авторским правом, поэтому найти аккорды, поддерживающие мелодию, относительно легко. Однако, если у вас еще нет представления о мелодии, произнесите фразы, которые вы составили, вслух и прислушайтесь к ритму и интонации своего голоса.

Например, произнесите фразу «Сколько раз мне вам говорить?» и «Сколько раз тебе говорить!» самому себе. Вы слышите разницу? Определив естественную мелодическую структуру фраз, которые вы хотите использовать, вы поможете определить основу своей мелодии. Начните с припева и не забудьте указать зацепку/название.

6. Работайте над частями песни

Куплет, припев, куплет, припев, проигрыш, структура припева — ваш лучший друг при обучении написанию песен. Куплет и припев содержат ту же мелодию и аккорды, но бридж добавляет музыке эмоциональную динамику.

Ваш припев должен включать самые важные ответы на заданные вами вопросы. Стихи расширяют эту тему. Однако мост — это место, где вы включаете озарение и/или поворотный момент.

7. Используйте технологии и не отчаивайтесь

Начинающим авторам доступно множество отличных инструментов для написания песен. Noteflight бесплатен и прост в использовании, а Garage Band от Apple прекрасно подходит для быстрого создания оригинальных работ. Изучение композиции с использованием программного обеспечения для записи, разработанного для этой цели, устраняет некоторые разочарования.

8. Получите много отзывов от семьи, учителей, сверстников и т. д.

Хотя вы можете воспринимать все это с долей скептицизма, поделитесь своими песнями с другими, открыто и скромно прислушиваясь к их отзывам, это может действительно помочь вам расти. Понимание того, когда имеет смысл отредактировать песню, а когда пора придерживаться своих правил, также является приобретаемым навыком. Исторически сложилось так, что лучшие, неподвластные времени и самые прибыльные песни соответствуют текущим музыкальным тенденциям, одновременно раздвигая границы инноваций и творчества.

Создание оригинальных песен — отличный способ расширить свои музыкальные способности, так что не отчаивайтесь во время обучения. Большинство песен претерпевают непрерывную эволюцию, прежде чем обрести свою окончательную форму, поэтому будьте снисходительны к первоначальным попыткам. Ваша практика написания песен и терпение окупятся. Когда вы будете готовы, ознакомьтесь с нашей статьей 5 советов для продвинутого написания песен .

Основы написания песен, которые нужно знать

Вы мечтаете писать собственные песни, но чувствуете, что это слишком сложно, особенно в одиночку.

Правда в том, что написать песню несложно, если вы знаете основы и используете несколько полезных приемов, которые помогут вашей песне выделиться среди остальных.

В этом посте мы рассмотрим, как написать песню, от написания текста до создания мелодии.

Продолжайте прокручивать, чтобы прочитать, или нажмите на плейлист YouTube «Как написать песню: основы написания песен» ниже.

Из каких частей состоит песня?

Большинство песен состоят из 3 основных частей: текста, аккордов и мелодии – вокальной, инструментальной или обеих.

Каждый автор песен по-своему подходит к написанию песен. Кто-то может начать с написания текста и взять за отправную точку историю, другие могут обратиться к самой музыке и написать мелодии, которые позже станут источником вдохновения для истории.

Чем больше вы пишете песен, тем лучше вы разрабатываете распорядок или процесс для эффективного написания и завершения своих песен.

Давайте кратко рассмотрим эти 3 основные части:

Тексты песен – Они представляют вашу историю слушателю. Они могут быть о событии, эмоции или человеке. Ваши тексты рисуют яркую картину в голове ваших слушателей.
Аккорды — Аккорды представляют собой две или более нот, играемых одновременно, и используются для придания песне глубины и текстуры. Если вы видели выступление группы и наблюдали за музыкантами (гитаристами и пианистами), они будут играть аккорды на своих инструментах.
Мелодия — это ноты, которые играет вокалист или музыкант с точки зрения высоты тона. Они влияют на то, как чувствует себя слушатель.

Как написать текст

Текст — это одна из трех частей написания песни (если это не инструментальная песня).

Для некоторых это отправная точка, где они собираются с мыслями и пытаются визуализировать сценарий в своей голове и выразить его словами.

Это то, что вы хотите, чтобы ваша лирика представляла; эмоция, событие, теория, вопрос и т. д.

Это также не обязательно должно быть реальным, это может быть полная выдумка.

Ваша сюжетная линия

Перед тем, как вы сосредоточитесь на деталях текста, вы всегда должны сначала попытаться вкратце изложить сюжетную линию, чтобы дать вам некоторое направление.

