Искусство и история: Краткая история искусства — Блог о визуальной грамотности

Краткая история искусства — Блог о визуальной грамотности

История искусства насчитывает десятки тысяч лет — люди самых древних цивилизаций использовали доступные им методы для изображения значимых для них объектов. С ранних времен и до наших дней появлялось множество художественных течений, каждое из которых имело черты, отражающие политические и социальные особенности того периода, когда они возникали.

Выдающиеся произведения изобразительного искусства от эпохи Возрождения до модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Многие современные художники используют исторические отсылки к искусству прошлого в своих произведениях, поэтому для понимания многих картин решающее значение имеет знание исторического контекста и значения каждого периода для истории искусства в целом. Ниже представлена хронология художественных направлений, их характеристики и выдающиеся представители каждого периода в истории западного искусства.

Доисторическое искусство (~ 40 000–4 000 до н.

э.)Наскальные рисунки эпохи палеолита (пещера Ласко во Франции)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, задолго до появления письменности. Самые ранние артефакты относят к эпохе палеолита или древнего каменного века — это наскальные рисунки, гравюры, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных красителей и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые были крайне важны в жизни древних цивилизаций. Одним из самых известных примеров доисторического искусства являются наскальные рисунки эпохи палеолита, обнаруженные в пещерах Ласко во Франции в 1940 году. Их возраст превосходит 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этой местности.

Древнее искусство (~ 4 000 до н.э.–400 н.э.)

Законы Хаммурапи, Месопотамия, 1754 г. до н.э.

Древнее искусство создавалось развитыми цивилизациями (которыми в данном случае считаются цивилизации с устоявшейся письменностью), включавшими Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.

Произведения искусства этого периода различались в разных цивилизациях, но большая часть произведений служила одним и тем же целям: рассказывать истории, украшать бытовые предметы (посуду и оружие), изображать религиозные и символические образы, демонстрировать социальный статус. Многие работы создавались для того чтобы рассказывать потомкам истории великих правителей, богов и богинь.

Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи, созданный около 1792 года до нашей эры. Этот предмет содержит высеченный на камне свод вавилонских законов, украшенный изображением царя Хаммурапи (шестого царя Вавилонии) и месопотамского бога Шабаша.

Средневековое искусство (500–1400 гг. н.э.)

Распятие (Чимабуэ, Флоренция, 1288 г)

Средние века часто называют «темными веками» из-за экономического и культурного упадка после падения Римской империи в 476 году нашей эры. Большая часть произведений искусства, созданных в первые годы этого периода, отражает «мрак» этого времени и отличается гротескными образами и суровыми пейзажами. В средневековом искусстве доминирует церковная тематика; по прошествии первого тысячелетия стали появляться церкви, украшенные библейскими сюжетами и сценами классической мифологии.

В этот период в мире появляются и достигают расцвета иллюминированные рукописи (украшенные миниатюрами и орнаментами) и стиль готической архитектуры. Яркие примеры средневекового искусства включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна, один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и конечно, собор Парижской Богоматери — выдающийся образец готической архитектуры.

Искусство эпохи Возрождения (1400-1600)

Афинская школа (Рафаэль, Рим, 1510)

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализме, идее о независимом и самостоятельном человеке. Хотя эти гуманистические идеалы присутствовали и в позднем средневековье, но расцвета они достигли в XV-XVI веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье. Медичи на протяжении нескольких поклений поддерживали искусство и гуманистические философию и учения. Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были главными новаторами этого периода.

Высокое Возрождение (1490–1527) породило таких влиятельных художников, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, которые привнесли новые творческие идеи и определили идеалы эмоционального выражения в искусстве на многие поколения вперед. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создавали глубину за счет интенсивной игры света и тени. Искусство начало стилистически меняться, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Портрет Элеоноры Толедской с сыном (Бронзино, Флоренция, 1545)

Художники-маньеристы исходили из идеалов Микеланджело, Рафаэля и других художников позднего Возрождения, но их внимание к стилю и технике «перевешивало» смысл изображаемого объекта. Часто фигуры имели изящные вытянутые конечности, маленькие головы, стилизованные черты лица и преувеличенные детали. Это привело к созданию более сложных стилизованных композиций, вместо того, чтобы полагаться на классические идеалы гармоничной композиции и линейной перспективы, используемые их предшественниками эпохи Возрождения.

Некоторые из самых известных художников-маньеристов: Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который считался самым важным художником-маньеристом во Флоренции.

Барокко (1600–1750)

Призвание апостола Матфея (Караваджо, Рим, 1600)

Периоду барокко, следовавшему за маньеризмом, было свойственно преувеличенное изящество в живописи и архитектуре. Он отличался величием и богатством, интересом к развитию человеческого интеллекта и знаний и глобальным открытиям. Произведения художников барокко были стилистически сложными, неоднозначными.

Картины барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского живописца Рембрандта. Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Паломничество на остров Киферу (Антуан Вато, Париж, 1717)

Стиль зародился в Париже и охватывал декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика Рококо предполагала более мягкую декоративную манеру изображения по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, сочетали мягкую манеру письма, активные мазки кисти и свежие цвета. Стиль рококо проник не только в живопись и архитектуру, но и в украшение серебряной, фарфоровой посуды и предметов интерьера. Многие стулья и шкафы того времени отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и частым использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Танцовщица с цимбалами (Антонио Канова, Венеция, 1809-14)

Как следует из названия, неоклассический стиль опирался на элементы античной классики. Руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, обнаруженные во время археологических раскопок, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики находились под влиянием классических изобразительных элементов, в частности, стремление к идеализму. Естественно, они включали в свои работы актуальные образы своего времени. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, заметной во многих античных творениях.

Романтизм (1780–1850)

Художник, приведенный в отчаяние величием обломков древности (Генрих Фюссли, 1779)

Романтизм пронизывал все области творчества от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присущие каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты в классическом искусстве и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одной определяющей романтической идеей была любовь к природе. Многие обратились к пленэрной живописи, которая «вывела» художников из темных интерьеров навстречу живым пейзажам. Художники сосредоточили свое внимание на страстях, эмоциях и ощущениях, занимавших по их мнению главенствующую позицию по отношению к интеллекту и разуму.

Выдающимися художниками романтизма считаются Генрих Фюссли, создававший странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильям Блейк, чьи таинственные стихи и изображения передают мистические видения и разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Веяльщицы (Гюстав Курбе, 1853)

Реализм зародился во Франции в 1840-х годах и иногда считается одним из первых направлений современного искусства. Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них вызывал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в созданных в это время произведениях искусства, которые содержат подробные, правдивые изображения предметов.

Одним из самых влиятельных художников эпохи реализма является француз Гюстав Курбе, считавший, что «Живопись заключается в представлении вещей, которые художник может увидеть и коснуться…».

Модерн (1890–1910)

Фрукты (Альфонс Муха, 1897)

В европейских странах и странах Северной Америки стиль имел разные названия, одно из которых «ар нуво» (art nouveau) буквально переводится как «новое искусство». В период модерна была предпринята попытка создать полностью аутентичное искусство, свободное от имитации предшествующих стилей. Стиль сосредоточен на мире природы, для него характерны длинные извилистые линии и волны. Модерн сильно повлиял на прикладное искусство, графику и иллюстрацию.

Известные художники-модернисты работали в различных направлениях, включавших архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись. Чешский графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернар. Испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди не ограничивался прямыми линиями и создавал изогнутые, яркие конструкции, такие как Храм Святого Семейства в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Впечатление. Восходящее солнце (Клод Моне, 1872)

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть свое непосредственное впечатление от определенного момента. Характерные черты — короткие, быстрые мазки кисти и ощущение незавершенности картины. В качестве предмета изображения импрессионисты использовали окружающую их современность, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические или мифологические события.

Имя Клода Моне, французского художника, стоявшего у истоков идеи выражения чувственного восприятия природы, фактически является синонимом импрессионистского движения. Среди его известных работ «Пруд с водяными лилиями» (1899 г. ), «Прогулка. Дама с зонтиком» (1875 г.) и «Впечатление. Восходящее солнца» (1872 г.), от которых и произошло название художественного стиля.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Воскресный день на острове Гранд-Жатт (Жорж Сёра, 1886)

Несмотря на то, что постимпрессионисты работали независимо, не объединяясь в группу, у всех известных представителей этого течения были схожие идеи. Они сосредоточили свое внимание на субъективном видении мира и личных символических смыслах, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто эти идеи выражались с помощью абстрактных форм.

Постимпрессионистом был Жоржа Сёра, известный своей техникой пуантилизма, в которой для формирования изображения использовались маленькие четкие точки. Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, искавшим личного выражения в искусстве, часто с помощью резких мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Женщина в шляпе (Анри Матисс, 1905)

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основывался на работах Винсента Ван Гога и Джорджа Сера. Будучи первым авангардным движением 20-го века, этот стиль характеризовался использованием интенсивных цветов, линий и мазков кисти, толстым рельефным слоем краски и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательного, устоявшегося значения было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был значимым предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Танец жизни (Эдвард Мунк, 1899)

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения общества начала XX века и утрату духовности. Экспрессионисты изображали внутренний мир человека, беспокойство и живые эмоции с помощью искажения форм и ярких цветов. Художники искали вдохновение во всем, выходящем за рамки сдержанного западного искусства, часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и способы самовыражения диких племен.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Две выдающиеся арт-группы, работавшие в стиле экспрессионизма, Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), были созданы для коллективного творчества и проведения совместных выставок. 

Кубизм (1907–1914)

Скрипка и палитра (Жорж Брак, 1909)

Кубизм был основан Пабло Пикассо и Жоржем Браком — они отвергли концепцию, согласно которой искусство должно копировать природу. Отошли от традиционных техник и перспективы, вместо этого создав фрагментированные объекты посредством абстракции. Работы художников-кубистов отличаются плоским двумерным пространством, геометрическими формами или «кубами» объектов и множеством точек обзора. Часто изображаемые объекты даже не узнаваемы в абстракции.

Сюрреализм (1916–1950)

Сын человеческий (Рене Магритт, 1964)

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, представляя собой произведения искусства, бросающие вызов здравому смыслу. Сюрреалисты обвиняли логику и рациональное мышление, в том, что они завели человечество в тупик — к конфлиткам и Первой мировой войне, и считали, что он подавляет воображение. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий Зигмунда Фрейда, исследовавшего психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, искали корни происходящих вокруг событий в области человеческого подсознания. В частности, картины Дали соединяют в себе точное изображение исторических событий с яркими и причудливыми снами.

Абстрактный экспрессионизм (1940-е–1950-е)

Осенний ритм №30 (Джексон Поллок, 1950)

Сформированный наследием сюрреализма, абстрактный экспрессионизм возник в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Течение иногда называют нью-йоркской школой и «живописью действия«. Художники и скульпторы отошли от всего, что считалось традиционным, используя спонтанность и импровизацию для создания абстрактных произведений искусства. Создавались колоссальные по размеру произведения, которые уже не мог вместить мольберт, поэтому холсты размещались прямо на полу.

Среди наиболее значимых художников-абстрактных экспрессионистов — Джексон Поллок, известный своим уникальным стилем капельной живописи, и Марк Ротко, который использовал большие цветные блоки для выражения духовных переживаний.

Оп-арт (1950–1960-е)

Blaze (Вспышка) (Бриджет Райли, 1964)

Под влиянием достижений науки и технологий, а также интереса к оптическим эффектам и иллюзиям, движение оп-арт (сокращение от «оптическое» искусство) началось с групповой выставки Le Mouvement в галерее Дениз Рене в 1955 году. Художники, работающие в этом стиле, использовали формы, цвета и узоры для создания движущихся или размытых изображений, часто в черно-белом цвете для максимального контраста. Эти абстрактные узоры должны были одновременно сбивать с толку, обманывать зрение и развлекать зрителей.

Английская художница Бриджет Райли — одна из самых известных представителей оп-арта. Ее картина Blaze 1964 года состоит из зигзагообразных черно-белых линий, которые создают иллюзию движения по кругу.

Поп-арт (1950-е–1960-е)

Банка с супом Кэмпбелл (рисово-томатный) (Энди Уорхол, 1968)

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных течений XX века. Художники отказались от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме. Вместо этого они использовали повседневные, бытовые предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это включение в изобразительное искусство знакомых, опознаваемых образов было смещением от основной линии модернизма.

Художники поп-арта, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, стремились обосновать идею того, что источником искусства может стать все, что угодно, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать. Пожалуй, самым известным произведением искусства поп-культуры являются «Банки супа Кэмпбелла» Уорхола.

Арте повера (1960-е)

Иглу из камня (Марио Мерц, 1968)

Арте повера («Arte Povera» буквально переводится как «бедное искусство») — движение, бросившее вызов модернизму, современным политическим и социальным системам. В своем творчестве художники использовали подручные материалы: землю, камни, бумагу, веревки и другие приодные и неприродные элементы как отсылку к доиндустриальной эпохе человечества. Многие известные работы этого художественного направления — это скульптуры.

Итальянские художники Марио Мерц, Джованни Ансельмо и Алигьеро Боэтти создавали антиэлитарные работы из простых («бедных») материалов. Их «Иглу из камня» 1968 года, одна из знаковых работ из серии иглу, связанных с простейшими человеческими потребностями: укрытием, теплом и едой.

Минимализм (1960-е–1970-е)

Черная серия 1 (Фрэнк Стелла, 1967)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, где группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточилось на анонимности, фокусируя внимание зрителей на материальности своих произведений. Художники использовали простые формы, порядок и гармонию и призывали зрителей сосредоточиться именно на том, что они видят перед собой, не проводя параллелей с внешними реалиями, эмоциями и мыслями.

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из первых приверженцев минимализма, создавая беспредметные картины, например «Черная серия», созданная между 1958 и 1960 годами. Каждая из них имеет узор из прямолинейных полос одинаковой ширины, напечатанный металлическими черными чернилами.

Концептуальное искусство (1960-е–1970-е)

Один и три стула (Джозеф Кошут, 1965). Добросовестное использование, en.wikipedia.org

Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство перформансов, эфемер и других форм. «Активная поэзия» польской художницы перформанса Евы Партум состояла из разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут отразил свои размышления о появлении и роли языка в искусстве в известной работе 1965 года «Один и три стула». В нем он представляет обычный стул тремя разными способами, показав разницу значений одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, четкого стиля или формы в этом течении не было.

Современное искусство (1970-е–наши дни)

Мойка стены (Бэнкси, 2008)

1970-е годы стали началом периода современного искусства, который продолжается сегодня. Современному искусству свойственно разнообразие — появление различных школ и отдельные движения.