Самый простой способ сделать это — разбить вашу историю на 4 части:

Основная цель вашей истории например. хочу найти любовь всей своей жизни.
2 различных сценария, основанных на этом фокусе , например. быть влюбленным и разлюбить.
Откровение или что-то, что изменило то, как может закончиться история например. не нужно быть влюбленным, чтобы быть счастливым.

Булавка

Рифмование

Помимо вашей истории, еще одним важным аспектом ваших текстов, который нужно помнить, является рифмование. Рифмование ваших текстов поможет слушателю их запомнить.

Рифмы могут быть разных форм, но наиболее распространены две из них:

Рифмующиеся двустишия – AABB
Альтернативная рифмовка – ABAB
Пин-код
Давайте рассмотрим наиболее часто встречающиеся разделы песни:
Куплет
Большинство песен состоят из 2 куплетов, охватывающих от 4 до 8 строк текста каждый.
Они используются для разветвления и объяснения цели или сообщения истории. Каждый куплет будет иметь разные тексты и основываться на чем-то другом.
Например: стих 1 о любви, стих 2 о разлюбил.
Пин-код
Припев
Припев демонстрирует основную цель песни и может состоять всего из 2-8 строк.
Повторяется 2-4 раза на протяжении всей песни с очень небольшими вариациями каждый раз.
Например: хочу найти любовь всей своей жизни.
Pin
Pre-chorus
Не все песни одиночные, но они используются для преодоления разрыва между куплетом и припевом.
Предварительный припев действует как нарастание или быстрое изменение динамики в течение короткого периода времени, так как обычно он короткий и содержит от 1 до 4 строк текста.
Например: молиться и умолять свою единственную настоящую любовь постучать в дверь.
Pin
Переход (он же Middle 8)
В большинстве песен есть переход, и он используется в отличие от других разделов песни, он выделяется, он отличается. В некоторых песнях нет бриджа, вместо этого может быть третий куплет или повторение припева в этом разделе.
Мосты будут рифмоваться, однако, если вы видите какие-либо изменения в схемах рифмовки, используемых в песне, это обычно здесь.
Например: не нужно быть влюбленным, чтобы быть счастливым.
Pin
Как вы структурируете песню?
Теперь мы рассмотрели наиболее распространенные части песни. Как они сочетаются друг с другом? Как мы структурируем песню?
Наиболее распространенная структура песни:
Pin
На этом основана большая часть современной западной музыки. Однако не позволяйте этому мешать вашему творчеству.
Ниже приведено краткое изложение нашего примера сюжетной линии, структурированной как песня:
Пин
Я мог бы не включать пре-припев или вместо бриджа я мог бы использовать 3-й куплет.
Выбор всегда за вами.
Примечание: Если вам нужно несколько советов о том, как лучше писать тексты, ознакомьтесь с 11 советами по написанию песен, которые помогут вам писать лучше тексты.
Аккорды и последовательности аккордов
Наличие последовательности аккордов — еще одна важная часть написания песни.
Если кто-то больше музыкален, чем лиричен, он обычно начинает песню с создания последовательности аккордов.
Что такое аккорды и последовательности аккордов?
Аккорд — это 2 или более нот, сыгранных одновременно, а последовательность аккордов — это последовательность аккордов, сыгранных в последовательности. Аккорды используются для добавления текстуры и глубины песне, они позволяют создавать и снимать напряжение.
Примечание: Если вы новичок и ничего не знаете о теории музыки, ознакомьтесь с моим Руководством для начинающих по основам теории музыки, где мы расскажем, как создавать гаммы, аккорды и прогрессии.
Во-первых, вам нужно начать с музыкальной гаммы, во-вторых, найти основные мажорные и минорные аккорды в этой гамме и, наконец, создать прогрессию или использовать общую.
Возьмем в качестве примера гамму до мажор: C D E F G A B – все белые клавиши фортепиано. Из этой гаммы мы можем составить 7 основных аккордов:
- До мажор – C E G
- Ре минор – D F A
- Ми минор – E G B
- Фа мажор – F A C
- Соль мажор – G B D
- Ля минор – A C0032
- B уменьшенный – B D F
Чтобы создать последовательность аккордов, мы будем использовать эти аккорды в последовательности.
Общие последовательности аккордов
Если это ваша самая первая песня или вы новичок, то лучше придерживаться общепринятой последовательности аккордов, поскольку она будет демонстрировать нужное количество напряжения и расслабления на протяжении всей песни.
Примеры общих последовательностей аккордов:
- 1-6-4-5
- 1-5-6-4
- 1-4-5
Каждому аккорду соответствует число, например, в нашем примере до-мажорной гаммы: до-мажор — это номер 1, ре-минор — это номер 2 и так далее.
Таким образом, у нас есть следующие последовательности аккордов:
- До мажор – ля минор – фа мажор – соль мажор (1-6-4-5)
- до мажор – соль мажор – ля минор – фа мажор (1-5- 6-4)
- До мажор – Фа мажор – Соль мажор (1-4-5)
Когда вы пишете песню, у вас обычно есть одна последовательность аккордов для куплета и вторая для припева, например:
- Куплет: До мажор – Соль мажор – Ля минор – Фа мажор (1-5-6-4)
- Припев: До мажор – Фа мажор – Соль мажор (1-4-5)
Как написать мелодию
Мелодия — заключительная часть написания песни.
Вероятно, это наименее используемая отправная точка при написании песни, однако все мы разные, поэтому, если вы чувствуете себя более способным начать с мелодии, сделайте это.
Примечание: Стоит отметить, что знакомство с основами теории музыки очень полезно для создания мелодии. Посмотрите мой пост «Основы теории музыки: полное руководство для начинающих».
Ваша мелодия создана на основе гаммы, которую вы выбрали для своей последовательности аккордов, поэтому, если вы выберете до мажор – C D E F G A B, вы будете использовать эти ноты для создания своей мелодии.
Как написать мелодию?