• Постмодернизм: в противопоставление модернизму художники создают произведения, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
• Феминистское искусство (арт-феминизм): движение возникло в стремлении изменить стереотипы и модель истории искусства, в которой доминируют художники-мужчины.
• Неоэкспрессионизм: стремление возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создавать текстурные, выразительные, большие по масштабу работы.
• Стрит-арт (уличное искусство): такие художники, как Бэнкси, Кит Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи и другие, создают рисуют в стиле граффити в общественных местах, на тротуарах, зданиях и тоннелях.
• «Поколение картинок» (The Pictures Generation): Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие художники под влиянием концептуального и поп-арта экспериментируют со знакомыми образами, исследуя то, как формируется наше восприятие мира.
• Апроприация: движение сосредоточено на использовании в искусстве уже готовых или чужих изображений, предметов, скульптур с небольшими преобразованиями по сравнению с их первоначальной формой.
• Молодые британские художники (YBA): группа лондонских художников шокировала публику неожиданными образами и готовностью выйти за рамки приличия. Одна из самых значимых работ — «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (резервуар с тигровой акулой в растворе формальдегида).
• Цифровое искусство (компьютерное искусство): появление цифровой камеры дало развитие этому течению, в котором художники совмещают искусство и технологии — компьютеры, аудио и визуальное программное обеспечение, аудио.

История западного искусства — это череда сменяющих друг друга художественных стилей и техник, форм и носителей искусства. Разные течения оставляют после себя выдающиеся живописные полотна, скульптуры, архитектурные сооружения.  Каждое творческое направление отражает не только эстетические идеалы, но и мировоззрение людей соответствующего времени. Нам оно помогает заглянуть в прошлое, понять своих предков и найти истоки всего, что создается сегодня вокруг нас.

Перевод статьи «Линия времени искусства: западные течения и их влияние» (Art History Timeline: Western Art Movements and Their Impact).

Понравилось это:

Нравится Загрузка…

История искусства

Дорогие друзья! Задумывались ли вы когда-нибудь о том, что такое искусство? Определений бесчисленное множество. Однако в самом общем виде искусство можно трактовать как образное переосмысление действительности и передачу смыслов художественными средствами, такими как живопись, архитектура, скульптура, музыка и прочими.

Тогда что такое история искусства? Это наука, изучающая стадии и закономерности развития разных видов искусства в различные периоды мировой истории. В ходе такого изучения выявляются общие закономерности и тренды, которым подчиняются произведения искусства, созданные в какой-либо исторический период.

На основе выявленных закономерностей разрабатывается классификация периодов, стилей и направлений в искусстве. С ними мы и познакомимся в ходе изучения его истории. Зачем вам это? Судя по тому, что вы уже читаете вводный урок к нашему краткому курсу «История искусства», у вас уже есть какой-то свой ответ на этот вопрос. У нас такой ответ тоже есть, но это позже, а сейчас познакомим вас со структурой курса.

Содержание:

• Цели и задачи курса
• Где и кому нужна история искусства?
• Как освоить историю искусства?
• Уроки и структура курса
• Как проходить курс?
• Дополнительные материалы
• Цитаты великих людей об искусстве

А теперь – о целях и задачах курса и о том, где вам могут пригодиться полученные знания.

Цели и задачи курса

Историю мы все изучали в школе, однако в большинстве случаев фокус внимания учителя был направлен на социально-экономические и общественно-политические аспекты развития. Культура и искусство часто оставались как бы «за кадром».

Основная цель и задача курса – компенсировать это упущение и восполнить возможный пробел в ваших знаниях, познакомив вас с основными трендами в развитии искусства с древнейших времен и до наших дней.

Кроме того, вы научитесь разбираться в стилях и направлениях различных видов искусства, что поможет вам более уверенно чувствовать себя, например, на всевозможных выставках, премьерах, экскурсиях.

Где и кому нужна история искусства?

Можно уверенно сказать, что история искусства нужна любому культурному человеку. Даже если вы не горите желанием распознавать художников по взмаху кисти или авторство оперетт по первым аккордам, в современном мультикультурном мире очень желательно иметь представление об искусстве разных периодов и регионов.

А уж если вы работаете с людьми, базовые знания об искусстве вам просто необходимы. Просто потому, что в центре внимания большинства произведений искусств – человек, его мысли и переживания, эмоции и желания.

Изучив историю искусства, вы научитесь лучше понимать людей каждый день, изо дня в день и в самых разных обстоятельствах.

Кому пригодится история искусства:

• Менеджеры, управленцы, собственники бизнеса.
• Работники сферы обслуживания.
• Преподаватели школ, вузов, колледжей.
• Психологи, социологи, философы.
• Журналисты, обозреватели, корреспонденты новостных редакций.
• Завсегдатаи культурных мероприятий.
• Любители театра, живописи, архитектуры.
• Все, кто работает в совместных предприятиях.
• Все, кто общается в мультикультурной среде.
• Все, кто часто путешествует за рубеж.

Предполагается, что профессиональные историки, археологи, искусствоведы и культурологи познакомились с историей искусства на этапе обучения в вузе, и знают ее в объеме гораздо большем, чем может вместить в себя экспресс-курс, построенный по схеме «1 эпоха = 1 урок». Если это почему-либо до сих пор не так, очень рекомендуем пройти наш курс и хотя бы в общем и целом компенсировать пробелы в знаниях.

Как освоить историю искусства?

Мы построили наш курс так, чтобы материал был понятен даже тем, кто никогда всерьез не задумывался, что история искусства – это целая наука, которая подчиняется своим закономерностям. Подача упрощена до базовых понятий и главных отличительных черт той или иной эпохи в истории искусства и подкреплена наглядным материалом, дающим визуальное представление об основных трендах в том или ином виде искусства.

При построении курса мы придерживались

следующей периодизации:

• Искусство первобытного общества и Древнего мира.
• Античное искусство (Древняя Греция и Древний Рим).
• Искусство Средневековья.
• Эпоха Возрождения. Ренессанс.
• Искусство Нового времени.
• Модернизм.
• Постмодернизм.
• Современное искусство.

В специальной литературе можно встретить другие принципы периодизации. Например, деление истории искусства на Античность, Ренессанс и Постренессанс, а истории искусства Новейшего времени – на авангард, модернизм, постмодернизм.

Однако такое деление несколько отходит от периодизации всеобщей истории. Поэтому мы решили ориентироваться на периоды, на которые делится она и которые знакомы всем со школьной скамьи хотя бы в общих чертах.

Курс не является заменой полноценному высшему образованию и не вмещает в себя информацию абсолютно обо всех произведениях искусства, созданных с древнейших времен до наших дней. Это бы существенно увеличило объем курса и затруднило восприятие, которое при избытке деталей сложно сфокусировать на главном.

Уроки и структура курса

Чтобы вам было проще понять историю искусства, мы сгруппировали уроки по основным периодам в развитии искусства по принципу «1 эпоха = 1 урок». Так будет проще разграничить восприятие по датам, странам и основным трендам в искусстве и не запутаться в дальнейшем, обращаясь к произведению искусства того или иного стиля и направления.

Урок 1. Искусство первобытного общества и Древнего мира

Цель урока – изучить развитие искусства первобытного общества и Древнего мира. Из этого урока вы узнаете, что искусство зародилось в эпоху Среднего палеолита, узнаете, что и почему рисовали на скалах древние люди, познакомитесь с основными памятниками искусства Позднего палеолита, мезолита, неолита и Древнего мира: Древнего Египта, Индии, Китая, Месопотамии.

Урок 2. Античное искусство: Древняя Греция и Древний Рим

Цель урока – изучить развитие искусства в период Античности, познакомиться с основными трендами в искусстве Древней Греции и Древнего Рима. Изучив урок, вы узнаете, что именно позаимствовало искусство Древней Греции от Древнего Египта, что такое ионический, дорический и коринфский стили, какова специфика греческой росписи, откуда взялось выражение «Хлеба и зрелищ» и еще много интересного.

Урок 3. Искусство Средневековья

Цель урока – изучить развитие искусства в эпоху раннего Средневековья и Византии, классического или высокого Средневековья. Вы узнаете, почему в Византии была слабо развита скульптура, чем отличались романский и готический стили западноевропейского Средневековья, какие фрески и мозаики рисовали в храмах и как оформляли рукописные книги того периода. А еще вы узнаете, кто такие ваганты и какие их песни поют с древних времен и до сих пор.

Урок 4. Эпоха Возрождения и Ренессанс

Цель урока – изучить основные тренды искусства эпохи Возрождения. Изучив материал урока, вы узнаете, как развивались архитектура, скульптура, живопись и литература данного периода, познакомитесь с наиболее знаковыми произведениями. Вы узнаете, какие элементы античного искусства были позаимствованы в полной мере, что такое маньеризм, какие сонеты писал художник Рафаэль Санти, и ощутите энергию Ренессанса.

Урок 5. Искусство Нового времени

Цель урока – изучить основные стили и направления в искусстве Нового времени, познакомиться с работами известных архитекторов, скульпторов, художников и литераторов данной эпохи. Изучив материал урока, вы научитесь определять, к какому стилю относится то или иное произведение искусства и в чем его историческая ценность.

Урок 6. Модернизм

Цель урока – изучить проявления модернизма в разных жанрах искусства, познакомиться с наиболее яркими представителями модернизма в искусстве  и наиболее известными произведениями в этом стиле. Изучив урок, вы научитесь отличать модернизм от прочих направлений в искусстве, разберетесь в его основных чертах и отличительных особенностях.

Урок 7. Постмодернизм

Цель урока – изучить постмодернизм во всех его проявлениях, познакомиться с наиболее выдающимися авторами и произведениями искусства постмодернизма. Изучив урок, вы сумеете отличить постмодернизм от модернизма и прочих родственных направлений в искусстве.

Урок 8. Современное искусство

Цель урока – понять, что такое современное искусство, по каким критериям можно отнести ту или иную работу к произведению искусства. Изучив урок, вы разберетесь в структуре многообразия современного искусства, его жанрах, стилях и направлениях. И, возможно, задумаетесь о том, чтобы внести свой собственный вклад в современное искусство.

Как проходить курс?

Ввиду того, что курс выстроен в хронологическом порядке, удобнее всего будет изучать уроки последовательно от первого к последнему. Если вам что-либо непонятно с первого раза, ничего страшного, для полного понимая обычно достаточно просто прочитать фрагмент текста еще раз. К слову, этот метод «повторного чтения» решает примерно 70% проблем, возникающих при освоении гуманитарных наук.

Отметим, что сегодня гуманитариям намного легче, чем, скажем, во времена Античности. Тогда словом «искусство» называли любую интеллектуальную, т.е. не физическую деятельность. А в раннем Средневековье появилось такое понятие, как «7 свободных искусств», которые необходимо было освоить всем, кто желал учиться в университете.

Сначала изучали тривиум: грамматику, логику, она же диалектика, и риторику. Затем изучали квадривиум: арифметику, геометрию, астрономию и музыку. В традиционном понимании искусством в этом списке является только музыка (и отчасти риторика).

Сейчас термин «искусство» охватывает гораздо более приятные для восприятия гуманитариев вещи, поэтому мы очень рады видеть вас на нашем курсе, и уверены, что вам с нами понравится.

Дополнительные материалы

Для тех, кто заинтересуется историей искусства более предметно, мы подготовили список дополнительной литературы, из которой вы сможете узнать массу интересного и заметно расширить свой кругозор.

Книги по истории искусства:

• Э. Гомбрих, «История искусства»
• М. Кухта, «История искусств»
• Г. Вельфлин, «Основные понятия истории искусств»
• Б. Виппер, «Введение в историческое изучение искусства»
• В. Бобров и др., «Первобытная археология. Человек и искусство»
• М. Дэвлет и др., «Изобразительные и технологические традиции ранних форм искусства»
• М.
  Алпатов, «Художественные проблемы искусства Древней Греции»
• В. Блаватский, «История античной расписной керамики»
• Г. Соколов, «Искусство Древней Греции»
• Г. Соколов, «Искусство Древнего Рима»
• Д. Карган, «История итальянского искусства»
• Е. Поляков, «Архитектура Древнего мира, Т. 1»
• Е. Поляков, «Архитектура Древнего мира, Т. 2»
• В. Лихачев, «Искусство Византии IV-XV веков»
• П. Гнедич, «Искусство Средних веков»
• Р. Томан и др., «Искусство итальянского Ренессанса. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок»
• Е. Яйленко, «Мастера и шедевры эпохи барокко»
• Р. Томан и др., «Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок»
• М. Серюлль, А. Серюлль, «Энциклопедия импрессионизма»
• М. Герман, «Модернизм, Искусство первой половины XX века»
• Э. Демпси, «Модернизм и современное искусство»
• Н. Маньковская, «Эстетика постмодернизма»
• Б. Альтшулер, «Авангард на выставках. Новое искусство в ХХ веке»
• В. Хан-Магомедова, «Искусство. Современное. Тетрадь первая»

Статьи и курсы по искусству:

• Как научиться понимать произведения искусства
• Способы научиться ценить искусство
• Ораторское искусство
• Писательское мастерство
• Теория музыки: курс музыкальной грамотности
• Творческое мышление: развитие креативности
• Как искусство влияет на психику человека: краткий ликбез

И напоследок приятный «десерт».

Цитаты великих людей об искусстве

В конце вводного урока мы хотим подарить вам минутку вдохновения, поделившись цитатами известных людей об искусстве:

Всякое искусство есть подражание природе.

Сенека

Искусство является очищением страстей.

Аристотель

Жизнь коротка, а путь искусства долог.

Гиппократ

Творения здравомыслящих затмятся творениями неистовых.

Платон

Ни искусство, ни мудрость не могут быть достигнуты, если им не учиться.

Демокрит

Искусство заключается в том, чтобы найти необыкновенное в обыкновенном и обыкновенное в необыкновенном.

Дени Дидро

Искусство смывает пыль повседневности с души.

Пабло Пикассо

Искусство нам дано, чтобы не умереть от истины.

Фридрих Ницше

Цель искусства – раскрыть красоту и скрыть художника.

Оскар Уайльд

Искусство есть высочайшее проявление могущества в человеке.

Лев Толстой

Искусство имеет своей задачей раскрыть истину в чувственной форме.

Георг Гегель

Искусство – могучее средство исправления людского несовершенства.

Теодор Драйзер

Художник – лжец, но искусство – правда.

Андре Моруа

Всякое творчество есть по сути своей молитва. Всякое творчество направлено в ухо Всевышнего.

Иосиф Бродский

Искусство – это одежда нации.

Оноре де Бальзак

Мы желаем вам успехов в освоении курса и новых интересных лично вам открытий в истории искусства. И приглашаем прямо сейчас перейти к первому уроку. Наша краткая «История искусств» ждет вас!

Ольга Обломова

1 Древний мир →

История искусства после «новой истории искусства»

 

Pooke Grant, Newall Diana. ART HISTORY: The Ba­sics. — L.; N. Y.: Routledge, 2008. — XXII, 263 p. Emison

Patricia A. THE SHAPING OF ART HISTORY: Meditations on a Discipline. — University Park, PA: Pennsyl­vania State University Press, 2008. — XII, 108p.

THE ART OF ARTHISTORY: A Critical Anthology/Ed. D. Pre- ziosi; 2^nd edn. — N.Y.: Oxford University Press, 2009. — VIII, 591 p. — (Oxford History of Art).

ART HISTORY: CONTEMPORARY PERSPECTIVES ON METHOD/Ed. D. Arnold. — Oxford: Wiley-Blackwell, 2010. — VIII, 175p. — (Art History. Vol. 32. Issue 4).

 

Одной из существенных характеристик современной зарубежной истории искус­ства является постоянный интерес к теоретическим и методологическим аспек­там собственного научного фундамента. За последнюю четверть XX в. вышло в свет огромное количество трудов разного формата, посвященных этой проблема­тике. Развернувшаяся в них — и продолжающаяся в настоящее время — дискус­сия стала частью глубинных перемен, произошедших в гуманитарной области[1].

История искусства в той же мере, что и другие гуманитарные науки, хотя и с некоторым отставанием, оказалась втянута в процессы разрушения форм дисцип­линарного знания в классическом смысле, переструктурирования его границ и областей, пересмотра важнейших эпистемологических категорий, таких как объ­ект познания, объектно-субъектные связи внутри науки, цели и задачи научного знания. Эти деструктивные процессы легли в основу формирования во второй половине XX в. новой научной парадигмы. Анализ ее сущностных особенностей находится в центре внимания четырех изданий, которые являются предметом на­стоящего обзора. Они отличаются по своим конкретным целям и задачам, отчасти по жанру, по расстановке акцентов. Но есть ряд общих типологических черт, определяющих их единство на концептуальном уровне. Во-первых, они относятся к англоязычной научной традиции. В последние десятилетия это перестало быть только лингвистическим параметром и в данном случае свидетельствует об их методологическом родстве с так называемой новой историей искусства[2]. Однако эти труды обозначают уже следующую стадию развития науки и частично пере­сматривают идеи новой истории искусства. Во-вторых, книги вписаны в крити­ческий дискурс современной гуманитарной науки. В-третьих, стержнем, вокруг которого выстраиваются методологические концепции, являются интерпретативные методы. В-четвертых, в них реализуются междисциплинарные подходы и идея множественности равноправных между собой историй искусств.

Книга «История искусства: Основы» (2008) имеет определенный адресат и четко сформу­лированные цели — она представляет собой учебное пособие для студентов. Этим опреде­ляются ее структура и подход к изложению материала[3]. В центре внимания находятся две проблемы: 1) сущность искусства, 2) задачи и границы его изучения в рамках специальной научной дисциплины. Позиция авторов — объ­ективно-отстраненная, они придерживаются беспристрастного повествования о становле­нии и сущности методов анализа произведений искусства, давая возможность читателю соста­вить собственную точку зрения. Другим важ­ным принципом является достижение целост­ности и репрезентативности выстраиваемой картины развития и актуального состояния ис­тории искусства.

Первая глава носит историографический характер, в ней изложены существо­вавшие в разное время представления об искусстве, а также основные этапы фор­мирования классической научной истории искусства. Авторская концепция обус­ловлена такими исходными параметрами, как отказ от выстраивания единственно возможного тотального дисциплинарного нарратива[4]; переосмысление ориентации истории искусства на западноевропейскую художественную культуру, обусловившей ее слабость перед лицом критики постмодернизма; понимание методологиче­ской несостоятельности общей дефиниции искусства на основе типичной лишь для Западной Европы Нового времени модели, ядро которой составляет идея об имитации действительности выразительными средствами изящных искусств[5].

Среди методологических платформ, на основе которых в исторической ретро­спекции формулировались определения искусства, авторы выделяют формали­стические подходы (их ранний вариант представлен в трудах К. Белла и Р. Фрая), сравнительно-стилистический анализ Вёльфлина, знаточество и атрибуцию, ин­ституциональную теорию и др. Лейтмотивом в этом анализе выступает последо­вательный релятивизм, ставящий под сомнение попытки любых генерализирую­щих определений. Как один из возможных путей решения проблемы релятивизма рассматривается идея определения принадлежности визуального феномена к ис­кусству через понятие «семейного сходства». Живопись, кино, инсталляция, ука­зывают авторы, имеют некие общие, сходные качества, которые дают нам основа­ние воспринимать их как искусство, подобно тому как представители одной семьи объединены общими генетическими и физическими характеристиками. Возмож­ность выявления подобного сходства размыкает сферу искусства, превращает ее в живую развивающуюся систему, способную интегрировать в себя новые, инно­вационные художественные формы и направления[6]. Но главная проблема здесь заключается в том, что «семейное сходство» может выражаться в свойствах, как доступных зрительному восприятию, так и визуально не проявленных.

Выбор методологических направлений и школ достаточно традиционен, но имеет место явный акцент на проблемах становления научной истории искусства в Великобритании. Внимание уделяется так называемой «диаспоре» 1930-х гг.[7], Институту Варбурга и Курто и их роли в развитии дисциплины. Завершая об­зор становления и развития истории искусства, авторы отмечают роль новой истории искусства в деструкции классической научной парадигмы, постмодер­нистской проблематизации дисциплинарного поля, повороте к новым методоло­гическим стратегиям.

Ставя вопрос о сегодняшней ситуации, авторы подчеркивают, что в начале но­вого столетия характер истории искусства определяет либеральный плюрализм, поощряющий толерантность между разными направлениями. Сфера проблем, объектов, практик, которые сейчас исследуют историки искусства и культуры, никогда не была столь обширной и многообразной. В последние годы в дисцип­лине заметны тенденции к самообновлению и критицизму, которые сопровож­даются невиданным ранее ростом социального интереса к произведениям и ин­ституциям искусства.

Среди множества научных подходов и стратегий, характерных для плюрали­стического настроя гуманитарного знания, в качестве наиболее влиятельных в ис­тории искусства выделены формализм[8], неомарксизм, семиотика и постструкту­рализм, психоанализ, гендер и изучение роли сексуальности, анализ процессов глобализации и постколониальные исследования. Авторы, несомненно, правы, указывая на эти тенденции в качестве наиболее существенных — они занимают важное место в современной науке об искусстве и присутствуют в других рас­сматриваемых здесь трудах.

Книга Патриции Эмисон «Формирование истории искусства» (2008) написана в ином ключе — в форме эссе «от первого лица». Автор излагает, прежде всего, свое видение генезиса и развития дискурса истории искусства, раз­граничения и спецификации ее дисциплинар­ного поля, процессов трансформации класси­ческой и возникновения актуальной научной парадигмы. В тексте содержатся оригинальные мысли и идеи, проведены неожиданные па­раллели, стимулирующие восприятие чита­теля. Концептуальное пространство истории искусства выложено наподобие мозаики из ав­торских интерпретаций взглядов и подходов выдающихся ученых, которые не выстраива­ются хронологически, а сопоставляются и про­тивопоставляются помимо временных границ. Проблема более дифференцированных методо­логических принципов, объединяющих взгля­ды и идеи в единую школу или на единой платформе, отходит на задний план. Классическая история искусства структурируется во многом с помощью двух кон­цептов: биографии художника и исторического периода — и тем, как они пони­маются отдельными исследователями. Современное состояние дисциплины опи­сывается на основе антитезы двух понятий: знаточество / «культурная история искусства», — причем нельзя не заметить, что их антитетичность проявляется и в предельном неравенстве объемов этих понятий.

Особое внимание П. Эмисон уделяет взглядам и трудам З. Фрейда[9]. Она указы­вает на их роль в последующей радикальной теоретизации дискурса науки, которая долго оставалась достаточно консервативной, ортодоксальной в своих изысканиях, в определении ею собственных целей и методов. Основная методологическая ущербность позитивизма — интерес к факту как таковому, а не к его пониманию. Фрейд поставил на место эмпиризма интерпретацию, выдвинув на передний план субъективные аспекты восприятия. Поэтому, как утверждает П. Эмисон, его влия­ние прослеживается в широком диапазоне — от Э. Панофского до Т.Дж. Кларка.

Именно фрейдизм становится, по мнению автора, предпосылкой преодоления эмпиризма и вульгарного социологизма в так называемой социальной истории искусства, частью теоретического базиса которой является неомарксизм. «Со­циальные историки» искусства широко привлекают документальные факты в своих исследованиях, касающиеся исторического, политического, культурного контекста, сформировавшего художественное произведение или его творца. Но ко­гда Т.Дж. Кларк, один из ярких представителей этого направления, интересуется не публикой как социальным феноменом вообще, а анализирует взаимоотношения Гюстава Курбе с его «собственной» публикой, то он выступает как антипозитивист.

Интонации последней главы, «Назад к идолопоклонству?», характерны для нового состояния дисциплины, параметры которого лишь только намечаются. Оно связано с появившимися сомнениями в радикализме и релятивизме новой истории искусства, с ощущением опасных последствий утраты методологической специфики и самого предмета исследования. С точки зрения П. Эмисон, куль­турная история искусства[10] стремится к реконструкции реальной исторической картины, обращаясь к социальным и политическим проблемам, повлиявшим на процесс развития искусства. Однако происходит смещение акцентов и нарушение равновесия между анализом художественных аспектов и вниманием к социокультурному контексту в пользу последнего.

Адепты культурной истории искусства и постструктуралисты увели, как по­лагает автор, искусствоведение от индивидуального объекта, конкретного про­изведения искусства как от опасного идола. Но речь идет не о возвращении к нему, а о поиске равновесия между приверженцами изучения отдельного про­изведения и приверженцами «теории». Отсутствие этого равновесия, попытки объяснить фундаментальные процессы в истории искусства какой-либо одной научной стратегией (мультикультурализм, феминизм и т.д.) автор называет про­винциализмом и говорит о необходимости восстановления целостности культур­ной традиции. Одно из средств достижения этого — универсальное знание о куль­турном контексте, в который погружено произведение искусства. В истории западного (и не только) искусства есть периоды, когда интертекстуальность, по­нимаемая как континуитет визуальных референций, несводимых к иконографи­ческим (т.е. к соотнесенности образа со значением, привязанным к конкретному моменту), является определяющим фактором. Однако для современных истори­ков искусства часто умение соединить воедино формальные источники, культур­ную проблематику и психологические факторы становится непосильной методо­логической задачей. И это не тривиальные трудности, поскольку нет однозначных путей решения вопроса о выборе и границах необходимых знаний.

Фундаментальная антология «Искусство истории искусства» (2-е изд. — 2009) впервые была опубликована Дональдом Прециози в 1998 г. и очень быстро стала одним из самых влиятельных и популярных трудов в сфере теории и методологии истории искусства[11]. Второе издание книги отражает произошедшие за десятилетие изменения в представлениях о систематизации основных проблем дисцип­лины, о ее взаимосвязи с классической научной парадигмой. Актуальные для ны­нешнего статуса истории искусства темы автор объединяет вокруг нескольких стержневых концепций: искусство как история; эстетический анализ; форма, со­держание, стиль; антропология и/как история искусства; механизмы означива­ния; деконструкция и границы интерпретации; авторство и идентичность; глоба­лизация и связанные с нею тревоги (вслед за Дж. Стиглицем). В каждом проблемном поле выстроена линия преемственности между классической и ак­туальной историей искусства, включающая в хронологическом порядке наиболее авторитетные тексты. Все разделы сопровождаются вступительной статьей Д. Прециози, за которой следуют сами тексты. Таким образом, в пространстве научной истории искусства «спровоцирован» диалог взглядов и концепций И. Канта, Г.В.Ф. Гегеля, М. Хайдеггера, И.И. Винкельмана, Г. Вёльфлина, А. Ригля, А. Варбурга, Э. Панофского, М. Шапиро, Э. Гомбриха и современных историков искусства, среди которых — М. Фуко, Ж. Деррида, М. Баксандалл, М. Бел, Н. Брайсен, Л. Марен, Р. Краусс, С. Мелвилл и др. Этот диалог отреф- лексирован Д. Прециози с актуальных позиций современного гуманитарного зна­ния. Автор не претендует на бесспорный вариант структурирования проблемного поля науки и выявления ее концептуальных связей с прошлым. Однако его ва­риант обладает несомненной репрезентативностью, и нетрудно заметить, что она достигается точным выбором имен и трудов.

Сравнение первого и второго изданий де­монстрирует произошедшую во взглядах ав­тора эволюцию. Вариант 1998 г. представлял собой обобщение концепций и подходов но­вой истории искусства в контексте бескомпро­миссного постмодернистского спора с предше­ствующей научной традицией. Симптоматич­но, что в издании 2009 г. отсутствуют именно те разделы, которые были остро актуальными для более раннего этапа: тема гендера, без­условно, одна из наиболее влиятельных в рам­ках деконструкции классической методологии; тема «другого»[12] и т.д. Проблема стиля рас­сматривалась в первом случае с точки зрения утраты ею ключевых позиций в систематиза­ции истории искусства. Здесь эта проблема вернулась к более привычной классической формулировке «форма, содержание, стиль». И хотя это не означает возврата к старой трактовке, тем не менее изменение не случайно.

Частичная смена ориентиров свидетельствует о наметившемся повороте[13] в научной парадигме гуманитарного знания в наши дни. Применительно к истории искусства это выражается в двух тенденциях, на первый взгляд противополож­ных друг другу. Во-первых — в стремлении не только дистанцироваться от научных норм и практик классической истории искусства, но и более четко увидеть собственную укорененность в ней. Это, как представляется, говорит о снижении пафоса релятивизма[14], столь характерного для предшествующих десятилетий. Во- вторых — в появлении новых теоретико-методологических акцентов, генезис ко­торых спровоцирован разнообразием и новизной современных художественных практик. Отсюда внимание к методологическим аспектам осмысления новых ме­дийных форм творчества, роли категории процессуальности в них, метаморфозам институциональных форм бытия искусства (особенно художественного музея и арт-галереи) в начале XXI в. Отчетливо артикулирована идея, появившаяся уже в первом издании, но не получившая там четкой формулировки. Речь идет о влия­нии антропологии на историю искусства еще на стадии ее формирования как ака­демической дисциплины и об их взаимопроникновении и взаимообогащении на современном этапе в рамках антиевропоцентричного направления visual culture studies[15]. Задача формулирования новых тенденций, в том числе связанных с ант­ропологическим расширением истории искусства, привела к выделению пробле­матики глобализации. Она насыщена дискуссионными вопросами об актуальных способах репрезентации в искусстве (и искусством) множества систем ценностей, при этом важное место занимают современные музейные практики и меняющиеся институциональные функции музея.

В последней рассматриваемой здесь кни­ге — «История искусства: Современные взгля­ды на метод» (2010) — представлены статьи, в которых анализируются философско-теоретические основания и методологические пер­спективы современных дискурсов истории искусства. Следует подчеркнуть репрезента­тивность включенных в книгу методов и под­ходов: выбраны были именно те, которые легли в основу наиболее актуальных и эвристически-провокативных историй искусства. Составитель Дана Арнольд выделяет прин­ципы, объединяющие различные научные стра­тегии: соединение деструктивной роли в отно­шении классических представлений истории искусства (об авторстве, подлинности и др.) и диалога с методологическими школами, сфор­мировавшимися на заре эпохи модернизма; возникновение при этом междисциплинарного когнитивного пространства, в котором стал возможен синтез истории искусства с другими гуманитарными науками.