Мелодии строятся из набора музыкальных фраз. Музыкальная фраза — это набор нот, которые вместе образуют идею. Думайте об этом как о написании предложения, которое станет частью абзаца.
Сколько музыкальных фраз вы используете при написании песни, зависит от вас, однако, как правило, большинство авторов песен используют от 2 до 4 фраз на часть, которые иногда повторяются, чтобы сделать мелодию более запоминающейся.
Как изменить мелодию в песне?
Если при написании песни вы будете петь одни и те же 3 ноты, используя один и тот же ритм, слушателю это надоест.
Музыкальные фразы состоят из 2-х частей: ноты (высоты тона) и ритма.
Спойте «Mary Had A Little Lamb», а затем сразу же спойте «Twinkle Twinkle Little Star». У них обоих одинаковый ритм, но разная высота звука.
Думайте об этом как о своем куплете и припеве, вы можете варьировать свои разделы, сосредотачиваясь на разных нотах, но сохраняя при этом один и тот же ритм.
Кроме того, вы можете сосредоточиться на тех же нотах, но изменить ритм.
Вот несколько советов по созданию мелодий:
- Сделайте свои стихи более ритмичными, чтобы добавить ритма и динамики.
- Повторяйте музыкальные фразы и повторяйте ритмические паттерны на протяжении всей песни, чтобы сделать ее знакомой для слушателя. Это поможет им запомнить ваши песни.
- Мелодия вашего припева должна быть сфокусирована на другом наборе нот/ритма по сравнению с вашим куплетом, чтобы создать контраст.
- Убедитесь, что ваша мелодия соответствует вашим аккордам, иначе ваша песня будет звучать неприятно.
Примечание: Если вам нужны дополнительные советы о том, как создать идеальную мелодию, ознакомьтесь с 11 советами по написанию песен, которые помогут вам создать идеальную мелодию.
Ваша очередь
Вот и все!
Все основы написания песен, которые вам нужно знать, когда вы хотите начать писать песню.
Теперь ваша очередь писать потрясающую музыку. Надеюсь, этот пост был вам полезен.
Удачи и творчества!
Дополнительная литература:
- Основы теории музыки: полное руководство для начинающих
- Нотная запись: полное руководство для начинающих хотите написать песню для музыкальных издателей, телешоу и рекламных роликов или записать их самостоятельно как артист, вот метод написания песен, который поможет вам донести свое сообщение и убедиться, что ваши слушатели остаются вовлеченными от начала до конца. Конечно, это всего лишь один из подходов к написанию песен, но он используется многими профессионалами в области написания песен, и он работает.
  СОЗДАЙТЕ СЫРЬЕВОЙ МАТЕРИАЛ ДЛЯ ВАШЕГО СТИХА
  1. Начните свою песню с названия.
  Начав с названия, вы сможете сосредоточиться на одной идее своей песни. Создайте фразу из одного-шести слов, которая резюмирует суть того, что вы хотите сказать. Или найдите интересную фразу, которая подсказывает вам ситуацию или эмоцию. Попробуйте использовать изображение в заголовке, чтобы придать ему больше интереса, или слово действия , чтобы придать ему энергию. Дополнительные советы по написанию названий песен см. в статье «Напишите запоминающееся название» или посмотрите это видео.
  2. Составьте список вопросов, предложенных в названии.
  Для начала спросите себя, что вы хотите сказать о своем названии и что, по вашему мнению, могут захотеть узнать ваши слушатели.
  Составьте список вопросов. Ваш список может включать: Что означает название? Как вы к этому относитесь? Что случилось, чтобы вызвать это? Как вы думаете или надеетесь, что произойдет дальше? Вам понадобится три-четыре вопроса. Посмотрите это видео для получения дополнительной информации.
  3. Выберите структуру песни.
  Многие современные хиты основаны на такой структуре песни: Куплет / Припев / Куплет / Припев / Бридж / Припев. Некоторые добавляют короткую часть, называемую «предприпевом» или «подъемом» между куплетом и припевом, чтобы вызвать предвкушение.
  У куплета, припева и припева есть узнаваемая мелодия, которую слушатель может распознать, когда она появляется. Вот совет, который расскажет вам больше о структуре песни. Или посмотрите это видео, чтобы узнать основы.
  Нажмите, чтобы посетить курс лирики Робин!
  4. Выберите один вопрос для ответа в припеве и по одному для каждого куплета.
  Сначала мы сосредоточимся на припеве, так как это самая важная часть вашей песни. Выберите вопрос, на который вы хотите ответить в припеве. Запишите короткую фразу, выражающую ваш ответ.
  Ищите изображения и слова-действия, чтобы воплотить свои ответы в жизнь. Что певец чувствует, думает или говорит? Какие эмоции испытывает певец и как бы вы их описали? Тепло или холодно? Темный или светлый? Узнайте больше о том, как добавить эмоций в свои тексты здесь.
  ПРИСТУПАЙТЕ К РАБОТЕ НАД МЕЛОДИИ И АККОРДОВ
  5.
  Найдите мелодию в своей лирике.
  Выберите одну или две фразы, которые вы придумали на шаге 4. Произнесите их вслух. Теперь повторите их снова с МНОГО эмоций. Преувеличивайте эмоции в строках. Обратите внимание на естественный ритм и мелодию вашей речи, когда вы произносите строки с большим чувством. Это начало вашей припевной мелодии. Играйте с ним, пока не почувствуете себя комфортно. Вот подробнее о том, как использовать лирику для создания мелодии.
  6. Начните добавлять аккорды к мелодии припева.
  Попробуйте простой повторяющийся паттерн аккордов. Здесь вы найдете несколько последовательностей аккордов, которые вы можете использовать. (Прокрутите вниз до раздела, посвященного последовательности аккордов.) Играйте с мелодией и аккордами, пока не найдете то, что вам нравится. Запишите свое пение и игру (или просто пение) — даже если это только на вашем смартфоне. Обязательно запишите, чтобы не забыть.
  Ознакомьтесь с книгами Робин на Amazon.com.
  РАЗРАБОТАЙТЕ СВОЮ ПЕСНЮ В РАЗДЕЛАХ
  