Среди рассмотренных в книге методологических платформ выделяется ана­лиз взглядов К. Манхейма в статье Джереми Таннера «Карл Манхейм и Алоиз Ригль: От истории искусства к социологии культуры». Ее значение связано как с весьма заметной ролью социальной истории искусства, так и с характерным для последних двух десятилетий повышенным интересом к теоретическим аспектам трудов А. Ригля[16]. Но главное в этой статье — стремление привлечь внимание к научным достижениям самого Манхейма, до сих пор незаслуженно остающимся в тени. Автор демонстрирует значение Манхейма как одного из основателей со­временной социологии культуры, и в частности социологии искусства, крити­чески противопоставляя его Панофскому с точки зрения освоения и интерпрета­ции обоими учеными теоретического наследия Ригля. Глубинные различия их философско-теоретических взглядов становятся предпосылкой формирования двух разных методологических концепций, выросших из одного корня, при этом та, которая была заложена Панофским, нашла свое продолжение во взглядах Э. Гомбриха, придавшего ей открыто сциентистский характер. Гомбрих, вслед за Поппером, вступил в острую полемику с идеями Манхейма, назвав его и его единомышленников «врагами разума». Столь резкая критика со стороны одного из авторитетнейших ученых-гуманитариев XX в. и была одной из причин забве­ния Манхейма.

Дж. Таннер убедительно доказывает, что взгляды Манхейма отнюдь не были антисциентистскими, однако он считал методологически некорректным строить гуманитарное знание по модели естественных наук. Именно поэтому ученый об­ратился к концепции kunstwollen и другим теоретическим идеям Ригля, откры­вающим дорогу к объяснительным принципам синхронных и диахронных изме­нений в культуре. Органическое соединение подхода Ригля с феноменологией Э. Гуссерля позволило Манхейму продвинуться от уровня дисциплинарного зна­ния с его спецификацией научного метода и исследовательского поля (в данном случае это история искусства, центрированная на проблеме стиля и стилистиче­ском анализе) к тому, что в постмодернистской научной парадигме будет названо контекстуальным анализом.

Позитивный эпистемологический характер этой позиции применительно к со­временному состоянию науки заключается во вновь открывшейся возможности выстраивать в ракурсе контекстуального видения большие исторические общно­сти во времени и пространстве культуры, искать в них внутренние закономерно­сти, типологически принципиально отличающиеся от «больших нарративов» классических гуманитарных наук. Чтобы доказать несомненную актуальность научного наследия Манхейма, Дж. Таннер анализирует методологические стра­тегии П. Бурдьё, М. Фуко, М. Баксандалла с точки зрения имплицитно содержа­щегося в них влияния немецкого ученого, а в конечном итоге и Ригля. В идеях Манхейма он видит более весомый методологический потенциал по сравнению с взглядами Э. Гомбриха и К. Поппера[17].

Статья Аманды Буцкес «Феноменология и интерпретация вне тела» посвя­щена роли феноменологии в обновлении теоретико-методологического багажа истории искусства, в раскрытии новых ракурсов анализа триединства «произве­дение искусства — запечатлевший себя в нем автор — зритель». Феноменологи­ческая проблематика рассматривается в контексте современных художественных практик и критики ее со стороны альтернативных философских направлений. Это способствует более глубокому раскрытию, с одной стороны, ее реальной ме­тодологической эффективности, а с другой — ее специфических характеристик, предопределивших как ее силу, так и ее слабость.

В центре внимания находятся феноменология М. Мерло-Понти и ее главные категории — тело и телесность как неотъемлемый атрибут субъект-объектных связей в неизбежной двойственности бытия искусства: в творческом процессе и процессе зрительского восприятия. Автор анализирует развитие концепций Мерло-Понти, выявляя принципиально новые черты тотальной модели искус­ства, которую он выстраивает, центрируя ее на телесности зрителя и ее взаимо­проникновении с «телесностью» произведения (а через него — и автора)[18]. Она показывает, как в трактовке Мерло-Понти телесность приобретает лингвистиче­ское измерение, открывается навстречу широкой социальной сфере, общей с ак­тами коммуникации, такими как речь и движение. (Это и сделало возможным влияние феноменологии на социальную историю искусства.)

Французский философ опирался на перцептивный опыт, который порождают произведения П. Сезанна и П. Пикассо. Многочисленные последователи фено­менологии среди художников и критиков в США впервые широко применили ее принципы для обоснования теории и практики минимализма и постминима­лизма. Обращаясь к знаменитой статье М. Фрида «Искусство и объектность», A. Буцкес полагает, что именно отсутствие феноменологического ракурса обусло­вило его интерпретацию минимализма (как возвращения к театральности, губи­тельной для искусства), которая вскоре была оспорена подавляющим большин­ством исследователей. И наоборот, останавливаясь на трудах о современной скульптуре (объектах, инсталляциях) Р. Краусс, автор показывает значение фе­номенологической позиции для раскрытия сути фундаментальной трансформа­ции, которая произошла в этой сфере на стыке взаимодействия художника, про­изведения и зрителя.

В ряду научных подходов, противостоящих феноменологии, автор выделяет позицию одной из основоположниц феминистской социологии и теории куль­туры Люс Иригарей[19]. Последняя критикует феноменологический метод анализа искусства (в варианте Мерло-Понти) за его «тоталитаризм», демонстрируя это на примере важнейшей его категории — телесности. В феноменологической ин­терпретации телесность оказывается абсолютно непроницаемой для каких бы то ни было альтернативных вариантов, не поддается дифференциации, к примеру, на мужскую и женскую телесность, не способствует выявлению значения этой дихотомии для искусства. Критика Иригарей указывает на одно из эпистемоло­гических ограничений феноменологии.

Дэн Карлхолм в статье «Обозревая современное искусство: Послевоенное, постмодернистское — что дальше?» предлагает оригинальный способ анализа ак­туального состояния методологии истории искусства на примере одной из наибо­лее сложных и противоречивых проблем. Новизна его историографического под­хода заключается в попытке проследить, как менялись границы, объем и смысл понятия «современное искусство», сравнивая в этом аспекте пять трудов, появив­шихся на протяжении последних тридцати лет[20]. По жанру они представляют со­бой обзор того, что на данный момент трактуется институционально как совре­менное искусство. Тем самым автор подчеркивает методологические функции этого жанра, несомненно, способного формировать восприятие и мнение социума.

Все многообразие точек зрения Д. Карлхолм группирует вокруг феномена кон­цептуализма и (в его контексте) творчества двух мастеров: Йозефа Бойса и Синди Шерман. Этот выбор не случаен; они составляют типологически очень важную для современного искусства (и его анализа) антитезу: Бойс — мужчина, европеец, ху­дожник, Шерман — женщина, американка, фотограф. Автор демонстрирует, как специфика понимания современного искусства порождает различные интер­претации феномена «другого». Точкой опоры служат две идеи его знаменитых предшественников: о применении археологического принципа в гуманитарном ис­следовании М. Фуко и о призрачности самого феномена искусства Э. Гомбриха[21]. В статье выявлены терминологические трудности, с которыми сталкивается каж­дый исследователь, пытающийся высказать более обобщенный взгляд на совре­менное искусство. Проблема в том, что появившиеся в разное время многочислен­ные концепты, его обозначающие: «постмодернизм», «постмодерн», «модернизм», «актуальное искусство» — в момент возникновения имели достаточно определен­ный смысл и объем. Но каждый следующий термин создавал новую семиотическую ситуацию, включая в себя часть объема предыдущих и добавляя нечто новое.

Работа Кэтрин М. Суслофф «Мишель Фуко и вопрос о живописи» рассматри­вает Фуко с несколько непривычной точки зрения — как историка искусства. Этот ракурс хоть и сужает методологическое пространство его влияния, но позволяет однозначно поставить вопрос о вкладе ученого в развитие истории искусства[22]. Подвергая оригинальному синтезу элементы феноменологии М. Мерло-Понти и семиотики Ф. де Соссюра, Фуко по-новому заостряет проблему, которая до этого, так или иначе, находилась в поле зрения ранее сформировавшихся методологи­ческих концепций, — проблему природы визуального и вербального знака, прин­ципов их различения и чтения. По сути, визуальная семиотика появляется в своем четком выражении в трудах Фуко, но еще важнее то, что они становятся мощней­шим стимулом для развития самостоятельного и очень влиятельного направления visual studies. Автор статьи выстраивает перспективу развития визуальных иссле­дований от Фуко к В.Дж.Т. Митчеллу и Кейт Мокси. Все проблемы, связанные с живописью, которая для Фуко остается самым важным видом изобразительного искусства, ученый рассматривает в контексте ее познавательных способностей. (Отчасти это, возможно, вызвано тем, что Фуко занимается исследованием живо­писи в основном на более ранних стадиях своего научного пути.) Более того, в его трудах артикулирована идея о том, что живопись адекватно репрезентирует эпоху и является средством ее познания. Гносеологический потенциал живописи Фуко связывает с основополагающими качествами и выразительными средствами за­падноевропейской живописи классической эпохи: тень, свет, цвет, способность к иллюзионистической передаче подобия. Самостоятельным полем для анализа яв­ляются для Фуко трансформация живописи от XIX к XX в. и вопрос о реализме, который он исследует, обращаясь к картинам Э. Мане[23].

Несколько особняком находится оригинальное исследование Перри Чэпман, посвященное художественной литературе об искусстве. Автор показывает, как этот жанр выстраивает свой собственный дискурс, развивающийся параллельно академическим исследованиям и музейной практике. В какой-то степени он про­должает традицию биографий художников и картин, которая в свое время стала едва ли не первым научным жанром в сфере истории искусства. Романы о худож­никах и их произведениях отражают степень проникновения современных на­учных представлений в обыденную, повседневную культуру, однако при этом и сами формируют массовое, обывательское понимание закономерностей художе­ственного процесса и его «вписанность» разными сторонами в жизнь социума.

Несмотря на то что каждый сборник конструирует свое пространство методов и подходов, несмотря на специфику расстановки акцентов, а порой и остроту по­лемики, границы этих пространств во многом совпадают. За истекшие с начала формирования новой истории искусства десятилетия у профессионального со­общества сложилось в достаточной степени консолидированное представление об эпистемологическом потенциале и эффективности новых научных стратегий. Анализ текстов в книге «История искусства: Современный взгляд на метод» вы­являет некоторые характеризующие это представление черты:

—переход от «соревновательности» методов к пониманию их равноправности и взаимодополняемости;

— смещение ракурса интерпретации: «высвечивается» не столько смысловое ядро, имманентно присущее произведению, сколько «сеть» контекстуальных свя­зей, в которую оно входит. Эти связи зачастую не принадлежат к эстетической сфере, на передний план вышли социальные, гендерные, социобиологические, антропологические и др. аспекты;

—приоритетное значение методов, проникающих в суть неклассических форм визуальности, в проблематику виртуальных форм бытования искусства. В этом сказывается роль современных художественных практик в обновлении методо­логии истории искусства.

На последних двух особенностях современных методологических стратегий стоит акцентировать внимание, поскольку именно здесь, в конечном итоге, про­легает граница между классической и новой историей искусства. Деконструкция Ж. Деррида двух ключевых для классического периода дисциплины категорий — «эстетическое» и «мимесис»[24] — обрушила ее фундамент и стала предпосылкой для поиска принципиально иных методологических перспектив. (Эта смена ори­ентиров во многом и предопределила интерпретативный характер новых научных подходов.) Но, как уже отмечалось выше, эскалация этих процессов в научном поле истории искусства вызывает сегодня определенные сомнения в связи с опас­ностью полной утраты ею собственного специфического видения произведения искусства; это ощущается и в рассмотренных здесь книгах. Конечно, в гораздо меньшей степени эти опасения возникают в сфере анализа актуального искусства, где экспансия новых медиа столь решительно трансформировала все аспекты творческого процесса и бытия произведения искусства. Тем самым эстетическая проблематика естественным образом утратила актуальность, уступив ее этиче­ским, социальным, политическим, гендерным, сексуальным и т.п. аспектам смы­слов, продуцируемых произведением. Но есть и другой вопрос — о предельных границах расширения понятия искусства. Сейчас уже очевидно, что ответ на него институциональной теории, а равно и теории «семейного сходства», не вполне удовлетворителен. Однако, как представляется, серьезные теоретические по­пытки для его решения еще впереди.

 

____________________________________

 

1) К сожалению, русскоязычная история искусства во мно­гом остается все еще вне этой дискуссии, поэтому интерес журнала «НЛО» к той сфере западной науки, где подвер­гаются критическому осмыслению новейшие теоретико- методологические тенденции, весьма важен. В этом плане нельзя не вспомнить, что в 1970-е гг. именно на страницах типологически близкого журнала «New Literary History» едва ли не раньше всего началось обоснование новых на­учных стратегий в истории искусства.

2) Новая история искусства — научный проект, цель которого была в том, чтобы ликвидировать разрыв между уровнем методологической рефлексии классической истории ис­кусства и новым состоянием гуманитарного знания, харак­терным для постмодернизма. В ее задачи входило выстраи­вание междисциплинарных контактов с такими его сферами, как культурная и социальная антропология, се­миотика, лингвистика, психология, cultural studies и word and image studies. Она сложилась в 1970—1990-е гг. в анг­лоязычной науке, хотя и под сильнейшим влиянием фран­цузского постструктурализма.

3) В книге большое внимание уделено методическим аспектам: в конце каждого параграфа суммированы его основные по­ложения и приведена дополнительная литература, имеются подробный библиографический список по методологии и теории искусства и словарь профессиональных терминов.

4) В связи с этим приведено афористическое высказывание Э. Гомбриха о том, что в действительности искусства нет, есть только художники.

5) Справедливо рассматривая концепцию имитации дей­ствительности как антитезу теории и практике современ­ного искусства, авторы подспудно сводят к ней всю исто­рию западноевропейского искусства, выделяя здесь линию, связывающую напрямую античность и Ренессанс. Средневековое искусство с его антимиметической направ­ленностью выпадает из их поля зрения, а вместе с ним — и методы его изучения. Поэтому в ряду методологических направлений не нашлось места иконографической шко­ле (иконография упоминается лишь в связи с Э. Панофским), в создании которой ведущую роль сыграли фран­цузские ученые. Между тем, иконография, сейчас уже в синтезе с семиотикой, по-прежнему остается мощным ин­терпретационным методом.

6) В этом ее отличие от академической системы жанров и ви­дов искусства, которая отвергается новой историей искус­ства за отсутствие гибкости и приверженность к устойчи­вой иерархии жанров. Кроме того, в теории «семейного сходства» заложены предпосылки для преодоления субъ­ективизма институционального подхода, поскольку в ка­честве критериев выбираются имманентно присущие ху­дожественному произведению свойства.

7) Речь идет о вкладе в радикальное обновление и профессио­нализацию истории искусства в Британии ученых, эмигри­ровавших из Германии после прихода к власти Гитлера, среди которых В. Фридлендер, Э. Гомбрих, Н. Певзнер и К. Поппер, а также эмигрантов из других стран: Ф. Анталь и А. Хаузер.

8) Трактовка формализма в данном труде имеет определен­ную специфику. Как практика искусства, он рассматри­вается в качестве средства тотального разрушения основ классического искусства и перехода к искусству модерниз­ма, экспериментирующему с границами и возможностями своих формальных элементов. Формальный анализ в тру­дах К. Гринберга выступил теоретической параллелью этих процессов и положил начало институциализации но­вой научной парадигмы.

9) Попытка найти общее в методологических ракурсах пси­хоанализа и истории искусства приводит к интересно­му сравнению учения Фрейда и атрибуционного метода Дж. Морелли; в обоих случаях фундаментальным принци­пом является поиск «скрытых значений», якобы незначи­тельных деталей, способных пролить свет на истинную суть.

10) Термин «культурная история искусства» обозначает то комплексное междисциплинарное направление в искус­ствоведении, которое возникло под влиянием cultural stu­dies, и во многом совпадает с термином «новая история ис­кусства», хотя и не тождествен ему.

11) Лишь одна из статей сборника, принадлежащих к новой истории искусства, публиковалась по-русски: Бел М., Брайсен Н. Семиотика и искусствознание // Вопросы ис­кусствознания. 1996. № 2. С. 521—559.

12) Гендерные и феминистские подходы к истории искусства, а также тема «другого» встроены здесь в метапроблему ав­торства и идентичности, и переход на этот уровень также очень симптоматичен для нынешнего состояния дисцип­лины. В этом можно увидеть пути преодоления своеобраз­ного «провинциализма», о котором говорит в своей работе П. Эмисон.

13) Подчеркнем, что этот поворот все же не является после­довательным и глубинным разрывом с методологической платформой, сформировавшейся в последние два десяти­летия прошлого столетия, и по важнейшим параметрам сохраняется преемственность.

14) В том числе, и это очень важно, в сфере интерпретативных практик.

15) Исследования визуальной культуры, у истоков которых находятся труды М. Фуко (визуальная семиотика яв­ляется здесь одним из самых эффективных методов), без­условно, становятся естественной теоретической базой междисциплинарного уровня в истории искусства. Это, однако, не снимает, а только обостряет проблему анализа искусства как специфического визуального источника в этом значительно более широком теоретико-методологи­ческом контексте.

16) Методологическая перспективность концепций Ригля и особенно его понятия kunstwollen стала в 1990-х гг. пред­метом изучения в ряде статей, монографий и научных симпозиумов, а его сочинения были переизданы на мно­гих европейских языках. Увы, на русский язык до сих пор не переведена ни одна из фундаментальных работ ав­стрийского ученого.

17) Система доказательств Дж. Таннера не всегда безукориз­ненна, некоторые утверждения вызывают сомнение, но внимание к ней обусловлено здесь новизной постановки проблемы о дальнейших перспективах развития методо­логии истории искусства.

18) Мерло-Понти моделирует феноменологическую интер­претацию искусства с помощью хиазма, который в этом контексте превращается в художественную и лингвисти­ческую метафору процесса восприятия.

19) См.: Иригарей Л. Этика полового различия / Пер. с фр. А. Шестакова, В. Николаенкова. М.: Художественный журнал, 2004.

20) Следует уточнить, что первая в этой череде — книга Хелен Гарднер «Искусство на протяжении веков: введение в его историю и значение», вышедшая в 1926 г. Она фактически положила начало жанру обзора крупных исторических эпох в американской науке и по сей день пользуется успехом. Ее включение стало возможным благодаря ее постоянным пе­реизданиям, которые после смерти Гарднер предпринимают ее соавторы, дополняя текст новыми периодами.

21) Автор перефразирует уже упомянутый выше афоризм Гомбриха: «Нет современного искусства, есть только дис­курсивные практики».

22) Правда, невольно возникает вопрос: если цель книги за­ключается в том, чтобы осветить наиболее влиятельные перспективы в развитии методов истории искусства, то почему отсутствует работа о Жаке Деррида? Это ввело бы проблему деконструкции живописи как средства позна­ния и проблему «Деррида vs. Фуко».

23) См.: Фуко М. Живопись Мане / Пер. с франц. А.В. Дья­кова. СПб.: Владимир Даль, 2011. Помимо лекции Фуко (1971) в книге содержатся статьи-комментарии крупных философов и историков искусства — Т. де Дюва и др.

24) Деконструкция эстетического рассматривается (явно или латентно) как условие появления новых ракурсов интер­претации произведения искусства во всех четырех трудах; специально посвящена этой проблеме (на примере текстов Деррида) статья Дэвида Нормана Родовика «Нечистый мимесис, или Конец эстетического» («Impure Mimesis, or the Ends of the Aesthetic»), опубликованная в сборнике Д. Прециози.

 

 

что такое искусство, виды, жанры, функции искусства. История развития искусства с древнейших времен до наших дней

254606

• Виды и жанры искусства
• История развития искусства

Updated: 31.03.2020

Искусство — это способ понимания и отображения действительности путем создания особого продукта — произведений, способных вызвать эмоциональный отклик у людей. Наряду с наукой, искусство используется человечеством для правильного восприятия и осмысления окружающего мира. Важнейшая функция искусства заключается в удовлетворении двух духовных потребностей человека: любви к прекрасному и желании получать эстетическое удовольствие.

Искусство также помогает формировать общественное сознание, стимулирует посредством полученных человеком ощущений появление новых мыслей и представлений. Оно может принимать всевозможные формы и служить разнообразным целям (от возвышенных и благородных до низменных и отвратительных).

Виды и жанры искусства

Искусство — очень объемное определение, поэтому оно объединяет огромное количество способов отображения замысла автора. Виды искусства классифицируются по таким параметрам:

• Предмету отображения — изобразительные (для отображения реальной действительности) и неизобразительные (для воплощения выразительными средствами внутреннего мира человека).
• По динамике — пространственные (характерные для определенной местности) и временные (соответствующие конкретной исторической эпохе).
• По утилитарности — изящные (выполняющие сугубо эстетическую функцию) и прикладные (дополнительно востребованные в быту).
• По используемым материалам — традиционные художественные материалы (краски, глина, гранит, мрамор, древесина, металл), современные средства обработки хранения информации (компьютерная графика, цифровая живопись), звук (музыкальные произведения), слово (проза, поэзия, каллиграфия), человек-исполнитель (певец, актер, клоун).

Исторически также принято разделять виды искусства по жанрам (темам и объектам отображения) и стилям (особенностям использования художественных приемов в произведениях).

К основным видам изобразительного искусства относятся:

1. Пространственные (статистические или зрительные):

• Архитектура (проектирование и строительство зданий).
• Живопись (моно- или полихромное изображение художественными средствами предметов и объектов на плоскости).
• Графика (воплощение художественного образа на плоскости линиями и штрихами).
• Скульптура (создание объемных произведений из твердых материалов).
• Фотоискусство (отражение действительности или эмоций автора посредством фотоснимков).
• Декоративно-прикладное искусство (изготовление предметов, сочетающих в себе эстетическую и практическую функцию).

2. Синтетические (зрительно-слуховые):

• Театр;
• Кино;
• Эстрада;
• Хореография;
• Балет;
• Цирк;
• Телевидение.

3. Временные (слуховые):

• Музыка;
• Литература;
• Поэзия.

История развития искусства

История искусства ведет свое начало с древнейших времен. Среди ученых нет единого мнения относительно происхождения этого способа отражения действительности. Значительная часть философов считает, что толчком к зарождению искусства послужил промысл Божий, он пробудил в наших предках высшее духовное начало и желание творить. Согласно другой теории, первобытный человек посредством создания примитивных поделок (изображений) стремился понять окружающий мир и передать приобретенные знания другим членам общества.

Первобытное искусство было тесно связано с играми и обрядами. Оно существовало в виде изображений животных на стенах пещер, песен, танцев, украшений тела рисунками и символами, всевозможных предметов из подручных материалов (раковин, костей и шкур животных).

Появление древних цивилизаций (египетской, финикийской, вавилонской) ознаменовало собой новый этап в развитии искусства. Благодаря разделению физического и умственного труда, относительно небольшая часть людей смогла полностью посвятить себя творчеству, стать профессиональными зодчими, художниками или скульпторами.

В каждом очаге цивилизации постепенно формировался стиль с индивидуальными отличительными особенностями. Шедевры древних мастеров стали источником вдохновения для потомков в далеком будущем.

В эпоху Средневековья в Европе искусство было полностью подчинено служению религии. Основным заказчиком произведений была церковь, центральными мотивами — библейские сюжеты и духовные истины. В исламских странах ограничение на изображение человека привело к упадку живописи. Здесь развивались другие виды искусства: архитектура, ковроткачество, каллиграфия, керамика. В Древнем Китае хорошо была развита резьба по камню, скульптура и живопись.

Эпоха Возрождения коренным образом изменила концепцию искусства. Революционные идеи гуманизма послужили мощным двигателем для создания шедевров Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), Микеланджело (Michelangelo), Альбрехта Дюрера (Albrecht Dürer). Изобретение книгопечатания содействовало развитию литературы и графики.

Чуть позже, в эпоху Просвещения наступило время кардинальной перестройки общественной жизни. Это неизбежно отразилось в искусстве появлением новых стилей:

• барокко;
• романтизма;
• классицизма;
• реализма;
• академизма.

Во второй половине XIX века бурное развитие капитализма привело к зарождению целого ряда художественных стилей:

• импрессионизма;
• фовизма;
• символизма;
• постимпрессионизма.

Мастера того времени увлеченно искали новые средства художественного выражения, не стеснялись экспериментировать и отрицать догмы прошлого.

В ХХ веке огромную роль в искусстве начал играть кинематограф. Постепенно он занял главенствующую позицию относительно воздействия на широкие массы, формирования стиля жизни, пропаганды ценностей разных режимов. А развитие Интернета и всеобщая компьютеризация населения на рубеже ХХ-ХХI веков дали толчок к появлению новых видов медиаискусства.

Вместе с развитием человечества искусство прошло огромный путь от наскальных изображений до использования компьютерных технологий. Но его роль в удовлетворении духовных потребностей людей была и остается определяющей.

На сайте Very Important Lot любой желающий может принять участие в аукционах, приобщиться к миру прекрасного и приобрести шедевры искусства разных эпох. Здесь же можно купить напрямую картины у современных художников.

• Добавить фото

Вы можете отправить одновременно до 4 фотографий

Больше новостей

Петриковская роспись — расписное чудо

Александр Максович Шилов — мастер чуткого портрета

Всё выше, и выше, и выше: цены на винтажные пин-ап картины стремятся к космическим

Юбер Робер — великий мастер городского пейзажа, который чудом избежал смерти в годы революционного террора

Ювелирное дело — древнее искусство создания уникальных шедевров из ценных материалов

Пастель — техника уникальных возможностей живописи и графики: виды, история, художники

Кто такие «малые голландцы»

Огюст Роден — скульптор, вдохнувший живую энергию в камень

Поликлет — гениальный основоположник классических канонов скульптуры

Культурно-трудовая миграция при Петре Великом. Судьба художников, приехавших в Россию творить

Гид по истории искусства

История искусства,


….Большой видеокурс для погружения в мир искусства от Античности до начала XX века

Записаться на курс

Записаться на курс

……Видеокурс для погружения в мир истории искусства

Открыть программу курса

Этот курс — ваш первый шаг в изучении искусства


Историю искусства можно исследовать бесконечно, но с чего начать? Мы предлагаем вам сделать первый шаг в осознанном изучении европейской культуры.

За 9 занятий разберём искусство двух с половиной тысячелетий, от Античности до ХХ века. Разберёмся в особенностях каждого периода и разложим по полочкам стили, эпохи и термины.

?

?

?

?

?

Вы погрузитесь в историю искусства от Античности до XX века

Античность: Греция

Что европейская культура взяла от античной Греции?

Что узнаем?

Античность: Рим

Как римские зодчие навсегда изменили архитектуру?

Что узнаем?

Средневековье

Почему «тёмные века» — это миф?

Что узнаем?

Возрождение

Как художники превратились в творцов?

Что узнаем?

Барокко и классицизм

Как великие перемены XVII века повлияли на искусство?

Что узнаем?

Рококо и неоклассицизм

К чему привёл бунт против античной рассудочности?

Что узнаем?

Романтизм

Как художники познавали внутренний мир человека?

Что узнаем?

Реализм и импрессионизм

Зачем художники обращались к сюжетам повседневности?

Что узнаем?

Символизм

Почему художники разрушали прошлое ради нового?

Что узнаем?

Античность: Греция

Что европейская культура взяла от античной Греции?

Что узнаем?

Античность: Рим

Как римские зодчие навсегда изменили архитектуру?

Что узнаем?

Средние века

Почему «тёмные века» — это миф?

Что узнаем?

Возрождение

Как художники превратились в творцов?

Что узнаем?

Барокко и классицизм

Как великие перемены XVII века повлияли на искусство?

Что узнаем?

Рококо и неоклассицизм

К чему привёл бунт против античной рассудочности?

Что узнаем?

Романтизм

Как художники познавали внутренний мир человека?

Что узнаем?

Реализм и импрессионизм

Зачем художники обращались к сюжетам повседневности?

Что узнаем?

Символизм

Почему художники разрушали прошлое ради нового?

Что узнаем?

Получите структуру и разберётесь в периодах искусства

В интернете много информации. В том числе — об искусстве. На курсе вы получите структуру, на которую потом легко будет нанизывать новые знания.

?

?

?

?

?

|

…………..oПосле курса вы, а не гид, впечатляете друзей в зале импрессионистов

После курса вы, а не гид, впечатляете друзей в зале импрессионистов

Как устроен курс

Уроки от экспертов-искусствоведов с опытом работы в Третьяковской галерее и ГМИИ им. Пушкина. Одно занятие — одна эпоха из истории искусства.

Смотрите видеоуроки


В каждом занятии 5-6 видеоуроков по 10-15 минут

Они помогут закрепить теоретические знания и попрактиковаться. Тест стоит проходить сразу после урока, задания можно делать в удобное время.

Какую общую цель преследовали художники символизма, постимпрессионизма и модерна?

Воспитание гражданина

Воплощение вечного идеала

Прекрасное ради прекрасного

Верно! Лозунг «прекрасной эпохи»: «Искусство ради искусства!». В XIX веке искусству наконец отводят самостоятельное значение, оно уже не должно служить какой-то высшей цели.

выберите ответ прямо здесь

Проходите тесты


Тест в конце каждого урока и большой тест по всем эпохам в конце курса

Для каждого урока есть памятка — главная информация из урока. Их можно скачать и обратиться к ним после курса, например, когда пойдёте в музей.

Запоминайте главное

После каждого занятия 1-2 памятки и большая памятка с разбором всех эпох искусства в конце курса

За год курс прошло уже

Прекрасное введение в историю искусства. Информативный, нескучный, отлично организованный курс, с множеством доп. материалов.