  7. Работайте над лирикой в первом куплете.
  Сосредоточьтесь на вопросе, который вы выбрали на шаге 4. Сделайте в своей первой строке то, что заинтересует слушателей: интригующее утверждение, вопрос или описание ситуации. Во второй строке рассмотрите возможность переформулировать первую строку по-другому или добавить больше информации. Не двигайтесь слишком быстро; вашим слушателям нужно время, чтобы понять, что происходит в песне.
  В куплете 1 обязательно дайте слушателям достаточно информации, чтобы они могли понять припев, когда вы доберетесь до него. Пройдите шаги 5 и 6 с мелодией куплета и аккордами.
  8. Соедините куплет и припев.
  После того, как у вас есть куплет и припев, создайте переход между ними, чтобы они звучали естественно. Возможно, вам придется повысить или понизить мелодию куплета или изменить последнюю строчку, чтобы плавно перейти к припеву.
  СОВЕТ. Мелодии припева обычно имеют более высокий диапазон нот, чем куплеты, потому что они более эмоциональны, а когда мы эмоциональны, наш голос имеет тенденцию повышаться.
  9. Соберите второй куплет и мостик.
  Выберите другой вопрос, чтобы ответить на него во втором куплете. Используйте Шаг 7, чтобы проработать лирику. У вашего второго припева будет та же мелодия и лирика, что и у первого припева, так что вы почти закончили свою песню. Вам просто нужно добавить мост.
  Секция бриджа добавляет к вашей песне пиковый эмоциональный момент, осознание или «ага!» момент. Попробуйте две-три лирические строки, которые дадут слушателю лучшее представление о ситуации или эмоциях, которые испытывает певец. Мелодия должна отличаться как от куплета, так и от припева. Попробуйте использовать аккорд, который вы раньше не использовали, или изменить длину фразы или движение мелодии. Бридж не обязателен, но он может придать вашей песне большую силу.
  ПОДЕЛИТЕСЬ СВОЕЙ ПЕСНЕЙ СО СЛУШАТЕЛЯМИ
  10. Запишите свою песню.
  Одно дело написать песню, и совсем другое — убедиться, что слушатели услышат те чувства, которые вы хотели выразить.