Инна Муфтеева

рекомендует курс

Замечательный курс, единичные кусочки пазла дополнились множеством новых элементов и сформировали единую целостную структуру. Профессиональная команда лекторов, получила огромное удовольствие, спасибо!


Ирина Нырка

рекомендует курс

Здравствуйте! Благодарю вас за чудесный гид по истории искусства! Я в восторге! Хочу похвалить лекторов, которые в своих выступлениях с увлечением ведут слушателя за собой! Также радует возможность проверить изученное в тестах, правильные ответы на которые доставляют эстетическое наслаждение. Вы молодцы! Успехов!


Владимир Краснов

рекомендует курс

Прекрасные лекции, увлечённые, профессиональные лекторы. Очень удобно, что доступ возможен в любое время.


Марина Паршуковская

рекомендует курс

Отличный курс ! программа очень емкая , очень харизматичные лекторы , прекрасная подача ! И какой дополнительный материал ! Купила ещё 4 курса у вас и ещё 4 присмотрела 🙂 спасибо за вашу работу

Ксения Чиковани

рекомендует курс

Мне очень понравился курс! Хорошие лекторы, подача материала интересная. Курс выстроен очень грамотно. Спасибо за дополнительную литературу. Я с довольствием запишусь и на другие курсы, а также буду рекомендовать друзьям.

Камила Турисбекова

рекомендует курс

Вы ПОТРЯСАЮЩИЕ! Спасибо вам! Отдельно хотелось бы поблагодарить Наталью Вострикову и Викторию Васильеву, они запали мне в самое сердечко ????

Лада Шумакова

рекомендует курс

Великолепный обзор искусства, истории и причинно-следственных связей! Все знания легко складываются в единую общую картину. Спасибо!

Юлия Сухнева

рекомендует курс

Очень нравится, что много материала, переслушиваю и пересматриваю лекции по 2-3 раза, каждый раз замечаю, что что-то в прошлый раз упустила или уже забыла.
Тут тоже не помешало, что это текст — глазами пробежать и картинки посмотреть приятно для смены формата. С удовольствием продолжаю курс 🙂 Спасибо огромное за ваш труд!

Анна Порвати

рекомендует курс

мне всегда хотелось получить систематизированные знания об искусстве, а синхронизация завоевала мое безграничное доверие и уважение по тем курсам, которые я изучила»

Мария Акимова

рекомендует курс

Лекторы о курсе

Виктория Васильева

Искусство помогает отстроить оптику глаза так, что даже в рутине повседневности он видит красоту. Курс будет полезен всем, кто желает сделать свою реальность более многомерной.

Елена Личманова

Курс даст ясное представление о том, как и почему менялись формы искусства, а самое главное — насколько разную роль оно играло для людей в разные эпохи.

Наталья Вострикова

Кому нужен курс? Всем-всем! Никогда не знаешь, где найдешь что-то полезное и интересное, а в истории искусства такое находишь всегда. Ну и чемодан знаний никогда не бывает слишком тяжелым!

Полина Токмачёва

Этот курс для тех, кто хочет составить себе представление об истории искусств, чтобы не путать маньеризм, символизм, импрессионизм, чтобы посмотреть на историю искусств с высоты птичьего полёта.

Юлия Воротынцева

Вы можете просто восторгаться картинами Ван Гога. Но, если вам интересно, как художник пришёл к такой живописной манере, почему современники не смогли понять и оценить его творчество и почему искусство XX века невозможно без него — смотрите наш Гид.

Экскурсовод, историк искусства. Сотрудник отдела культурно-просветительских программ в Мультимедиа Арт Музея. Прошла практику в Везувианском институте археологических и гуманитарных исследований.

Преподаватель с опытом работы в ГМИИ им. А.С. Пушкина и НИИ Теории и истории искусства при Российской Академии Художеств. стажировалась в Университетском колледже Дублина.

Автор курсов по истории искусства и преподаватель в Институте гуманитарного образования и информационных технологий.

Кандидат искусствоведения, лектор-искусствовед ГМИИ им. А.С. Пушкина, старший преподаватель РГГУ.

Куратор выставок, посвящённых отечественному искусству второй половины ХХ века.

Вероника Салтыкова

В моём уроке мы поочередно изучим каждый вид искусства Возрождения: архитектуру, скульптуру, живопись. Так мы проследим эволюцию разных видов искусства и найдём общий вектор развития эпохи.

Кандидат искусствоведения, научный сотрудник Музеев Московского Кремля. Читала курсы лекций по истории искусства в Российской академии живописи, ваяния и зодчества и в Институте истории культур.

Экскурсовод, историк искусства. Сотрудник отдела культурно-просветительских программ в Мультимедиа Арт Музея. Прошла практику в Везувианском институте археологических и гуманитарных исследований.

Автор курсов по истории искусства в Институте славянской культуры и Институте гуманитарного образования и информационных технологий.

Научный сотрудник Государственной Третьяковской галереи. Куратор выставок, посвящённых отечественному искусству второй половины ХХ века.

Кандидат искусствоведения, лектор-искусствовед ГМИИ им. А.С. Пушкина, старший преподаватель РГГУ.

Преподаватель с опытом работы в ГМИИ им. А.С. Пушкина и НИИ Теории и истории искусства при Российской Академии Художеств. стажировалась в Университетском колледже Дублина.

Кандидат искусствоведения, научный сотрудник Музеев Московского Кремля. Читала курсы лекций по истории искусства в Российской академии живописи, ваяния и зодчества и в Институте истории культур.

Экскурсовод, историк искусства. Сотрудник Мультимедиа Арт Музея

Бывший преподаватель Пушкинского и НИИ при Российской Академии Художеств

Историк искусства, автор курсов для образовательных учреждений

Кандидат искусствоведения, лектор Пушкинского, старший преподаватель РГГУ

Историк искусства, куратор выставок

Кандидат искусствоведения, научный сотрудник Музеев Московского Кремля

Синхронизация — крупнейший лекторий в России

1000+

3000

человек уже прошли наши курсы и лекции

курсов и лекций разработали наши преподаватели

занятий мы провели за 5 лет

вошли в топ-10 перспективных стартапов по версии Forbes

Проблема «история-искусство» в творческих исканиях Л.

Н. Толстого

Понятие «история-искусство» впервые встречается у Л. Толстого В самом начале 70-х годов. 5 апреля 1870 года Толстой, знакомившийся незадолго до того с «Историей России…» С. Соловьева и не одобрив ее, записывает в дневнике: «История хочет описать жизнь народа – миллионов людей. Но тот, кто не только сам описывал даже жизнь одного человека, но хотя бы понял период жизни не только народа, но человека, из описания, тот знает, как много для этого нужно. Нужно знание всех подробностей жизни, нужно искусство – дар художественности, нужна любовь…

Что делать истории?

Быть добросовестной.

Браться описывать то, что она может описать, и то, что она знает – знает посредством искусства. Ибо история, долженствующая говорить необъятное, есть высшее искусство.

Как всякое искусство, первым условием истории должна быть ясность, простота, утвердительность, а не предположительность. Но зато история-искусство не имеет той связанности и невыполнимой цели, которую имеет история-наука. История-искусство, как и всякое искусство, идет не в ширь, а в глубь, и предмет ее может быть описание жизни всей Европы и описание месяца жизни одного мужика в XVI веке».

Эти мысли Толстого и эти его слова привлекали уже к себе внимание ученых. В своей последней, прекрасной, вышедшей посмертно книге о Толстом Б. Эйхенбаум, приведя толстовскую дневниковую запись, дает такое к ней пояснение: «Эта новая точка зрения могла явиться в связи с чтением главного сочинения Шопенгауэра – «Мир как воля и представление». Процитировав далее соответствующие куски из сочинения Шопенгауэра и показав их смысловую близость к взглядам Толстого на историю, Б. Эйхенбаум утверждает: «Нетрудно заметить, что приведенное выше размышление Толстого по поводу истории Соловьева написано не без влияния этих мыслей Шопенгауэра об исторической науке» ¹.

Сам факт близости исторических воззрений Толстого и Шопенгауэра продемонстрирован Б. Эйхенбаумом точно и убедительно и представляет для науки большой интерес. Но выводы, которые сделал ученый из этого факта, его указание на Шопенгауэра как на прямой источник «новой точки зрения» Толстого на историю, нам кажутся, по меньшей мере, спорными. Действительно ли точка зрения Толстого на историю, как она сформулирована в дневниковой записи 1870 года, была для него новой? И в самом ли деле ее источник следует искать в чтении Толстым Шопенгауэра?

За всем этим стоит серьезная литературоведческая проблема. Тем более серьезная, что она имеет непосредственное отношение к центральным художественным идеям и замыслам Толстого. К тому же проблема эта выходит за границы только толстовского творчества и касается некоторых общих тенденций в развитии русской философской и художественной мысли.

* * *

Живой интерес Толстого к вопросам исторического знания возник очень давно, задолго до 70-х годов. И интерес этот у Толстого с самого начала имел характер отталкивания, оппозиции, несогласия с общепринятым в официальной историографии той поры взглядом на вещи.

Еще в юности, учась на философском факультете Казанского университета, Толстой демонстративно не посещает лекций по истории. По этой причине его не допускают к переводным экзаменам. Толстой уходит с философского факультета и поступает на другой – юридический. Там тоже читают историю – и Толстой по-прежнему не ходит на лекции по этому предмету. За непосещение лекций он попадает в карцер, и там, в карцере, случайному соседу он высказывает свой, видимо, хорошо продуманный критический взгляд на науку историю: «История… это ничто иное, как собрание басен и бесполезных мелочей, пересыпанных массой ненужных цифр и собственных имен…» ².

Этот взгляд на историю юноши Толстого в дальнейшей эволюции толстовского мировоззрения не только не претерпел сколько-нибудь принципиальных изменений, но все более укреплялся в своих основах.

Причем уже у молодого Толстого хорошо видно, что его отрицание науки истории означало не отсутствие интереса к самой истории, а, напротив, усиленный, страстный (и пристрастный!) интерес к ней. В Толстом говорит не просто пафос отрицателя, но пафос высокого соперничества. По сути, с самых первых своих шагов в литературе он чувствует в себе историка и жаждет им быть – и именно это больше всего руководит им в его критических суждениях о науке истории.

Находясь на Кавказе, в марте 1852 года Толстой читает «Историю французской революции» Тьера и «Историю Англии» Юма. А вскоре после этого 22 сентября 1852 года, записывает в дневнике: «Составить истинную, правдивую историю Европы нынешнего века. Вот цель на всю жизнь» ## Л. Н. Толстой, Собр. соч. в 20-ти томах, т. 19, «Художественная литература», М. 1965, стр. 101. В дальнейшем ссылки на это издание даются в тексте.

1. Б. Эйхенбаум, Лев Толстой, Семидесятые годы, «Советский писатель», Л. 1960, стр. 115, 116.[↩]
2. См.: В. Н. Назарьев, Жизнь и люди былого времени, «Исторический вестник», 1890, ноябрь, стр. 440.[↩]

Хотите продолжить чтение? Подпишитесь на полный доступ к архиву.

Уже подписаны? Авторизуйтесь для доступа к полному тексту.

Связь между искусством и историей – Harvard Gazette

Кампус и сообщество

Преподаватель аспирантуры Рози Бусякевич (слева направо, фото 1) ведет дискуссию с Беминет Десален, Даниэль Ривз, Софи Харрингтон и другими студентами CRLS во время посещения Гарвардского художественного музея.

Крис Сниббе/штатный фотограф Гарварда

Студенты, преподаватели и студенты-преподаватели общаются в Гарвардских художественных музеях

Автор: Дженнифер Дуди Гарвардский корреспондент

Дата 19 апреля 2016 г. 18 декабря 2017 г. Программа, которая, по словам студентов, изменила их отношение к искусству и истории.

«На уроке истории мы обычно смотрим на картинки и говорим о контексте, но здесь мы доходим до на самом деле испытайте это», — сказала Беминет Десалень, чей класс по истории США Advanced Placement (AP) недавно посетил музеи, чтобы изучить изображения президентов и историю угнетения афроамериканцев в США. эти события».

Студент истории AP Нусрат Джахан согласился: «Не очень интересно просто читать о прошлых событиях. Но когда вы приходите сюда и видите искусство, созданное людьми, реально живущими в то время, когда вы думаете об этом и говорите об этом или даже воссоздаете произведение, рисуя его, вы получаете более глубокое понимание того времени и через что прошли люди. Мы видим контекст и действительно переживаем это сами».

В рамках партнерской программы каждый семестр около 120 студентов посещают Гарвардские художественные музеи. Студенты-преподаватели Гарвардской высшей школы образования (HGSE) работают с преподавателями CRLS над разработкой и проведением занятий, включающих музейное искусство в учебную программу.

«Мы создаем туры, которые связывают их с тем, что они изучают в классе», — сказала преподаватель HGSE Джессика Пайк. «Мы призываем их устанавливать связи между произведением искусства и концепциями, которые они изучают, — делать эти связи аналитически. Очень полезно овладеть этим навыком. Просто знать факты недостаточно: история — это не только факты; это история. Это во многом связано с нашими взглядами и нашим анализом».

AP Учитель истории из США Марлин Канн, который учится на первом курсе партнерской программы, сказал, что программа «действительно повысила сложность понимания истории учащимися. Они не только с нетерпением ждут этого замечательного события, но и повысили их понимание того, что такое история».

Студенты изучают материалы из разных эпох американской истории. Джессика Пайк, студентка HGSE, рассказывает студентам о портрете президента США Джона Адамса, сделанном Джоном Синглтоном Копли.

Крис Сниббе/штатный фотограф Гарварда

В качестве примера Канн вспомнил, как студенты изучали произведения искусства под общим названием «Медали бесчестия», включающие в себя несколько литых металлических повествовательных барельефов, созданных американским художником Дэвидом Смитом в 1930-х годах. Каждый предмет, финансируемый программой «Новый курс» федерального правительства, посвящен уникальной антивоенной теме.

«Медали также говорят о росте фашизма, использовании медицины в качестве оружия, гражданских бомбардировках и так далее», — сказал он. «Они не только связаны с историей, но и контекст находится в призме 19-го века.30 с. Это помогает сделать эти вещи очень реальными для студентов и заставляет вас анализировать изображения как историка, а не только как художественную аудиторию».

«Школьные визиты в музеи могут напоминать экскурсии, но наши студенты-преподаватели пытаются наладить связи с реальным миром», — сказал Дэвид Одо, директор музейных программ для студентов и исследователь университетских коллекций, курирующий программу. . «Мы хотим помочь учителям CRLS достичь высоких целей, которые они поставили перед собой и своими учениками, и мы хотим дать ученикам надежную отправную точку, чтобы бросить вызов своим представлениям о мире. Гарвардские художественные музеи — это место, где эти студенты могут думать и расти — и быть собой».

Выбор редакции

Мир

Зеленский говорит о стратегии России, ядерной угрозе, украинском единстве, уроках лидерства во время выступления в Школе Кеннеди

Искусство

Реалистичные портреты мумий проливают свет на жизнь и смерть в мультикультурную римскую эпоху 2000 лет назад

Мир

Слишком рано или художественный императив? Писатели-фантасты размышляют об истории, силе, проблемах историй, в которых реальная жизнь является доминирующим персонажем.

Вверх


Вперед

Кампус и сообщество

Новости школ, офисов и филиалов Гарварда

Бакалавр искусств в области истории искусств | Программы бакалавриата | Кафедра изящных искусств

Изучение истории искусства способствует глубокому пониманию фундаментального стремления человечества к творчеству. История искусства прослеживает, как художники всех периодов времени и географических регионов противостоят своей среде и обществу и тем самым создают артефакты, вызывающие прочный резонанс и понимание культурных практик своего времени. Такие акты визуального выражения находят разнообразную артикуляцию в самых разных средствах массовой информации, включая архитектуру, скульптуру, живопись, фотографию, графику, кино, перформанс и видео.

В основе нашей учебной программы лежит глобальная перспектива. Совместно с Художественным музеем роз отдел также предоставляет исключительные ресурсы для изучения искусства двадцатого века и современного искусства.

Специальность по истории искусства делает упор на способы исследования, которые она разделяет с другими областями, анализирующими культурную деятельность, такими как семиотика, социальная история, психоанализ и гендерные исследования, что обусловлено его уникальной компетенцией в области визуального анализа. Благодаря ряду пройденных курсов студенту предлагается развивать фокус, отражающий его собственные интеллектуальные и личные интересы.

Почему Брандес?

В Брандейсе процветает искусство. В дополнение к ультрасовременным студиям мы можем похвастаться известным Музеем розового искусства, выдающейся коллекцией из 8000 предметов европейского и американского модернизма, американского соцреализма 1920-х и 1930-х годов, сюрреализма и многого другого. Наш отдел часто сотрудничает с Гуманитарным центром Манделя, предлагая лекции и беседы с художниками. И каждый год Брандейс чествует своих артистов на Фестивале творческих искусств Леонарда Бернстайна, многодневной демонстрации драмы, комедии, танца, художественных выставок, поэтических чтений и музыки.

Более того, в близлежащем Бостоне и его окрестностях находятся превосходные художественные учреждения, в том числе Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Музей изящных искусств, Институт современного искусства, Музей Пибоди Эссекс и многочисленные музеи Гарвардского университета.

Научная деятельность и исследования

Расширить все

Награды

Студенты, изучающие историю искусств, могут посвятить два семестра старшего года написанию независимо разработанной дипломной работы. Этот проект включает в себя выполнение первичных исследований в архивах, на месте или в беседе с художниками и экспертами по выбранной вами теме. Заключительный тезис, написанный под руководством консультанта факультета, представляет собой расширенный документ, в котором излагаются ваши собственные аргументы, наблюдения и точки зрения.

В студии

Для изучения истории искусства требуется два курса Studio Art, чтобы дать представление о творческом процессе, возможном только через практический опыт. Возможность провести время в студии бесценна для понимания значения арт-объектов и сложности их создания.

Отличник факультета

Расширить все

Выдающийся факультет

Наши искусствоведы являются экспертами в своих областях и широко публикуются. Среди их известных книг — стандартные работы по современному искусству, палестинскому искусству и раннесредневековой архитектуре, а также монографии о Николя Пуссене, Джорджии О’Киф, Фриде Кало и Кан Ювей. Они внесли свой вклад в каталоги выставок в Лувре, Метрополитен-музее и Тейт Модерн в Лондоне.

Преподаватели нашей студии – уважаемые профессиональные художники, скульпторы и медийные художники. Они выставлялись в крупных галереях и музеях Нью-Йорка, Новой Англии, других мест в Соединенных Штатах и ​​за рубежом.

Они также являются одаренными учителями, которые готовы передать вам свои знания и страсть.

Вне класса

Расширить все

Искусство и социальная справедливость

Студенты, изучающие историю искусств, принимают участие в различных общественно-политических мероприятиях, от стажировок и независимых проектов до экскурсий и внеклассных мероприятий. Крупные и несовершеннолетние работали над проектами с экологическими активистами и художниками, они стажировались в организациях, занимающихся демократизацией музеев, созданием уличного искусства, расширением музейного образования и стремлением к искусству и экологической справедливости.

Ремис Грантс

Если вы первокурсник, второкурсник или младший курс, проявляющий большой интерес к изобразительному искусству и хорошо успевающий, вы можете подать заявку на эту награду. Гранты Remis помогают финансировать исследования, обучение по программам, ориентированным на искусство, и художественные принадлежности в течение лета.

Стажировки

Художественный музей Розы на территории кампуса предлагает летние и годовые кураторские стажировки студентам Брандейса, заинтересованным в изучении потенциала музейной карьеры.

Мы также можем помочь вам найти стажировку в Бостонском музее изящных искусств, Музее Изабеллы Стюарт Гарднер и Институте современного искусства; Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Музей современного искусства и Музей Гуггенхайма; и многие другие музеи и галереи по всей стране.

Волонтер

Музей розового искусства предлагает программу гида по галерее, которая является отличным введением в музейное образование.

Учеба за границей

Брандейс в Сиене — это летняя программа, сочетающая студийный опыт, курсовую работу по истории искусства и экскурсии по историческим культурным местам Тосканы. Благодаря этому культурному иммерсивному обучению вы вступите в прямой контакт с оригинальными работами в каноне истории искусства и западной культуры. Чтобы узнать больше о возможностях обучения за границей, посетите веб-сайт обучения за рубежом.

Аспирантура, карьерные возможности и выпускники

Расширить все

Братство

Если вы старше, вы можете подать заявку на получение стипендии Mortimer Hays-Brandeis Traveling Fellowship, которая покрывает расходы на проезд и проживание за пределами континентальной части Соединенных Штатов в течение одного года после получения степени бакалавра. Прошлые получатели побывали в канадской Арктике, Южной Корее, Колумбии, России и Эквадоре, среди прочего, для исследований и научной работы.

Аспирантура

Специалисты по истории искусства получают степень магистра в области истории искусств, музееведения, кураторства, музейного администрирования и художественного образования, а также получают степень в области права и бизнеса, которую они могут применить в мире искусства. Специалисты также получают докторскую степень по истории искусства на ведущих программах. Они становятся:

Карьерные возможности

Наши выпускники факультета истории искусств работают по всему миру искусства, как:

• профессора истории искусства в ведущих университетах

• директора галереи

• арт-дилеры

• специалисты, продавцы-консультанты и руководители аукционных домов

• куратора в Музее современного искусства, Метрополитен-музее, Музее Уитни, Атенеуме Уодсворта и Mass MoCA

• директора таких учреждений, как Музей Уитни, Художественный музей Хьюстона, Художественный музей Сиэтла и Музей Нашера

• руководящие должности в некоммерческих культурных организациях

• реставраторы в музеях и частных практиках

«История искусства имеет значение, потому что в нашем мире нам нужны наблюдатели. Люди, которые могут останавливаться, смотреть на что-то, замечать детали и вести диалог вокруг этого предмета. Благодаря истории искусства я стал лучшим зрителем, более внимательным к деталям и более информированным человеком».

Това Перлман ’18

История искусства | Hampshire College

Студенты из Хэмпшира, специализирующиеся в этой области, учатся не только тому, как анализировать произведения искусства как самостоятельные объекты или памятники, но также понимать и интерпретировать их в связи с историческими обстоятельствами, стремлениями и конфликтами культуры и общества. региона, в котором они были изготовлены.

Учащиеся читают и интерпретируют произведения изобразительного искусства как записи культурного воображения и его более широких социальных проблем, развивая при этом разнообразные критические методы и оригинальность мысли.

История искусства – это захватывающая область исследований, по самой своей природе тесно междисциплинарная, и в Хэмпшире студенты создали группы, которые связывают историю искусства с кураторскими исследованиями, социологией, памятью, духовностью, литературой и архитектурой.

---

Названия студенческих проектов

• Торжество земной любви в творчестве Караваджо
• Художественный рынок: Рекордные продажи в Canon
• Крестьянин в нацистской и советской визуальной культуре
• Отмеченное тело: квир-репрезентация в современном искусстве и NEA
• Медицинский взгляд, зашифрованное пространство и организованное тело: городские преобразования в Буэнос-Айресе
• Замурованное противоречие: радикальный модернизм, критический традиционализм в доме Чарльза Ренни Макинтоша на холме, Хеленсбург
• Перспективы художественного климата и литературной эволюции
• Тактика реверсирования: деконструкция популярных культур

---

Образец первого курса

Тело в современном искусстве

Представление человеческого тела занимает центральное место в истории искусства. Этот курс исследует эту важнейшую тему так, как она изображалась на протяжении последних двух столетий. Курс начинается с чтения по анатомии и перехода от мужественной мужественности Жака-Луи Давида в 1780-х годах к более андрогинному и даже феминизированному мужчине, как его последователи. Затем он исследует зрелище современного города, в котором проститутки/Венеры/роковые женщины/другие виды работающих женщин часто отдавали предпочтение домашней сфере. После изучения искусства периода Первой мировой войны, когда среди художников-авангардистов имели место различные нападения на традиционный мимесис, этот курс исследует современные исследования телесной репрезентации, от проектов скульптуры тела Орлана до политики идентичности и способов, которыми телесная репрезентация были разработаны.

---

Примеры курсов в Хэмпшире

• Эстетическая теория
• Искусство и изгнание
• Тело в современном искусстве
• Книги, Искусство книги, Книга художников, Библиофилия
• Баухаус
• Коллекционер: теория и практика
• Колониализм в изобразительном искусстве
• Дадаизм и сюрреалистические видения
• Дега, Ван Гог, Гоген
• Европа после дождя: реконструкция современности
• Герника
• Введение в визуальную культуру
• Модернизм и Современность
• Реализм в искусстве девятнадцатого века
• Символисты и декаденты
• Остаток, Деталь, Сокровенное
• Визуальная культура и Холокост

---

Через Консорциум

• Африканское искусство и диаспора (AC)
• Искусство и смерть (SC)
• Мечты об Италии (Южная Каролина)
• Оценка греческого искусства (UMass)
• Боги и Смертные (MHC)
• Великие темы в искусстве (UMass)
• Импрессионизм и постимпрессионизм (UMass)

---

Помещения и ресурсы

Музеи и галереи

Консорциум Five College включает в себя несколько музеев, открытых для студентов и преподавателей Хэмпшира. Это, а также партнерство с близлежащим историческим центром Дирфилда, дает студентам доступ к искусству и материальной культуре из самых разных географических и исторических контекстов.

Национальный книжный центр на идиш, расположенный в кампусе Хэмпширского колледжа, содержит более миллиона томов литературы на идиш и принимает множество общественных программ, от концертов до чтений, фильмов и выставок.

Художественный музей Мида в колледже Амхерст содержит более 14 000 произведений искусства в своей постоянной коллекции, а также в меняющемся выставочном пространстве, галерее Fairchild и недавно отреставрированной Учебной галерее.

Художественный музей колледжа Смита наиболее известен своей коллекцией картин и скульптур девятнадцатого и двадцатого веков, а также здесь находится современный Центр изучения эстампов, рисунков и фотографий Каннингема.

Постоянная коллекция Художественного музея колледжа Маунт-Холиок, одного из старейших учебных музеев в стране, включает азиатское искусство, египетские, греческие и римские древности, средневековую скульптуру, картины раннего итальянского Возрождения и другие сокровища.

В университетской галерее Массачусетского университета в Амхерсте хранится обширная постоянная коллекция произведений второй половины двадцатого века.

Все эти потрясающие коллекции открыты для использования хэмпширскими студентами, изучающими историю искусств, и часто используются на уроках в хэмпширских классах.

Музей искусства иллюстрированных книг Эрика Карла расположен в кампусе Хэмпширского колледжа и является передовой силой нового движения, направленного на прославление ранее недооцененной художественной области детской книжной иллюстрации.

История искусств — Университет Хьюстона

REX KOONTZ
Профессор
Координатор программы
E -Mail: Rkoontz@ UH . EDU
Office: Fine Arts, 104E

.
.
. Art Artmo Artmo
.
. 9000. Emporing
. 9000. Emporing. творческое самовыражение людей от наших истоков в Африке до наших дней. Сосредоточенная на визуальном мире, история искусства по своей сути является междисциплинарной областью, которая также опирается на богатые интеллектуальные традиции антропологии, литературы, философии, психологии и истории.

Программа истории искусств Университета Хьюстона привлекает художественные учреждения города вместе с нашими звездными преподавателями для создания инновационной учебной программы для студентов, которые хотят добиться успеха в международном мире искусства. Мы обеспечиваем прочную основу в дисциплине «История искусств» в городском исследовательском университете уровня 1, одновременно предоставляя глубоко значимый опыт в коллекциях крупных художественных учреждений города. Мы верим в расширение доступа к устойчивой карьере в искусстве, приветствуя начинающих ученых с широким кругом знаний в наших основных и второстепенных программах.


Бакалавр искусств в области истории искусств

Студенты, специализирующиеся в области истории искусств, изучают в общей сложности 12 курсов (36 часов) по истории искусств и 3 курса (9 часов) помимо истории искусств, которые дополняют их обучение в этой области. Базовые обзорные курсы и семинар по теории и методу истории искусства необходимы для всех специальностей, а также ряд курсов по каждому из четырех широких периодов и культур. Специальные курсы, проводимые приглашенными преподавателями, музейными кураторами и реставраторами, еще больше обогащают регулярные курсы. Студенты также могут разрабатывать предложения для независимых исследований, дипломов с отличием или проектов, связанных со стажировками, за которые они могут получить академический кредит с одобрения преподавателей.

Город Хьюстон – динамичная среда для изучения искусства и истории искусств. Наши разнообразные художественные учреждения мирового класса включают Музей изящных искусств Хьюстона, Коллекция Менила, Музей современного искусства, Художественный музей Блаффера, Центр современного ремесла, Центр искусств Лондейла, DiverseWorks, Project Row Houses, Art League Houston, Хьюстонский центр фотографии. , FotoFest, Printing Museum и Asia Society, а также множество альтернативных арт-пространств и галерей, специализирующихся на временных выставках исторического и современного искусства. Студентам истории искусств помогают взаимодействовать с этими культурными учреждениями в ходе учебы посредством экскурсий, классных заданий и стажировок.

Приглашенные ученые

Каждый год Программа истории искусств приглашает выдающегося ученого в рамках большой серии выступлений Школы искусств. В дополнение к публичной лекции этот гость привлекает студентов к закрытым семинарам и мастер-классам, где у нас есть возможность тесно взаимодействовать с их исследованиями и педагогикой. В течение учебного года мы принимаем множество других докладчиков в связи с нашей учебной программой, включая искусствоведов, кураторов, критиков и художников. В частности, мы регулярно привлекаем студентов к кураторам музеев и реставраторам из Музея изящных искусств Хьюстона и коллекции Менила.

Недавние спикеры: Кэти Анания, Клэр Бишоп, Шарлин Вилласеньор Блэк, Корнелия Батлер, Дуглас Кримп, Томас Кроу, Джамал Сайрус, Мойра Дэйви, Лия Дикерман, Натали Дюпешер, Брэдфорд Эпли, Аллан ДеСуза, Джулия Брайан-Уилсон, Дарби Инглиш , Гарри Гамбоа мл. , Джулия Гернси, Сюзанна Хадсон, Кэролайн А. Джонс, Амелия Джонс, Дэвид Джоселит, Брайан Джаст, Льюис Качур, Серджио Прего, Сондра Перри, Кристофер Ю. Лью, Миа Локс, Анна Ловатт, Меган Меткалф, Кари Додсон, Аса Миттман, Гэйл Левин, Джеймс Нисбет, Пегги Фелан, Лора Фиппс, Мари Кармен Рамирес, Винсент Рамос, Мэтью Ричи, Джудит Роденбек, Стив Роуэлл, Кэти Сигел, Джейкоб Стюарт-Халеви, Глория Саттон, Альвия Уордлоу, Мишель Уайт.

Faculty

• H. Rodney Nevitt, Jr.

  Associate Professor

• Judith Steinhoff

  Associate Professor

• Natilee Harren

  Associate Professor

• Rex Koontz

  Профессор

• Роберто Техада

  Хью Рой и Лилли Кранц Каллен Заслуженный профессор

• САНДРА ЗАЛМАН

  Доцент

• Luisa orto

  Лектор8

Стадер или независимые исследования

Стадер и независимые исследования

Стадер или независимые исследования

.

Стажеры бакалавриата напрямую узнают о работе некоммерческих учреждений искусства, работая под руководством утвержденных наставников в качестве кураторов и научных сотрудников, а также в отделах образовательного программирования и подготовки. Наши студенты прошли стажировку в таких учреждениях, как Художественный музей Блаффера, Музей изобразительных искусств в Хьюстоне, Коллекция Менила, Центр искусств Лондейла, DiverseWorks, Хьюстонский музей естественных наук, Музей Холокоста, Музей печати и Хьюстонский центр современного ремесла. Конкретную информацию о правах, требованиях и возможностях можно получить на факультете или у консультанта бакалавриата. Студенты могут разработать предложения по академическим кредитам, связанным со стажировкой, по согласованию с факультетом истории искусств.

Facilities

• Object Study Workshop

• Architecture, Design, & Art Library

• At the Museum of Fine Arts Houston

• Figurines from Object Study Collection

• Object Study of a Figurine

• Музей изобразительных искусств Хьюстона

Карьера

Благодаря широкому выбору курсов, полевых и обучающих поездок за границу, объектному обучению в местных музеях и в нашей лаборатории объектов, а также возможностям стажировки в различных учреждениях по всему миру. В районе Хьюстона программа «История искусств» позволяет учащимся выбрать захватывающее множество вариантов карьеры. Бакалавриат по специальности «История искусств» развивает передовые навыки в области исследований, письма, критического мышления и анализа визуальной и культурной информации, которые могут стать основой для самых разных профессиональных направлений. Две основные карьерные траектории для тех, кто хочет продолжать работать непосредственно в искусстве: кураторские, образовательные и административные должности в музеях и галереях; или преподавательские, исследовательские или административные должности в школах, колледжах и университетах. Такая карьера обычно требует аспирантуры по истории искусств на уровне магистра или доктора философии.

Многие из наших студентов бакалавриата по истории искусств закончили аспирантуру по юриспруденции, антропологии, архитектуре, бизнесу, библиотечному делу, лидерству в искусстве, творческому письму и другим областям. Наши выпускники построили успешную карьеру на местном, региональном и национальном уровнях, используя свои степени в области истории искусств, чтобы получить работу в музеях, галереях, библиотеках, школах, университетах, некоммерческих организациях и частном секторе.

Home > USC Department of Art History > USC Dana and David Dornsife College of Letters, Arts and Sciences

Бакалавр истории искусств

История искусства объединяет изучение искусства с изучением культуры. Бакалавриат дает общие знания по истории искусства, а на старших курсах — специальные знания в различных областях. Специалисты знакомятся с разнообразными теоретическими подходами и поощряются к оттачиванию навыков критического и концептуального мышления. Этот фонд позволил многим выпускникам факультета истории искусств получить ученые степени по признанным на национальном уровне программам, освоить различные области и сделать карьеру в области искусства.

Дополнительное направление по истории искусства

Дополнительное направление по истории искусства предлагает концентрированный курс обучения, который включает в себя множество объектов из разных исторических периодов и культур в отношении их создателей, покровителей, зрителей и критиков. Учащиеся младших классов обучаются анализировать визуальные образы и информацию в процессе интенсивного просмотра, чтения, исследования и письма.

Несовершеннолетний в визуальной культуре

Критический подход к истории искусства является отправной точкой для несовершеннолетнего в визуальной культуре, посвященной анализу изобразительного искусства, которое в широком смысле включает изобразительное искусство, кино и телевидение, фотографию и видео, иллюстрированные книги, реклама, архитектура и дизайн. Студенты, изучающие визуальную культуру, выбирают один из трех направлений: фотография, кино и воспроизведение изображений; популярная культура; или пол и сексуальность.

Обучение за границей

Студенты, которые учатся за границей, получают особый взгляд на мир за пределами своих границ, который будет приносить им пользу на протяжении всей их жизни. Учеба за границей в течение семестра или года — один из лучших способов осмысленно понять другую культуру. Это опыт, который может оказать глубокое влияние на студента в академическом, личном и профессиональном плане. Колледж USC и факультет истории искусств призывают студентов рассмотреть возможность обучения за границей в своей программе бакалавриата. Чтобы узнать больше об обучении за границей, посетите следующий веб-сайт: http://www.college.usc.edu//overseas-studies/

 

Доктор философии в истории искусства

Доктор философии. Программа по истории искусства в USC черпает свою силу из динамичного и продуктивного факультета в области американского, европейского, британского, средиземноморского, латиноамериканского и азиатского искусства. Изучая объекты в их сложных физических, культурных и интеллектуальных контекстах, наша программа стремится к исторически обоснованному, материально вовлеченному и теоретически нюансированному подходу к истории искусства и визуальной культуре. Программа Университета Южной Калифорнии использует наше расположение в яркой культурной среде Лос-Анджелеса. Семинары для выпускников регулярно проводятся на месте или работают с коллекциями в местных музеях, в том числе в Музее искусств округа Лос-Анджелес (LACMA), Музее современного искусства (MOCA), Центре Гетти, на вилле Гетти и в Музее им. Искусство среди прочего. Мы не принимаем кандидатов на окончательную степень магистра гуманитарных наук в области истории искусств, хотя студенты могут иметь право на получение степени магистра, если они не завершат докторскую программу. Многие из наших докторов наук. студенты также записываются на программу получения сертификата выпускника визуальных исследований (VSGC). Студенты, изучающие историю искусств и VSGC, имеют впечатляющий послужной список достижений, который превратился в выдающийся недавний рекорд размещения на штатных, постдокторских и кураторских должностях.

Календарь AHIS

См. Календарь событий

---

 

Лиза Пон получает стипендию Гуггенхайма

Поздравляем сотрудника Департамента истории искусств USC Dornsife с именем Лизы Гонгген! Она использует стипендию для завершения своей книги о художнике эпохи Возрождения Рафаэле.

Историк искусства USC Dornsife стал стипендиатом Гуггенхайма > Новости > USC Dornsife

---

 

Стремясь увидеть чествование чернокожих художников, студент переходит от подготовки к медицине к истории искусства

 

Старшая школа USC Dornsife Джабреа Паттерсон-Уэст меняет свою специальность и свой жизненный путь, чтобы поддерживать недостаточно представленных артистов.

ДжаБреа Паттерсон-Уэст была удостоена стипендии Меллона для студентов бакалавриата, которая поддерживала ее наставничество под руководством старшего куратора Художественного музея округа Лос-Анджелес Стефани Бэррон. (Фото предоставлено JaBrea Patterson-West).0005

---

USC DORNSIFE Департамента искусств ИСТОРИЯ ИСТОРИИ , и Евразийские исследования (ASEEES) Диссертация на исследовательскую поездку  

 

 

Онлайн-история искусства Степень Концентрация

Internet Explorer не поддерживается. Предпочтительные браузеры: Хром а также Fire Fox.

Степень бакалавра искусств Университета штата Аризона в области искусства со специализацией в области истории искусств в Интернете способствует лучшему пониманию форм и функций визуальных медиа во времени. Изучая историю искусства, вы можете получить глубокое понимание культурного самовыражения. Выпускники будут готовы к поиску работы в музеях, галереях или художественных агентствах.

Учить больше

Краткие факты

Дата следующего начала: 12.10.2022

---

Всего классов: 39

Недели в классе: 7,5

Всего кредитных часов: 120

Вопросы на степень, ответы.

Есть вопросы о История искусств (BA) ? Заполните эту форму и мы свяжемся с вами!

Имя

Это обязательное поле.

Фамилия

Это обязательное поле.

Номер телефона

Неверный номер телефона.

Зачем получать степень по истории искусств?

Получение степени по истории искусства позволяет вам развивать широко применимые способности при изучении тем, имеющих широкую культурную привлекательность. В этой программе вы узнаете об экономических, социальных и политических контекстах, необходимых для понимания художественных тенденций. Вы также будете изучать смежные темы, такие как медиа и перформанс, литература, история, наука и антропология. Благодаря искусству вы можете достичь более широкого понимания мира, научиться проводить исследования и повысить свои способности критического мышления.

В чем уникальность этой онлайн-концентрации по истории искусства?

Наша программа является одной из немногих онлайн-курсов по истории искусств, предлагаемых по всей стране. Вы можете воспользоваться обширной базой знаний и значительным опытом наших всемирно известных преподавателей. Кроме того, наши курсы по истории искусства охватывают важные темы, актуальные в разных странах и эпохах. В этой программе вам будет предложено исследовать области, связанные с историей искусства, и проводить независимые исследования.

Какие навыки я получу со степенью бакалавра в области искусства со специализацией по истории искусства?

Помимо прохождения онлайн-курсов по истории искусства, вы можете изучать темы, развивающие обширную культурную грамотность. У вас будет возможность отточить свои таланты в публичных выступлениях и решении проблем.

Искусство служит центром изучения тенденций, сформировавших мир. Развивая навыки творческого мышления, исследования и письма, вы изучите культурное самовыражение и укрепите свою способность проводить анализ и ясно общаться.

Будет ли в моем художественном дипломе со специализацией по истории искусств указано «онлайн»?

Нет, в дипломах Аризонского государственного университета не указано, получаете ли вы степень онлайн или лично. На всех дипломах и стенограммах написано просто «Университет штата Аризона». Это связано с тем, что онлайн-студенты ASU учатся на том же факультете и получают то же содержание курса, что и очные студенты.

Обратите внимание, что в вашем дипломе будет указана полученная вами степень: Бакалавр искусств в области искусства. Ваша концентрация в области истории искусств не будет указана в вашем дипломе, но будет отмечена в ваших стенограммах.

Онлайн-курсы по истории искусства

Чтобы получить диплом по истории искусств, вы пройдете курсы, которые помогут глубже понять культурный контекст. Вы изучите темы, связанные с эстетикой, производством, меценатством и потреблением искусства. Специальные курсы дают представление об искусстве из разных культур, периодов времени и географических регионов. Богатая и разнообразная учебная программа завершается изучением методов исследования и семинаром, посвященным исследованиям и письму. Курсы по специальности включают:

Посмотреть полную основную карту

ARS 102: Искусство от Ренессанса до модернизма (HU & H)

---

ARS 101: Искусство от предыстории до средневековья (HU & H)

---

ARS 201: Искусство Азии (H & H) & G)

---

ARS 202: Искусство Африки, Океании и Америки (HU & H & G)

---

ARS 250: История фотографии (HU)

---

ARS 480: Методы исследования (L)

---

ARS 498: Pro-Seminar (L)

---

Что я могу сделать с концентрацией степени истории искусства?

Получив степень бакалавра искусств в области искусства со специализацией в области истории искусств в Интернете, вы будете готовы продолжить карьеру в музеях, галереях, исторических обществах и обществах сохранения или в художественных агентствах. Кроме того, вы можете использовать свои исследования, передаваемые навыки и способности критического мышления в различных других профессиях или для обучения в аспирантуре. Возможные варианты карьеры включают в себя:

Архивист

---

Рост: 7,9 %

Заработная плата: $ 56,760

Art Professor

---

. 3,8 %

Зарплата: $ 62 870

Музейный куратор

---

Рост: 12,6 %

Заработная плата: $ 56,990

.0004

---

Рост: 11,6 %

Заработная плата: $ 45,710

Агент таланта

---

Рост: 11,8 %

СЛАД: $ 75,420592079205

205 9000

: . Учитесь у педагогов искусств, известных во всем мире

Институт дизайна и искусств им. Гербергера ASU является домом для ученых, художников и дизайнеров мирового класса, которые вдохновляют студентов на формирование будущего. Исследования нашего факультета основаны на преобразующей силе искусства и его способности изменить мир. Направления исследований факультета включают:

• Искусство и дизайн во имя социальной справедливости.
• Искусство, образование и художественно-интегрированное образование.
• Искусство, предпринимательство и культурная политика.
• Взаимодействие с общественностью и государственная политика.
• Креативное сотрудничество в области здравоохранения.
• Изучение творчества.

Диплом в области искусства онлайн со специализацией в области истории искусств Требования к поступающим

Я будущий

первокурсник

Вы считаетесь первокурсником при подаче заявления, если вы вообще не посещали колледж или имеете менее 12 переносимых кредитных часов (с минимальным совокупным средним баллом 2,50).

1. Просмотреть требования к компетенции

2. Просмотрите другие требования к приеме

3. Полная онлайн -заявка

4. Файл FAFSA

5. Закон о запросе или SAT -оценках

5. Закон или SAT -оценки

9000

5. Показать больше

Не соответствуете вступительным требованиям?

Вы по-прежнему можете поступить в ASU через Earned Admission. Благодаря этому пути вы можете продемонстрировать свою способность добиться успеха в ASU, пройдя онлайн-курсы со средним баллом 2,75 или выше.

Для начала подайте заявление в АГУ. Коуч по зачислению свяжется с вами и предоставит дополнительную информацию о том, подходит ли вам программа Earned Admission Pathway.

Главное учреждение искусства и истории искусства

Институт дизайна и искусств им. Гербергера ASU имеет традицию лучших программ бакалавриата и магистратуры по сочетанию дисциплин. Они варьируются от искусства, средств массовой информации и техники до кино, танцев и театра. Институт обучает художников и дизайнеров использовать свои творческие способности и решение проблем для развития культуры, создания сообщества и преобразования общества.

5300+

---

учащихся.

400

---

международно признанные преподаватели.

125

---

программы в области искусства, медиа и техники, дизайна, кино, танцев и театра, а также музыки.

Топ-20

---

среди школ изящных искусств страны, опережая Корнельский университет, Школу дизайна Парсонса и Калифорнийский университет.